1001 HISTOIRES SECRÈTES DE CHANSONS

Fabien LECŒUVRE

1001
HISTOIRES SECRÈTES
DE CHANSONS

Tous droits de traduction,
d’adaptation et de reproduction
réservés pour tous pays.

© 2017, Groupe Artège

Éditions du Rocher

28, rue Comte Félix Gastaldi - BP 521 - 98015 Monaco

www.editionsdurocher.fr

ISBN : 978-2-268-09672-8

EAN Epub : 9782268098487

Avant-propos

1001 histoires secrètes de chansons est un ouvrage qui rassemble des anecdotes et les secrets de fabrication des plus grandes chansons françaises du XVe siècle à aujourd’hui.

Comme un écho à la sensibilité collective, ce livre permet de satisfaire tous ceux qui veulent avoir sous la main l’histoire de leurs chansons préférées, classées par titre, de A à Z.

Après quinze années de recherches, d’enquêtes et d’interviews, j’ai veillé à sélectionner les titres les plus emblématiques, les plus symboliques et les plus populaires qui ont marqué les vies de chacun d’entre nous.

Les chansons se singularisent par leurs interprètes, mais également par leur diversité aussi bien culturelle que temporelle.

Cet ouvrage unique en son genre est à la fois un dictionnaire de la chanson française et en même temps, un grand livre d’Histoire de la France en chansons.

Les nombreux témoignages, les confidences et les anecdotes d’artistes, d’auteurs, de compositeurs, d’éditeurs, de producteurs, de directeurs artistiques, que je recueille depuis tant d’années, dans les coulisses d’émissions de télévision et de radio, m’ont permis de donner naissance à cet ouvrage.

La chanson française appartient à ceux qui l’écoutent, l’apprécient, la créent, la chantent, la font vivre. 1001 histoires secrètes de chansons est un hommage à toutes ces personnes qui nous rendent souvent la vie plus facile en chanson !

Fabien LECŒUVRE

A

À la claire fontaine

Incontestablement l’une des chansons traditionnelles les plus populaires en France, À la claire fontaine a traversé allégrement les époques et a été reprise ou adaptée par de nombreux artistes de Georges Brassens à Nana Mouskouri, en passant par Claude François ou même Céline Dion en 2016.

Comme souvent lorsqu’une chanson se transmet de génération en génération, il n’est pas toujours évident d’en retrouver l’origine. En ce qui concerne À la claire fontaine, il faut remonter au XVe siècle pour retrouver la trace de ce qui était à l’origine un poème en alexandrins, dont l’auteur n’est pas resté dans la postérité. Pour la musique, elle est attribuée à un jongleur de rues de la même époque. Ainsi, la chanson s’est répandue de places de villages en places de villages et a fait le tour de la France se déclinant avec des textes adaptés à chaque région. Au XVIe siècle, la chanson franchit l’Atlantique avec tous les Français qui partent s’installer en Nouvelle- France, actuel Québec, alors en pleine colonisation par la France. La chanson devient un hymne pour les coureurs des bois, lors des longs voyages en canots sur le Saint- Laurent. Quand les Anglais attaquent les Français à partir de 1759, pour conquérir le territoire, À la claire fontaine devient un chant de résistance contre l’ennemi anglais. Pour les patriotes français, la claire fontaine devient alors une métaphore du fleuve Saint- Laurent qui était bordé de chênes et où s’étaient installés les Français. L’amie évoquée dans la chanson représente la France que jamais je n’oublierai. Ainsi, le titre devient le premier hymne national des Canadiens français. En France, la chanson connaît un regain de popularité vers 1850, auquel les milieux intellectuels parisiens ne sont pas étrangers. Plusieurs variantes de la chanson naissent alors et en changent le sens.

Au fil des années, À la claire fontaine devient une comptine pour enfants. Cette chanson va connaître plus de 500 versions et sera reprise par de très nombreux artistes. En 1961, dans l’album Le temps ne fait rien à l’affaire, Georges Brassens décline la chanson avec Dans l’eau de la claire fontaine. En 1966, c’est au tour de Guy Béart d’enregistrer sa propre version du titre dans un album intitulé Très vieilles chansons de France. Même chose pour Nana Mouskouri qui en 1973 vend 250000 exemplaires d’un album intitulé vieilles chansons de France, sur lequel figure bien évidemment À la claire fontaine.

En novembre 1974, en supplément cadeau pour les lecteurs de son magazine Podium, Claude François enregistre Jamais je ne vous oublierai adaptée de À la claire fontaine et signée du parolier Eddy Marnay. En 2016, c’est au tour de Céline Dion de reprendre la mélodie de la chanson en hommage à son mari et pygmalion René Angélil, sur un texte de Daniel Picard intitulé À la plus haute branche.

À la pêche aux moules

Sortie en 1975, À la pêche aux moules interprétée par Nestor le Pingouin via le ventriloque David Michel, devient en quelques semaines l’une des plus importantes ventes de 45 tours du moment. Cette très ancienne chanson populaire française, exhumée par Jacques Martin, pour son émission satirique Le Petit Rapporteur, devient un véritable hymne dans toutes les familles françaises. Une situation qui ne fera pas vraiment plaisir à l’animateur vexé de ne pas être associé à l’immense succès du disque.

C’est une marionnette baptisée Nestor le Pingouin et animée par le ventriloque David Michel, qui se retrouve numéro 1 au Hit-Parade le 15 janvier 1976, avec le titre La Pêche aux moules, devant Nicolas Peyrac, Dalida, Joe Dassin ou Johnny Hallyday. Pour bien comprendre l’origine de cette chanson ancrée dans les mémoires de tous les enfants des années 1970, il faut voyager dans le temps. En effet, la mélodie de cette chanson provient d’un air folklorique dont l’origine semble remonter au Moyen Âge. À cette époque, du côté de La Rochelle, après une bonne pêche, on danse en ronde sur cet air de fête qui comme tous les airs de fête se transmet de génération en génération. On le retrouve plus tard, à la fin du XVIIIe siècle, grâce à un chansonnier à succès de l’époque, le Chevalier de Piis qui en fait sa version. Vers 1870, c’est dans la Bourgogne viticole que la mélodie réapparaît sous forme d’une chanson à boire. À la pêche aux moules est remplacée par la récolte du raisin. En 1911, le chanteur fantaisiste Danem enregistre cette version sous le titre La vigne aux moineaux qui fait un triomphe dans les caf-conc’.

Le 19 janvier 1975, Jacques Martin et Bernard Lion créent un nouveau programme de télévision intitulé Le Petit rapporteur et diffusé en direct, sur TF1, tous les dimanches en début d’après-midi. Après avoir vu une publicité pour la sécurité routière dans laquelle un groupe d’enfants chantait À la pêche aux moules, Jacques Martin a l’idée d’en faire l’hymne de sa nouvelle émission satirique. Dès lors, chaque semaine, Jacques Martin démarre son émission en entonnant cette drôle de chanson, avec tous ses chroniqueurs qui font des moulinets avec leurs bras. Ce générique devient très vite populaire. C’est alors que le ventriloque David Michel qui anime Samedi est à vous sur TF1, a l’idée de faire enregistrer cette chanson à sa marionnette Nestor le Pingouin. Le 45 tours sort à la fin de l’année 1975 et va devenir l’une des plus grosses ventes de disques du moment. En seulement 45 jours, La Pêche aux moules s’écoule à plus de 1, 2 million de disques. La chanson devient un véritable hymne national repris dans toutes les familles. Jacques Martin n’apprécie pas vraiment que le succès de cette chanson qu’il a remis à la mode lui échappe. Non seulement il demande à David Michel et à la maison de disques de verser une partie des bénéfices à une association caritative, et en plus, dès le début de l’année 1976, alors que le titre est n° 1 dans les hit-parades, Jacques Martin change de rengaine pour son émission. Il choisit Mam’zelle Angèle, une autre ancienne chanson française que l’un des chroniqueurs, Pierre Desproges, chantait quand il était scout.

Preuve que les hymnes populaires ne s’éteignent jamais, en 2008, sur son premier album Phenom’N, le chanteur Keen’V a remis une nouvelle fois au goût du jour, À la pêche aux moules.

À nos actes manqués

Au printemps 1991, Jean-Jacques Goldman et ses deux acolytes Carole Fredericks et Michael Jones font souffler un air de zouk ensoleillé dans le Top 50 avec À nos actes manqués. Partons aux origines de cette chanson, imaginée lors d’un dîner émouvant et chaleureux entre copains.

L’histoire de la chanson À nos actes manqués commence en 1990. À ce moment-là, Jean-Jacques Goldman travaille à l’élaboration d’un nouvel album qu’il a décidé d’enregistrer en trio avec le guitariste et chanteur Michael Jones qui l’accompagne dans les tournées depuis 1983, et la célèbre choriste d’origine américaine, Carole Fredericks.

Un soir de février 1990, Jean-Jacques Goldman se retrouvent avec des amis « Chez Pauline », un petit restaurant où il a ses habitudes. Lors de ces dîners, la tradition est de lancer un thème de discussion pour que chacun donne son avis. Ce soir-là, Jean-Jacques qui approche de la quarantaine, oriente la discussion vers un bilan de vie et commence avec ses copains à énumérer tout ce qu’ils ont raté et toutes les choses à côté desquelles ils sont passés pour en arriver à la conclusion que tout choix est un renoncement. Ce dîner qui se termine en grand délire entre potes de la même génération, inspire Jean-Jacques Goldman qui va en faire une chanson. De retour chez lui, il écrit donc un texte sur ce thème qu’il intitule À nos actes manqués et imagine une musique assez lente, d’inspiration blues et West Coast, en parfaite harmonie avec la tristesse des paroles. Il demande ensuite au compositeur américain Bruce Hornsby de travailler sur les arrangements.

Quelques jours plus tard, Jean-Jacques Goldman part cinq semaines en Afrique et un mois aux Antilles. Au cours de ces voyages, il se familiarise avec des rythmes qu’il connaissait mal comme le zouk, une musique gaie et ensoleillée. C’est alors qu’il a l’idée pour tempérer le côté négatif de sa nouvelle chanson, de l’accompagner d’une musique légère et dansante, d’inspiration antillaise.

De retour à Paris, Goldman décide de retravailler la rythmique d’À nos actes manqués avec Erick Benzi, un jeune arrangeur qui connaît bien les musiques antillaises. Et c’est ainsi que la chanson À nos actes manqués devient un hymne festif et positif malgré un texte au goût de regrets.

Enregistrée au studio Guillaume Tell, à Suresnes, en banlieue parisienne, au mois de mai 1990, À nos actes manqués sort sur l’album Fredericks-Goldman-Jones, le 28 novembre suivant.

Cette chanson est choisie pour être le second extrait de cet album à paraître en 45 tours. Le single fait son entrée au Top 50, le 11 mars 1991, à la 24e place. De semaine en semaine, il grimpe pour atteindre la seconde place au mois de mai 1991.

Au même moment, À nos actes manqués a été enregistré en anglais par le trio. Les paroles de cette version intitulée To the Deeds We Missed ont été écrites par Michael Jones.

Pour la petite histoire, en 2002, sur leur compilation 20 ans déjà, la Compagnie Créole a repris À nos actes manqués, soulignant ainsi le côté zouk de la mélodie.

En 2011, c’est au tour de M. Pokora d’enregistrer À nos actes manqués. Avec cette reprise, il connaît un beau succès atteignant la dixième position des meilleures ventes en France. Il remporte même le NRJ Music Awards pour la chanson de l’année le 28 janvier 2012. Pour la petite histoire, après avoir enregistré la chanson en mars 2011, M. Pokora a envoyé une copie à Jean-Jacques Goldman pour son fils. Deux jours après, il a reçu un message de Goldman qui lui disait qu’il avait trouvé cette reprise fidèle à l’originale mais avec l’avantage d’être mise à jour.

À Paris

En 1949, Francis Lemarque débute sa carrière discographique avec un premier 78 tours sur lequel figure À Paris, l’une des plus célèbres chansons de son répertoire. Cette déclaration d’amour à Paris, qui fait le tour du monde, a bien failli être chantée par Édith Piaf.

Si Francis Lemarque est rapidement devenu un auteur reconnu, sa carrière d’interprète a mis un peu plus longtemps à s’affirmer. Ce fils d’émigrants, dont les parents ont fui les pogroms d’Europe de l’Est, a été bercé par la musique populaire des bals musettes parisiens depuis sa plus tendre enfance. Engagé dès 1934 dans la lutte ouvrière, il crée, sous l’impulsion de Louis Aragon, un duo avec son frère Maurice. Ils prennent tous deux le pseudonyme des Frères Marc.

Pendant les événements du Front populaire, ils se font connaître en se produisant dans les usines occupées. En 1940, Francis Lemarque, installé en zone libre à Marseille, fait la connaissance de Jacques Canetti qui va jouer un rôle important, pour ne pas dire déterminant, dans sa carrière. Quand Canetti crée en décembre 1947 le cabaret des Trois Baudets, à Montmartre, il pense assez rapidement à Francis Lemarque pour participer à ses spectacles. Et à chaque fois, l’accueil du public pour Francis est si chaleureux que Canetti va décider, à partir de 1949, de lui faire enregistrer des disques pour Polydor puis pour Philips. Au moment de rassembler plusieurs chansons pour un premier 78 tours, Francis Lemarque repense à une chanson célébrant Paris, qu’il a créée deux ans plus tôt, en 1946, et qu’il avait proposée à plusieurs interprètes. Elle s’intitule tout simplement À Paris.

Écrite comme un long poème d’amour dédié à la capitale française, à ses habitants, à ses quartiers et à ses rues, À Paris n’a, selon son créateur, rien de très original, si ce n’est que ce dernier a su trouver les mots et la musique à la hauteur de son ambition: rendre hommage à une ville magnifique qu’il redécouvre avec émerveillement, après son exil pendant l’Occupation. En 1946, après avoir créé cette chanson, Francis la propose à Yves Montand que lui a présenté Jacques Prévert. Le jeune chanteur est perplexe et n’est au départ pas très emballé par cette chanson que les accordéonistes trouvent boiteuse, à cause de sa construction différente de celle des autres. Devant l’hésitation d’Yves Montand, Francis Lemarque décide de la proposer à Édith Piaf. Elle, en revanche, la trouve formidable. Elle certifie même à Francis qu’il a un chef-d’œuvre entre les mains. Pourtant, malgré son enthousiasme, elle ne l’enregistre pas, pour la simple et bonne raison qu’elle vient déjà de mettre à son répertoire une chanson sur la capitale signée Eddy Marnay et Léo Ferré, intitulée Les Amants de Paris.

En 1949, Francis Lemarque se résout donc à enregistrer lui-même cette chanson sur son premier disque. Il en fait son premier grand succès. Plus tard, Yves Montand l’enregistrera également et contribuera aussi à en faire un standard international. Il l’inscrira à tout jamais dans la chanson populaire de qualité.

À toutes les filles

Durant l’été 1990, le duo Didier Barbelivien et Félix Gray ne quitte pas les premières places du Top 50. Parce qu’ils ont eu la même fiancée au même moment et sans le savoir, ils ont créé un an plus tard la chanson À toutes les filles. Un succès récompensé par un double disque d’or !

Sur les bancs de l’école, Didier Barbelivien griffonnait déjà des paroles sur ses cahiers et fredonnait des mélodies sur sa guitare. Depuis 1975, plus d’une centaine d’artistes interprètent ses chansons. Très vite, les disques d’or tapissent les murs de son appartement parisien. Parallèlement, en 1980, il débute une carrière solo et interprète ses propres créations. Au printemps 1990, Didier Barbelivien choisit de s’associer à Félix Gray, l’inoubliable auteur-compositeur de La Gitane en 1987. Ensemble, ils séduisent un public féminin et familial. En quelques mois et dès la sortie de leur tout premier succès, À toutes les filles, ils participent à de nombreuses émissions de télévision et leur chanson est l’une des plus diffusées en radio durant l’année 1990.

L’histoire de la chanson À toutes les filles commence durant l’été 1989, sur une route entre Saint-Tropez et Saint-André-les-Alpes. En effet, alors que Didier Barbelivien et Félix Gray se rendent au studio d’enregistrement chez leur ami Bernard Estardy, ils discutent et s’aperçoivent rapidement qu’ils ont aimé et fréquenté la même fille durant la même période. Cette anecdote amuse beaucoup nos deux complices. Ils décident d’en faire une chanson. Le soir même, en partant de cette histoire insolite, Didier Barbelivien compose une musique et Félix Gray un texte. La chanson À toutes les filles vient de naître. Pour s’amuser, tous deux enregistrent le titre en mars 1990, sans se douter un seul instant que cette chanson trouvera un auditoire. Distribué par BMG, le single sort en mai 1990 et se classe rapidement en tête du Top 50 pendant plus de 19 semaines. Au total, 1300000 singles se vendent et la chanson À toutes les filles devient l’un des tubes inoxydables de l’été 1990.

Point anecdote : Devant le succès de ce duo improvisé par Didier Barbelivien et Félix Gray, la maison de disques leur propose vivement de continuer l’aventure. Ensemble, ils interprètent d’autres titres et vendent plus de trois millions de disques en trois ans.

Adieu jolie Candy

Tube international, Adieu jolie Candy, interprété par Jean-François Michaël, a marqué l’année 1969. Revenons sur l’incroyable histoire de ce hit romantique qui a changé la vie d’un certain Yves Roze…

La carrière d’Yves Roze commence en 1963, dans Le Jeu de la chance, la Star Academy de l’époque, émission où il gagne la première place 4 semaines de suite. Il signe alors un contrat avec le label Riviera mais le succès tarde à venir. Alors, pour gagner sa vie tout en restant dans le monde du disque, Yves se fait engager comme directeur artistique aux disques Barclay. Il a en charge notamment les carrières de Michel Delpech et de Pierre Vassiliu. Tout se passe pour le mieux jusqu’au jour où un de ses amis, le jeune Michel Berger, l’appelle et lui demande de venir poser sa voix sur une chanson qu’il vient de composer et qui s’intitule Adieu jolie Candy.

Par amitié, Yves, qui aime toujours chanter, accepte sans se faire prier. Il enregistre donc la chanson mais il est loin d’imaginer la suite de l’histoire…

En effet, quelque temps après, Michel Berger le prévient que la maison de disques Vogue a adoré le titre et va le sortir en 45 tours. Yves, qui travaille pour un concurrent, se demande comment faire pour ne pas risquer de perdre sa place. Après réflexion et comme il ne sait pas si la chanson va fonctionner, il préfère dans un premier temps ne rien dire à son employeur et décide que le disque Adieu jolie Candy sortira sous un pseudonyme et sans sa photo sur la pochette. C’est ainsi que Yves Roze devient Jean-François Michaël, trois prénoms qu’il apprécie. Très vite, le succès du disque dépasse largement ses espérances et s’écoule à plus de 40000 exemplaires par jour, ce qui énerve beaucoup le label Barclay qui au même moment dispute la première place à Wight Is Wight de Michel Delpech. Yves se trouve très embarrassé par cette situation à la fois formidable pour lui et terriblement stressante. Pour la petite histoire, il existe très peu d’images télévisées de Jean-François Michaël interprétant sa chanson, car jusqu’à ce que le succès soit flagrant, il a préféré rester dans l’ombre. Au final, Adieu jolie Candy va battre des records de vente non seulement en France avec plus de 750000 exemplaires, mais aussi à l’international avec plus d’un million d’exemplaires vendus dans 19 pays.

Adieu Monsieur le professeur

C’est en lisant un livre de la fin du XIXe siècle qu’Hugues Aufray a l’idée de sa chanson Adieu Monsieur le professeur. Un titre de 1968 qui n’a pas quitté les sommets des hit-parades pendant huit mois.

Après de brillantes études aux Beaux-Arts, passionné de chansons, Hugues Aufray connaît des débuts difficiles. Il chante dans les boîtes de la rive gauche à Paris. En 1959, il gagne le premier prix des Numéros 1 de demain avec la chanson de Serge Gainsbourg, Le Poinçonneur des Lilas. Il enregistre cette année-là son premier disque. Mais c’est un voyage aux États-Unis qui décide de la suite de sa carrière. Il découvre le folk-song à travers Joan Baez et Bob Dylan et décide alors de l’importer en France. Il obtient un rapide succès dès 1961 avec des chansons comme Santiano, Dès que le printemps revient ou L’Épervier.

Neuf ans après l’enregistrement de son tout premier disque et après tant de succès, ce cowboy pacifiste et généreux demande au compositeur Jean-Pierre Bourtayre et à l’auteur Vline Buggy de travailler sur une nouvelle chanson. En effet, après avoir lu le livre signé Émile Erckmann et Alexandre Chatrian, traitant des problèmes d’un maître d’école pendant la guerre de 1870, Hugues Aufray souhaite interpréter une chanson en hommage à cet enseignant lorrain partagé entre un territoire tantôt français, tantôt allemand. Vline Buggy propose alors un texte intitulé Adieu Monsieur Grégoire dans lequel les enfants d’une classe disent au revoir à leur maître d’école. Mais Hugues Aufray n’est pas satisfait, il trouve le titre trop anecdotique. Après avoir assisté à la fête donnée pour le départ en retraite d’un professeur de sa fille, Charlotte, à Marnes-la-Coquette, il impose l’idée plus généraliste du titre Adieu Monsieur le professeur et demande à Jean-Pierre Bourtayre de retravailler sa mélodie. Au bout d’une semaine, le compositeur retrouve Hugues Aufray à la fin d’un concert et lui joue au piano les nouvelles notes de la prochaine chanson. Hugues Aufray n’en revient pas, il est ému d’entendre le savant mariage des mots de Vline Buggy avec la nouvelle partition musicale signée Jean-Pierre Bourtayre. En quelques jours, il enregistre la chanson et sort le disque en novembre 1968.

Six mois après les révoltes étudiantes et les événements politiques, la chanson d’Hugues Aufray devient un véritable hommage au corps enseignant. Avec plus de 640 000 exemplaires vendus, le titre reste classé pendant huit mois dans les meilleures ventes de disques en France.

Point anecdote: Adieu Monsieur le professeur est devenue avec le temps une chanson culte, un véritable hymne pour toutes les fêtes de fin d’année scolaire, et ce depuis quarante ans. La plus belle récompense peut-être !

Africa

En 1982, la France entière danse au son d’Africa, une chanson interprétée par Rose Laurens et composée par son mari, Jean-Pierre Goussaud. Ce tube est né lors d’une réunion de famille, un dimanche d’été à la campagne.

Derrière Africa se cache d’abord une belle histoire d’amour entre une jeune chanteuse d’origine polonaise, Rose Laurens, et Jean-Pierre Goussaud, un compositeur et musicien à qui l’on doit des chansons pour Nicole Croisille, Dalida et beaucoup d’autres. Rose rencontre Jean-Pierre à la fin des années 1970. Après avoir débuté comme chanteuse dans un groupe de rock progressif, la jeune femme tente de démarrer une carrière solo. Sa rencontre avec Jean-Pierre change littéralement son destin. Il devient alors non seulement l’homme de sa vie mais également son compositeur fétiche. Premier succès de leur collaboration: la chanson Survivre, qui connaît un joli succès en 1979. L’année suivante, Rose Laurens est choisie par Robert Hossein pour interpréter sur scène et sur disque le rôle de Fantine dans le spectacle musical Les Misérables, d’après l’œuvre de Victor Hugo. Cette belle et enrichissante aventure dure plus d’un an et révèle au grand public et aux professionnels toutes les capacités vocales de Rose Laurens. À l’issue de ce spectacle, Rose et son compagnon se mettent au travail pour préparer un premier album. Lors d’un week-end du mois de juillet 1981, tandis que Rose et Jean-Pierre sont en famille à la campagne, celui-ci s’isole dans le jardin, après un repas, et se met à jouer à la guitare quelques notes de musique qui attirent immédiatement l’attention de Rose. Elle trouve que l’ensemble sonne bien et que cela pourrait faire une bonne chanson pour son prochain album. Jean-Pierre n’en est pas convaincu. Il ne s’agit pour lui que de quelques accords qu’il ne destine pas du tout à l’élaboration d’une chanson. Devant l’insistance et l’enthousiasme de Rose, il finalise pourtant la mélodie.

Quelques jours plus tard, Rose et Jean-Pierre reçoivent chez eux le parolier Jean-Michel Bériat et lui font écouter la musique que Jean-Pierre a créée, en lui demandant de réfléchir à un texte. Dès le lendemain, l’auteur leur propose des paroles qui parlent de l’Afrique et de ses mystères. Rose adore, et peu de temps après, enregistre la chanson. JeanPierre Goussaud, lui, reste très sceptique sur ce titre. Selon lui, il s’agit d’une chanson d’album mais en aucun cas un possible single. Et pourtant, le destin en décide autrement. Un jeune producteur, Alain Puglia, qui vient de créer un nouveau label, cherche des artistes à développer. Sa femme, qui travaille alors chez Tréma, le prévient qu’une jeune chanteuse cherche une maison de disques. Tréma n’ayant pas l’air très emballé à l’idée de la signer, Mme Puglia conseille à son mari de contacter Rose. Alain Puglia prend donc rendez-vous avec la chanteuse et son compagnon, et, en écoutant les maquettes qu’ils lui proposent, accepte sans hésiter de sortir l’album chez Flarenash, car il a craqué surtout sur la chanson Africa.

Il ne va pas le regretter puisque à la fin de l’année 1982, cette chanson, premier extrait de l’album Déraisonnable, se retrouve dans les premières places des hit-parades, au coude à coude avec une autre chanson parlant d’Afrique, Afrique adieu de Michel Sardou. En quelques mois, Africa s’écoule à 1400000 exemplaires rien qu’en France. Face au succès, Rose Laurens enregistre même une version anglaise de la chanson.

Africa est même l’un des rares titres français les plus diffusés dans les boîtes de nuit au début de l’année 1983.

Point anecdote: Le jour où Rose Laurens entend pour la première fois sa chanson à la radio, elle est en train de prendre son petit déjeuner et l’émotion est si grande que sa tasse de café lui échappe des mains et se brise sur le sol.

Ah ! Ça ira

En 1790, Ah ! Ça ira est sans conteste la chanson la plus populaire de Paris.

Si au départ, il s’agit d’une joyeuse et innocente chanson de rue, les événements vont la transformer en hymne révolutionnaire, véritable pamphlet envers l’aristocratie et le clergé.

Certaines chansons évoquent sans conteste un épisode de notre Histoire de France. C’est le cas avec Ah ! Ça ira, une chanson intimement liée à la Révolution française. La petite histoire de cette chanson commence au mois de mai 1790. À cette époque, une mélodie intitulée Carillon national a beaucoup de succès auprès de la noblesse de cour. Elle a été créée par un violoniste dénommé Bécourt qui travaille dans une salle de spectacle parisienne, située près du Palais Royal. La reine Marie-Antoinette adore cette mélodie qu’elle joue très souvent sur son clavecin en toute innocence. Sur l’air de ce carillon national, Ladré, un ancien soldat reconverti en chanteur des rues, décide de créer des paroles. Pour cela, il s’inspire d’une expression qu’utilisait l’homme politique et diplomate américain Benjamin Franklin au moment de la guerre d’Indépendance. Quand on lui demandait la situation en Amérique dans cette période difficile, il avait coutume de répondre avec son fort accent américain, sa désinvolture et la lenteur qui le caractérisait: « Ça ira, ça ira…. »

C’est donc en partant de cette expression que Ladré crée des paroles sur l’air de Bécourt.

Au moment de la Révolution française, cette chanson des rues devient un véritable chant révolutionnaire. Les sans-culottes en font un véritable pamphlet violent et agressif à l’égard des aristocrates et du clergé. Ainsi les premières paroles joyeuses: « Ah ! Ça ira, ça ira ! Pierrot et Margot chantent à la guinguette… », deviennent beaucoup plus menaçantes: « Ah ! Ça ira, ça ira, les aristocrates à la lanterne. Ah ! ça ira, ça ira, ça ira, les aristocrates on les pendra. »

Pendant presque dix ans, Ah ! Ça ira est sur toutes les lèvres et devient un chant de ralliements des insurgés. Après le coup d’État du 9 novembre 1799 et l’établissement du Consulat par Napoléon Bonaparte, la chanson est tout simplement interdite.

Pour l’anecdote, la chanson Ah ! Ça ira a souvent été utilisée au cinéma dans des films se déroulant pendant la Révolution française. L’une des plus célèbres interprètes reste Édith Piaf qui en décembre 1953, a enregistré le titre pour le film de Sacha Guitry: Si Versailles m’était conté.

Ah ! le petit vin blanc

C’est dans l’immédiat après-guerre, en 1945, que la chanson Ah ! le petit vin blanc, interprétée par Lina Margy, devient un immense succès populaire qui fait guincher la France entière. Retour sur ce symbole de notre patrimoine musical repris par une multitude d’artistes dont Patrick Bruel sur scène en 1999.

Il y a des chansons qui portent en elles un peu de l’identité culturelle d’un pays. C’est le cas de Ah ! le petit vin blanc, reflet d’un certain esprit français et de toute une époque.

Pour bien comprendre la naissance de cette chanson, il faut se replonger dans l’atmosphère du Paris des années 1940, alors en pleine occupation allemande. Originaire de Grenoble, le jeune Jean Brun, ou Jean Dréjac, son nom d’artiste, vient d’arriver dans la capitale pour tenter sa chance dans la chanson. Lauréat d’un radio-crochet sur Radio-Cité, il se fait engager dans des revues aux Folies Belleville, au Concert Pacra et après s’être inscrit au Cours Simon, il intègre le Concert Mayol. Quand les Allemands mettent en place le STO, Service de travail obligatoire, Jean Dréjac refuse de s’y soumettre. Il doit donc mettre sa carrière d’artiste entre parenthèses et se cacher pour échapper à la Gestapo qui le traque pour désertion. Dréjac met à profit cette inaction forcée pour écrire des chansons.

Un jour, des amis lui proposent de les accompagner aux courses. Il accepte et ce jour-là, il mise sur le bon cheval. Pour fêter son gain, il invite ses copains pendant deux jours sur les bords de la Marne, près de Champigny. C’est précisément là, après un déjeuner bien arrosé, qu’il crée, dans une barque, la chanson qui allait faire sa gloire. En effet, tout en ramant, il se met à chantonner: « Ah ! le petit vin gris qu’on boit sous les tonnelles. » Au moment d’écrire la suite de la chanson, comme son texte fait référence à Nogent, il décide de remplacer, pour la rime, le vin gris par le vin blanc.

Quelques jours plus tard, pour finaliser sa chanson, il se rapproche de son ami Charles Borel-Clerc, compositeur célèbre pour avoir créé de nombreux succès dont Ma pomme pour Maurice Chevalier. Borel-Clerc et Dréjac, qui ont déjà travaillé ensemble sur des chansons, finalisent Ah ! le petit vin blanc, interprétée sur scène pour la première fois, en novembre 1943, par une certaine Michèle Dorlan. Cette version, utilisée comme générique d’une émission sur la télévision d’occupation allemande, ne connaît pas un grand succès. Il faut véritablement attendre la Libération et l’enregistrement, en 1945, de Lina Margy aux disques Polydor pour que la chanson devienne un immense succès. Comme tout le monde à l’époque n’a pas de phono, on mesure l’ampleur d’un tube par le nombre de « petits formats » vendus, c’est-à-dire les partitions des chansons. Et la commercialisation de la partition de Ah ! le petit vin blanc bat un record de ventes avec plus de 1,5 million d’exemplaires. Cette chanson qui sent bon la joie de vivre et l’enthousiasme trouve rapidement sa place dans la société française d’alors, très encline à faire la fête pour oublier les années noires.

Point anecdote: Par la suite, Jean Dréjac va tenter sans succès une carrière d’interprète mais s’illustrera surtout en écrivant notamment L’Homme à la moto pour Édith Piaf, ou Bleu, Blanc, Blond pour Marcel Amont.

Ah ! le petit vin blanc a été utilisée comme illustration sonore dans de nombreux films. Elle a souvent été évoquée dans les albums Astérix de Goscinny et Uderzo, et a été reprise par des artistes aussi divers que Lucienne Boyer, Colette Renard, Tino Rossi, Laurent Voulzy ou Patrick Bruel.

Ah… Si tu pouvais fermer ta gueule…

À la fin de l’année 2008, la chanson Ah… Si tu pouvais fermer ta gueule… est sur toutes les lèvres. Un titre de Patrick Sébastien boudé par les radios mais plébiscité par Internet et vendu à plus de 200000 exemplaires.

Avec de l’énergie à revendre et un sens inné de la fête, Patrick Sébastien arrive à Paris en 1974 avec 600 francs en poche. Il se donne trois mois pour réussir. Il achète l’hebdomadaire Pariscope et téléphone à tous les cabarets de la capitale. Après une première audition, Jack Gauthier lui donne sa chance en l’engageant à La Main au panier où il débute le jour de ses vingt et un ans, le 14 novembre 1974. Dans ses imitations, Patrick Sébastien se démarque très vite en privilégiant le physique et les textes qu’il écrit lui-même. Il mélange le pastiche d’écriture et le mimétisme corporel. En quelques mois, il devient l’amuseur public préféré des Français. Plus tard, à la télévision, ses émissions remportent tous les suffrages. À l’écoute des téléspectateurs, il invente de nouvelles émissions de divertissement avec d’énormes scores d’audience tous les samedis soir. Par ailleurs, ses disques se vendent par millions. Entre rires et larmes, Patrick Sébastien témoigne souvent en chanson d’une vie drôle et bouleversante. Avec des jeux de mots parfois satiriques et tendres, il est le seul aujourd’hui à se moquer de tout et à dénoncer les exagérations de notre société.

C’est d’ailleurs le cas pour le succès Ah… Si tu pouvais fermer ta gueule…, chanson imaginée un soir de mai 2008, aux côtés du guitariste Philippe Marfisi. Installé dans son bureau, au premier étage du 42, rue de Lisbonne à Paris, Patrick Sébastien veut tout simplement dénoncer, en chanson, la grande sérénade des hommes politiques. En moins d’une heure la mélodie prend naissance. Patrick sait exactement ce qu’il veut. L’un des rares producteurs de télévision qui fait des émissions pour ceux qui regardent vraiment la télé sait ce qui plaît au public ! Et bien sûr, pendant l’été 2008, il enregistre à Toulouse, au studio Polygone, sous la direction du chef d’orchestre René Coll et aux côtés de Gilles Arcens et de Pascal Miconnet, la chanson Ah… Si tu pouvais fermer ta gueule… Ce titre devient également le nom de l’album de quatorze chansons à paraître en octobre de la même année, avec, sur la pochette, une photo qui fait couler beaucoup d’encre, signée François Darmigny. L’idée de la photo est d’ailleurs de Patrick Sébastien. Un portrait de lui, souriant mais bâillonné par une main de femme aux ongles roses dont le bras musclé est celui d’un homme. Tout un programme qui annonce la couleur du disque.

Après plus d’un million de téléchargements sur Internet, la chanson Ah… Si tu pouvais fermer ta gueule… est entendue pour la première fois par le public en générique de fin sur France 2, le samedi 27 septembre 2008, dans l’émission Les Années Bonheur présentée par Patrick Sébastien, aux côtés d’Isabelle Morizet et de Fabien Lecœuvre. En quelques jours, le CD, distribué par Universal dans les Fnac et chez les marchands de journaux, devient numéro un des ventes de disques en France. En ce début de XXIe siècle, où le marché du disque est sinistré, Patrick Sébastien vend au total plus de 200000 CD en quelques mois. Une leçon formidable pour beaucoup de professionnels qui délaissent trop souvent un public heureux de chanter des chansons nobles et populaires.

Point anecdote: La chanson de Patrick Sébastien Ah… Si tu pouvais fermer ta gueule… est reprise dans toutes les manifestations publiques et défilés du 1er mai. Mais c’est peut- être dans les cours d’école qu’elle fait le plus de ravages. En effet, un élève de CM2, à Toulouse, sera sévèrement puni pour avoir repris la chanson dans sa classe. La preuve pour l’artiste que la chanson est devenue véritablement populaire !

Aïcha

Le chanteur Khaled réchauffe l’hiver 1996-1997, avec Aïcha, une chanson écrite et composée par Jean-Jacques Goldman, qui connaît un immense succès. Découvrons comment cette belle chanson d’amour et de tolérance, à la gloire des femmes, a vu le jour avant de devenir le symbole d’une époque.

Dans les années 1990, les musiques orientales et particulièrement celles venant d’Afrique du Nord comme le raï, connaissent une grande popularité en France. L’un des artistes phares de ce courant musical a pour nom Khaled. En 1992, avec sa chanson Didi, celui que l’on surnomme rapidement le roi du raï, classe pour la première fois un titre en arabe dans le Top 50. Didise vend à plus d’un million et demi d’exemplaires à travers le monde et installe Khaled dans la dynamique du succès. L’album suivant, N’ssi N’ssi, est utilisé pour la bande originale du film de Bertrand Blier, Un, deux, trois… soleil, et permet à Khaled d’obtenir en 1994, le César de la meilleure musique de film.

Cette même année, le chanteur participe à l’émission Envoyé spécial sur France 2, qui traite du processus de paix israélo-palestinien après les accords de paix de Washington entre Yasser Arafat et Yitzhak Rabin. Sur ce plateau de télévision et comme un symbole d’entente interreligieux, les producteurs ont réuni Khaled et Jean-Jacques Goldman. Après l’émission, Khaled qui depuis plusieurs années rêve de demander à Jean-Jacques Goldman de lui écrire des chansons, profite de cette rencontre pour le faire.

Ensuite, Khaled et Jean-Jacques Goldman vont dîner au Pied de chameau, un restaurant appartenant alors à l’acteur Pierre Richard. Au cours du repas, ils font plus ample connaissance et lorsque Jean-Jacques demande à Khaled qu’elle sorte de chanson il souhaite, ce dernier lui répond une chanson d’amour.

Après cette rencontre, les mois passent. Khaled invite Jean-Jacques Goldman chez lui pour manger un couscous maison et peu à peu l’idée de la chanson mûrit. C’est finalement le 10 janvier 1995, deux jours avant que Khaled épouse sa fiancée marocaine, la belle Samira, que Jean-Jacques l’appelle non seulement pour le féliciter mais aussi pour lui dire que la chanson qu’il souhaitait est prête. Elle s’intitule Aïcha, comme la dernière épouse très indépendante du prophète Mahomet. En découvrant ce titre, quelque temps plus tard, Khaled va être immédiatement séduit. Il décide de l’enregistrer pour son nouvel album réalisé entre la France, Los Angeles et la Jamaïque.

Le CD single Aïcha sort en août 1996 et atteint rapidement la première place des classements de vente. Sur le disque, il y a une version en français et une version franco-arabe. Aïcha devient un succès international et se vend à plus d’un million d’exemplaires dans le monde. En France, Aïcha devient le symbole de tous les Français et Françaises issus de l’immigration, parfois qualifiés de génération « beur ».

Aïcha est élue Chanson de l’année aux victoires de la musique en 1997 et permet à Khaled d’élargir considérablement son public.

Pour la petite histoire, Jean-Jacques Goldman a eu beaucoup de mal à créer Aïcha. Il a d’ailleurs confié que ça n’avait pas été facile de mélanger sa sensibilité, sa culture, sa tradition musicale plutôt rock au raï de Khaled pour lui faire chanter quelque chose en français. Avec le recul, il est fier du résultat.

Aimer

Au printemps 2000, une belle chanson d’amour intitulée Aimer fait chavirer les cœurs de milliers d’adolescents. Interprétée par Cécilia Cara et Damien Sargue, ce titre est le premier extrait de la comédie musicale Roméo et Juliette, de la haine à l’amour. Flash-back sur la création de ce tube.

En 1998, l’auteur-compositeur Gérard Presgurvic, connu notamment pour ses chansons avec son complice Patrick Bruel, décide de créer une comédie musicale. Passionné dès l’enfance par la comédie et la musique, Gérard ne ratait jamais au ciné-club les cycles Minelli ou Fred Astaire et a vu de nombreuse fois le film West Side Story.

Depuis le début des années 1990, Gérard Presgurvic travaille sur des projets de comédies musicales mais ne parvient jamais à les concrétiser. Et puis, encouragé par le succès phénoménal de Notre-Dame de Paris, Gérard décide de persévérer pour parvenir enfin à monter le spectacle de ses rêves. Ne lui reste plus alors qu’à trouver un thème et des producteurs. Il songe alors à créer une comédie musicale inspirée de la célèbre pièce de William Shakespeare Roméo et Juliette. Cette tragique histoire d’amour contrarié sur fond de haine ancestrale entre deux familles italiennes de Vérone, les Capulet et les Montaigu, va donc devenir le point de départ de la comédie musicale de Presgurvic. Pour la production, Gérard Presgurvic contacte Gérard Louvin et Daniel Moyne qui, séduits par l’idée, décident de le suivre dans l’aventure.

La création du livret et des quarante chansons va prendre un an. Pour clôturer le premier acte du spectacle, et symboliser le mariage secret de Roméo et Juliette, Gérard Presgurvic compose une mélodie romantique sur un texte qui décline la définition du verbe aimer.

Pour interpréter Roméo, il choisit le jeune Damien Sargue qu’il a découvert dans Notre- Dame de Paris où il faisait certains soirs la doublure de Bruno Pelletier ou de Patrick Fiori. Pour le rôle de Juliette, il choisit, après un casting, la jeune Cécilia Cara révélée par l’émission Graines de Star sur M6.

Sous la direction artistique de Daniel Moyne, Cécilia et Damien enregistrent cinq versions de la chanson Aimer pour finalement obtenir la version définitive qui figurera sur le disque. Le 14 février 2000, jour de la Saint-Valentin, une conférence de presse et un mini concert de présentation des chansons du spectacle sont organisés pour les médias. Après l’interprétation de la chanson Aimer, les invités applaudissent debout. Un bon présage pour le titre qui sort en single quelques semaines plus tard.

Dès le 3 avril, Aimer se classe n° 4 des meilleures ventes de singles en France et atteint la seconde place dès le 1er mai.

Damien Sargue et Cécilia Cara font alors le tour des émissions de radio et de télévision. Au moment de la première du spectacle le 19 janvier 2001, au Palais des Congrès de Paris, Aimer est déjà un immense tube repris en chœur par la salle. La comédie musicale est un triomphe en France mais aussi par la suite dans 16 autres pays, y compris en Asie et en Amérique.

Pour la petite histoire, avec le succès de la chanson Aimer, de nombreux jeunes couples ont choisi de diffuser le titre au moment de la célébration religieuse de leur mariage à la grande surprise de nombreux prêtres au début des années 2000.

Aimons-nous vivants

Immense succès de l’été 1989, Aimons-nous vivants permet à François Valéry de retrouver les premières places du Top 50. Chanson imaginée en assistant à des obsèques, ce titre éclatant de vérité donne à réfléchir tout en donnant envie de danser…

A la fin des années 1980, François Valéry est un auteur-compositeur-interprète bien installé qui signe avec succès de nombreuses chansons et musiques de film. Marié depuis le 14 juin 1986 avec la comédienne Nicole Calfan rencontrée deux ans plus tôt, lors du dixième anniversaire du restaurant Le Beauvilliers, à Montmartre, François est papa d’un premier fils prénommé Jeremy et le couple attend un deuxième enfant. Au printemps 1989, alors qu’il prépare un nouvel album, François Valéry perd un ami très proche. Lors de la cérémonie des obsèques, en entendant toute l’assistance dire les plus belles choses sur le défunt, François a l’idée de composer une chanson pour dire justement qu’il faut s’aimer vivant. La musique terminée, il demande à son ami Pierre Delanoë, qui lui a déjà écrit de nombreux succès, comme Emmanuelle ou Dream in blue, de créer un texte sur le thème de la reconnaissance des talents et des qualités d’un être avant qu’il ne soit trop tard.

Quelque temps plus tard, l’auteur aux cinq mille chansons lui apporte un premier texte qui ne convient pas vraiment à François. Il demande alors à un autre auteur de talent, Michaële, de réfléchir à d’autres paroles sur le même thème. Finalement, il choisit ce deuxième texte pour habiller la musique qu’il a composée. François insiste cependant pour que Pierre Delanoë cosigne ce texte, considérant que son travail préliminaire a eu toute son importance. Le 45 tours sort en juillet 1989 et devient rapidement un immense succès au point de se vendre à plus d’un million d’exemplaires.

Point anecdote: Pierre Delanoë adorait chanter, lors des fins de soirée, une chanson qu’il avait écrite pour Jean-Claude Pascal en 1964, Soirées de prince. Au moment de la sortie d’Ai mons-nous vivants, il disait souvent à François qu’il aimerait bien qu’il chante Soirées de prince lors de ses obsèques. Par fidélité pour son parolier fétiche, c’est ce qu’a fait François Valéry, en 2006, pour un dernier adieu à l’auteur de génie.

Ainsi soit-il

En 1981, c’est une chanson de Louis Chedid qui se retrouve aux premières places des hit-parades.

Ainsi soit-il dont la naissance sera véritablement provoquée par un article publié dans l’hebdomadaire L’Événement du Jeudi.

Né le 1er janvier 1948 à Ismaïlia en Égypte, d’un père biologiste et d’une mère romancière, Louis Chedid arrive en France en juillet 1948. Écolier à l’Institut catholique Bossuet, il effectue ses premiers pas sur scène avec Les Petits Chanteurs à la Croix de Bois. Passionné de cinéma à l’adolescence, il sèche les cours. Il est alors renvoyé du lycée Montaigne mais obtient quand même son baccalauréat en section rattrapage en 1968. Remarqué par François Bernheim, directeur artistique des disques Barclay, Louis Chedid enregistre un premier album en 1973. Le succès arrive lorsque le chanteur change de maison de disques. Il se produit à l’Olympia en première partie de Nicole Croisille en 1976 et obtient l’année suivante la reconnaissance des médias avec La Belle. En 1978 avec T’as beau pas être beau Louis Chedid est invité dans de nombreuses émissions de télévision et triomphe sur scène en tournée dans toute la France.

L’histoire de la chanson Ainsi soit-il commence le jour où Louis Chedid se rend au siège de sa maison de disques. Il a rendez-vous avec son directeur artistique pour faire un point sur les résultats et les ventes de son album intitulé Egomane, publié en 1980. Chez CBS, rue du Château à Neuilly-sur-Seine, il tombe alors nez-à-nez sur un article de l’hebdomadaire L’Événement du Jeudi, punaisé au mur d’un couloir, dans lequel un journaliste fait l’inventaire des artistes de la chanson française. Une incroyable énumération des valeurs montantes, des têtes d’affiche et des chanteurs en perte de vitesse. une improbable pyramide des tops et des flops ! Avec stupeur, Louis Chedid découvre alors son nom en première ligne de la catégorie des artistes en voie de disparition. Le chanteur sort effondré des bureaux artistiques. Mais pour lui, hors de question de sombrer. Il refuse cette sentence et n’accepte qu’un plumitif tire les ficelles de sa carrière. Louis Chedid a du ressort, il a la volonté de briser ou de contourner les murs qui s’érigent devant lui. Louis veut se battre et tenter le banco de son existence: soit son prochain album le remet au sommet des hitparades, soit il arrête la musique.

Quelques semaines plus tard, Louis Chedid déménage. Il s’installe avec sa famille dans une petite maison près du Parc Montsouris à Paris, avec en sous-sol une minuscule cave qui devient son home-studio. un repaire pour lui où il écrit Ainsi soit-il. Le compositeur passe alors des heures à composer la mélodie de cette chanson. À quelques pieds sous terre, coincé entre quatre murs, il s’évade. Il construit son titre, piste par piste. Très vite, il enregistre sa partie de guitare, il la passe par diverses machines pour en magnifier le son et rajoute des effets pour changer l’atmosphère d’Ainsi soit-il. Inspiré par la chanson Le Cinéma de Claude Nougaro, Louis Chedid écrit et construit le texte de sa chanson en imaginant et déroulant des couplets à la manière de plans-séquences comme sur grand écran. C’est ainsi que Louis Chedid renaît dans cette cave, derrière sa console, il monte, coupe, colle et assemble des phrases bout à bout. Il s’amuse comme un gosse parmi ses puzzles de prises de sons.

Le disque sort au printemps de l’année 1981. Aussitôt, toutes les radios jouent Ainsi soit-il et l’album dont la photo est signée de Jean- Baptiste Mondino, est encensé par la critique. Pour l’anecdote, quelques mois plus tard, le journaliste de L’Événement du Jeudi écrit un article dithyrambique à l’égard de Louis Chedid et de son nouveau titre vendu à plus de 400000 exemplaires.

Alexandrie Alexandra

Soixante-quatrième et dernier 45 tours de l’artiste ! Fidèle à son Égypte natale, Claude François se place en tête de tous les hit-parades en mars 1978 avec sa chanson Alexandrie Alexandra.

Ce titre est le dernier enregistré par l’artiste. Revenons sur la genèse d’un succès qui enflamme toujours les pistes de danse et qui bouleversa la France entière, encore sous le choc de la disparition accidentelle du chanteur.

Quand le disco déferle sur l’Europe à la fin des années 1970, Claude François décide enregistrer un album inspiré par ce nouveau tempo. Après le succès du premier extrait, Magnolias for ever, sorti en novembre 1977, il est sur le point de sortir un nouveau 45 tours Alexandrie Alexandra, quand son destin bascule le 11 mars 1978.

C’est en septembre 1977, avec son fidèle compositeur Jean-Pierre Bourtayre et le célèbre parolier, Étienne Roda-Gil, que Claude François crée la chanson Alexandrie Alexandra. Au départ, Roda-Gil refusait de travailler avec Cloclo et donc sans l’influence et l’intervention de Bourtayre, la chanson Alexandrie Alexandra n’aurait probablement jamais vu le jour. Et c’est à la suite d’un déjeuner avec Roda-Gil que Claude François raconte à l’auteur attitré de Julien Clerc, sa tendre jeunesse passée entre les rives du Nil et celles du canal de Suez. Sur un tempo disco, finalement, le texte évoque à demi-mot l’enfance égyptienne du chanteur. Avec quelques clichés habilement choisis du pays des pharaons, le refrain résonne comme un ultime retour aux sources pour l’artiste. Plus tard, Roda-Gil confiera même avoir écrit le texte de cette chanson chez lui, en moins de deux heures.

Comme beaucoup de succès de Cloclo, Alexandrie Alexandra est enregistré entre le Royaume-uni et la France. Les orchestrations et les chœurs du disque sont réalisés au studio Trident à Londres, tandis que le mixage de la version 45 tours se fait le 9 février 1978, sous la direction de l’ingénieur du son Bernard Estardy, au studio CBE à Paris. Décidant artistiquement de tout, Claude François fait refaire la proposition de pochette du vinyle deux fois et en signe le bon à tirer juste avant de s’envoler pour Leysin en Suisse le mercredi 8 mars 1978 à seize heures. Et ironie du destin, le 45 tours Alexandrie Alexandra arrive chez les disquaires le 15 mars 1978, jour des obsèques du chanteur. Même s’il ne s’agit en aucun cas d’une stratégie commerciale organisée par les disques Carrère, nul doute que les circonstances et la disparition brutale de l’artiste donnent un élan exceptionnel à cette chanson. Dès la sortie de ce soixante- quatrième et dernier disque 45 tours de Claude François, la chanson se classe numéro un des hit-parades et des clubs pendant plus de 6 semaines. Durant cette période, toutes les presses de l’usine fabriquent jour et nuit des vinyles et au total c’est plus d’1,6 million d’exemplaires qui se vendent en moins de quatre mois.

Claude François interprétera seulement quatre fois Alexandrie Alexandra à la télévision. Entouré de ses célèbres Clodettes, il chante et danse pour l’émission Numéro 1 de Maritie & Gilbert Carpentier, pour les caméras de la RTBF et de RTL Télévision et enfin sous chapiteau à Leysin pour un show enregistré pour la BBC, la veille de sa mort par électrocution.

Pour la petite histoire, trente ans après la disparition de l’artiste, la chanson Alexandrie Alexandra est toujours en tête des titres les plus diffusés, tous les ans, en discothèque… une manière de prolonger l’histoire de Cloclo et surtout de faire naître sans cesse de nouvelles générations de fans qui s’éclatent tous les samedis soir sur les pistes !

Aline

Christophe est un chanteur abonné aux slows. Et lorsque le petit prince de la musique arrive en 1965 dans le hit-parade de Salut les Copains, c’est pour s’installer à la première place. Lui qui aurait tant voulu être pilote de course professionnel, c’est avec Aline, un bolide musical, qu’il voit le drapeau à damier de la gloire s’abattre sur ses vingt ans.

Entre 1965 et 1969, Christophe enregistre pour la firme AZ six 45 tours et un album, faisant danser les filles et les garçons chaque été. L’histoire de la chanson Aline commence à Juvisy, dans l’atelier de l’entreprise de chauffage familiale de Christophe Bevilacqua. Ce dernier compose la chanson en une heure, sur une guitare acoustique, assis sur une caisse à outils. À cette époque, Christophe vit porte d’Italie à Paris, avec une copine blonde d’origine polonaise qui se prénomme Aline. Elle est assistante d’un cabinet dentaire à Montparnasse. Et c’est elle qui lui inspire la chanson. En effet, après deux ans d’amour, le service militaire de Christophe les a éloignés. Christophe trouve alors du réconfort dans les bras de Danièle, la meilleure amie d’Aline. Ne parvenant malgré tout pas à oublier Aline, Christophe lui dédie sa nouvelle chanson et pour bien l’agacer, il décide de mettre la photo de Danièle sur la pochette.

Sur les conseils de Jacques Canetti, Christophe enregistre donc la chanson au studio Philips, boulevard Blanqui. Les arrangements sont signés du directeur artistique Jacques Denjean, un jazzman qui travaille avec Count Basie et Quincy Jones notamment.

Pour Christophe, l’histoire d’Aline a failli mal tourner. Le chanteur est accusé à tort d’avoir plagié La Romance de Jacky Moulière, un chanteur estampillé yé-yé, produit par Henri Salvador, sur son Label Rigolo.

Christophe est condamné une première fois, puis relaxé. Quelques mois plus tard et après d’interminables procédures, Jacky Moulière et Henri Salvador lui rendront son argent car le tribunal reconnaît enfin à Christophe la véritable paternité de l’œuvre.

Une expérience unique pour ce poète psychédélique, tombé à l’adolescence sous le charme de John Lee Hooker et d’Elvis Presley. Durant l’été 1979, en pleine période disco, Véronique, la femme de Christophe lui suggère de ressortir la version originale d’Aline. Une bonne idée puisque le disque se revend à 3,5 millions d’exemplaires.

Allah

À la fin de l’année 1988, Véronique Sanson sort un nouvel album sur lequel figure Allah, une chanson écrite avec Michel Berger. Redécouvrons l’histoire de ce titre qui provoqua un véritable tollé chez les islamistes intégristes et finit par être censuré par de nombreux médias.

Tout commence en 1987. Véronique Sanson travaille alors sur de nouvelles chansons pour un futur album intitulé Moi, le venin. Pour un titre de ce disque, Véronique retrouve celui qui a produit son premier album, son ex-compagnon Michel Berger. Pour cette nouvelle collaboration, Véronique et Michel décident d’aborder un thème qui les touche tous les deux : la folie de l’intégrisme religieux au nom duquel, à travers les siècles, de terribles massacres ont été commis. Au départ, la chanson qu’ils créent s’intitule Dieu et les paroles font référence à Dieu et à Allah. Mais au vu de l’actualité, notamment en Iran, où l’ayatollah Khomeini mène la révolution islamique, Michel Berger recentre les paroles de la chanson seulement sur Allah.

Cette nouvelle chanson est le premier extrait du nouvel album de Véronique Sanson qui sort à la fin de l’année 1988. Même si au départ, le titre est bien accueilli par les radios qui le diffusent en boucle, tout va s’inverser deux mois plus tard, à partir du 28 février 1989. En effet, ce jour-là, tandis que Véronique Sanson s’apprête à donner pendant quinze jours une série de concerts à l’Olympia de Paris, elle reçoit une lettre de menaces d’une violence inouïe émanant d’islamistes extrémistes qui lui demandent d’annuler ses concerts sous peine de faire exploser la célèbre salle du boulevard des Capucines. Même si certains l’accusent de lâcheté, la chanteuse préfère alors retirer Allah de son tour de chant.

Pour remettre les choses dans leur contexte, il faut préciser qu’au même moment, le 14 février 1989, le romancier et essayiste Salman Rushdie est l’objet d’une fatwa réclamant son exécution, suite à la publication des Versets sataniques, un livre jugé « blasphématoire » envers l’islam. On comprend donc pourquoi Véronique Sanson prend les menaces qu’elle reçoit très au sérieux tout en défendant sa chanson, précisant qu’en aucun cas elle n’avait voulu dénoncer l’islam radical et qu’au contraire c’était une chanson qui préconisait l’amour plutôt que la guerre. Suite à cet incident, le single est progressivement retiré des bacs car aucune grande enseigne ne veut risquer un attentat mettant en danger ses clients. Dans la foulée, les stations de radio et les chaînes de télévision boycottent Allah. Pendant cette fâcheuse histoire, Véronique Sanson est soutenue par de nombreux artistes français qui, à l’initiative d’Yves Simon, prennent sa défense et revendiquent leur liberté d’expression.

Pour la petite histoire, depuis leur séparation en 1973, Véronique Sanson et Michel Berger ne s’étaient croisés que deux fois, rapidement sur des plateaux de télévision. Leur collaboration sur la chanson Allah marque leurs véritables retrouvailles, émouvantes selon la chanteuse, avant de ne plus se revoir.

Allez les verts

Tube de l’année 1976, Allez les Verts est l’une des seules chansons de supporters à avoir connu un immense succès bien au-delà des stades. Pourtant son auteur et interprète, Monty, mit plusieurs années avant de se laisser convaincre de la nécessité de ce titre devenu un véritable hymne.

Chanteur yé-yé et animateur de radio sur Europe 1 puis RMC, Jacques Bulostin plus connu sous le pseudonyme de Monty a toujours été passionné par le football. Avant de se lancer dans la chanson, il envisageait d’ailleurs une carrière dans le foot. Le destin en décidera autrement mais en 1976, ses deux passions se réuniront.

C’est à l’automne 1963, après avoir été repéré par Eddie Barclay, que Monty démarre dans la chanson. Quelques mois plus tard, grâce au 45 tours Même si je suis fou, il fait son entrée dans les hit-parades et se produit au théâtre de la Porte-Saint-Martin. Les succès s’enchaînent alors : Un verre de whisky, Que me reste-t-il, La Devise des copains, Bientôt les vacances, L’Île de Beauté… Autant de succès qui en font un chanteur et un auteur- compositeur reconnu. Il met d’ailleurs son talent au service de nombre de ses confrères et consœurs : Éric Charden avec lequel il crée Le monde est gris, le monde est bleu, mais aussi Sheila pour qui il écrit Petite fille de Français moyen, Karen Cheryl, Michel Delpech, Sylvie Vartan, Petula Clark, Dalida et beaucoup d’autres. À la fin de l’année 1966, il devient aussi animateur de la célèbre émission d’Europe 1, Salut les Copains. Il n’en délaisse pas pour autant la chanson puisqu’il continue d’enregistrer des succès comme Pour la vie, Attends-moi, La Fête au village, Le Vésuve et l’Etna…

Si le football n’est pas devenu le métier de Monty, il reste éternellement un de ses Rêves d’enfant qu’il a si bien chantés. Aussi, dès qu’il le peut, Monty assiste aux matchs de l’AS Saint-Étienne, l’équipe qu’il soutient et qui est alors au sommet. Les Stéphanois dominent même le championnat et en 1975, ils parviennent en demi-finale de Coupe d’Europe des clubs champions. À chaque fois que Monty assiste à un match, les supporters qu’il croise lui disent qu’il devrait faire une chanson sur les Verts. Cette idée va germer pendant quatre ans dans l’esprit de Monty sans qu’il trouve véritablement l’inspiration. Puis un jour, alors qu’on lui réclame pour la énième fois une chanson sur les Verts, Monty décide de franchir le pas. À l’approche d’un match décisif contre le Bayern de Munich, pour la Finale de la Coupe des Champions en 1976, il demande à son ami compositeur Jean-Louis D’Onorio d’imaginer une musique festive sur laquelle il écrit un texte d’encouragement. Ainsi est créé le fameux Allez les Verts qui sort sur le propre label de Monty, disques Monty, et va se vendre à deux millions d’exemplaires et devenir un véritable hymne qui va dépasser largement les tribunes du stade Geoffroy-Guichard. Cent mille exemplaires sont vendus rien que dans la région de Saint-Étienne et le reste dans toute la France. Cette chanson reste en tête des ventes pendant onze mois.

Pour l’anecdote, Allez les Verts a été reprise quelque temps après sa sortie par le trompettiste Jean-Claude Borelly dans une version instrumentale ainsi que par de nombreux accordéonistes. À chaque retour des Verts au sommet, la chanson ressort et de nouvelles générations la redécouvrent comme le 20 avril 2013 lorsque l’AS Saint-Étienne a remporté la coupe de la Ligue au Stade de France. Ce soirlà, Monty a bien évidemment interprété sa chanson, reprise en chœur par tout le stade. Un grand moment pour l’artiste qui ne cesse de clamer que cette chanson n’est que du bonheur.

Allô Georgina

Au cours de l’été 1970, Michel Polnareff fait souffler un vent grec sur la France avec sa chanson Allô Georgina. Découvrons l’origine de cette chanson repérée par l’artiste lors de ses vacances à Corfou.

Après avoir travaillé sur l’album d’Eddy Mitchell en l’accompagnant au piano sur Pneumonie Rock & Boogie Woogie toux, Michel Polnareff participe à plusieurs émissions de télévision avant de s’octroyer quelques jours de vacances au mois de mai 1970. Il part alors en Grèce, dans la jolie ville qui avait fait chavirer le cœur de Sissi: Corfou. C’est au cours de ce petit break que Michel découvre une chanson interprétée par un chanteur local, Giannis Kalatzis. Elle s’intitule Kyra Giorgena et c’est le titre principal de la bande originale d’un célèbre film de l’époque. Michel tombe sous le charme de cette musique exotique et pleine de soleil, composée par Giorgos Katsaros. Il décide de la rapporter en France et d’en faire une adaptation.

De retour à Paris, il écrit donc un texte en français qui relate le désespoir d’un homme qui est délaissé par son amoureuse grecque, Georgina, qu’il rêve d’aller retrouver à Mykonos. Pour l’anecdote, à cette époque Michel Polnareff vit une belle histoire d’amour avec une jeune fille grecque prénommée Georgia. Comme quoi, les sentiments inspirent souvent curieusement les artistes. Il avouera : « J’étais alors très amoureux d’une Grecque, Georgia. Elle m’a fait beaucoup souffrir. Elle était très belle. Mais à l’époque, je ne savais pas que la passion est ennemie de l’amour. Je prenais même la passion pour de l’amour. »

Michel Polnareff enregistre cette nouvelle chanson avec l’orchestre de son créateur original, Giorgos Katsaros, juste avant de partir en tournée d’été.

Sans devenir un immense succès, cette nouvelle chanson, qui n’est pas une création originale de Michel Polnareff, permet au chanteur d’apporter une autre couleur à son répertoire.

Allô maman bobo

C’est un banal accident de ski qui est à l’origine d’une des plus belles chansons enregistrées par Alain Souchon en 1978, Allô maman bobo. Un titre qui témoigne véritablement d’une allure fragile, légère et mélancolique, pour un artiste unique.

À l’âge de quinze ans, Alain Souchon casse son livret de Caisse d’épargne pour s’acheter une guitare. Comme Brassens et Félix Leclerc, cet instrument lui portera chance. Après des débuts discrets, sa carrière démarre véritablement à partir de 1973. Il rencontre un jeune guitariste, Laurent Voulzy, qui devient son complice dans l’écriture de nombreuses chansons. Leurs albums se succèdent et leurs tubes envahissent les premières places des hit-parades.

Parmi ces hits inscrits dans l’histoire de la chanson française, il en est un, Allô maman bobo, créé en 1978, inspiré par une chute de ski dont Alain Souchon a été victime quelques années plus tôt.

En effet, blessé dans sa chute, Alain souffre de quelques hématomes. Même s’il a eu plus de peur que de mal, son premier réflexe est d’appeler son frère Patrick pour lui raconter l’accident. Il repense à son enfance, lui confie sa détresse. Puis il téléphone à sa mère, comme par réflexe. À l’âge de vingt-sept ans, il a besoin de lui parler, d’entendre sa voix… d’être rassuré peut-être ?

Ce moment surprend le fragile et rêveur Alain Souchon. Il s’en souviendra donc quelques années plus tard. Lui qui affirme souvent ne pas être intéressé par ce qui concerne les autres aura le départ d’une incroyable chanson, la plus diffusée à la radio en France entre avril et juillet 1978.

Point anecdote : Lorsque Alain Souchon se produit à l’Élysée-Montmartre en décembre 1978, il est très étonné que la salle chante son refrain sans même entendre les premières notes de la chanson. Un triomphe absolu pour Allô maman bobo devenue un hymne, pour les inconditionnels de la Souche !

Allons chanter avec Mickey

En 1977, Chantal Goya pulvérise tous les records de ventes de disques, avec Allons chanter avec Mickey qui met en scène les célèbres personnages créés par Walt Disney. Composée par son mari Jean-Jacques Debout, cette chanson aux sonorités de marche militaire avait pourtant été créée à d’autres fins.

Replongeonsnous dans la naissance de ce titre magique.

C’est en interprétant Adieu les jolis foulards, dans une émission de Maritie et Gilbert Carpentier, Numéro 1 à Carlos, que Chantal Goya devient à partir de 1975 la nouvelle chanteuse préférée des enfants. Après avoir signé un contrat avec le label RCA, Chantal sort un deuxième 45 tours intitulé Un lapin, qui fut un succès encore plus impressionnant que le premier puisqu’il se vendit à plus de deux millions d’exemplaires.

Quelque temps plus tard, lors d’un séjour avec leurs enfants au parc Disneyland de Los Angeles, Jean-Jacques et Chantal ont l’idée de consacrer leur prochaine chanson à l’univers magique de Disney. De retour à Paris, ils prennent alors rendez-vous avec Armand Bigles, dirigeant la filiale française du groupe, afin de lui faire part de leur projet. L’homme d’affaires, conscient de la popularité de Chantal auprès des enfants, voit dans cette idée une merveilleuse opération promotionnelle de Disney en France. N’oublions pas qu’à cette époque, le parc Disneyland Paris n’existe pas et que tous les prétextes pour médiatiser la célèbre souris américaine sont les bienvenus. Armand Bigle accepte donc que Chantal interprète une chanson dédiée à Mickey. Ne reste alors plus qu’à la créer.

Jean-Jacques Debout se met donc au piano et commence à travailler pour trouver la mélodie de la chanson. C’est à ce moment-là qu’il repense à une musique qu’il avait créée quelque temps plus tôt, pour un sketch destiné aux émissions de Maritie et Gilbert Carpentier. La séquence n’ayant pas été retenue pour l’émission, la musique aux allures de marche militaire était restée au fond d’un tiroir. Les paroles originales étaient: « Dites- moi, Harry, ce que vous faites ici. Je mange du chewing-gum et puis j’aime les filles. » Elles vont être transformées en Allons chanter avec Mickey et devenir le titre du nouveau 45 tours de Chantal Goya. Ce disque va très rapidement connaître un immense succès et Chantal, accompagnée des personnages de Mickey et Minnie, participera à de très nombreuses émissions de télévision. L’album sur lequel figurera cette chanson sera illustré d’une très belle photo de Chantal, posant avec les deux personnages emblématiques de Disney devant la Tour Eiffel. Ce disque se vendra jusqu’à 33000 exemplaires par jour et provoquera un immense engouement pour la chanteuse, qui, dès lors, s’inscrira à jamais dans le cœur des familles. Pour la petite histoire, et comme un juste retour aux sources de son inspiration, Allons chanter avec Mickey sera enregistré en anglais par Chantal Goya et diffusé lors des parades, dans le célèbre parc américain.

Allumer le feu

En 1998, Johnny Hallyday interprète Allumer le feu, une chanson d’ambiance qui devient rapidement la référence de ses concerts grandioses. Partons aux origines de ce titre de scène créé dans une chambre d’hôtel, à Aix-les-bains.

Après le succès de sa collaboration avec Florent Pagny, sur Savoir aimer en 1997, Pascal Obispo est sollicité au mois de juin de cette même année, par la maison de disques de Johnny Hallyday pour réaliser le nouvel album de notre rocker national. Pascal accepte avec enthousiasme. Comment pourrait-il refuser une telle opportunité?

Il se met donc au travail et réalise des premières maquettes, tandis que Johnny vogue dans les Caraïbes, à bord de son yacht de 43 mètres, aux côtés de sa chère et tendre Laeticia.

Même si l’univers de Pascal Obispo semble bien éloigné de celui de Johnny Hallyday, le compositeur va s’en rapprocher pour faire des chansons qui ressemblent à son interprète. Sachant que Johnny Hallyday prépare le Stade de France prévu pour le 4 septembre 1998, Pascal Obispo imagine une musique pour faire bouger les foules en délire. C’est dans une chambre d’hôtel à Aix-les-Bains, que Pascal Obispo trouve les premières notes d’Allumer le feu qu’il terminera avec son complice le guitariste Pierre Jaconelli. Il téléphone immédiatement à Johnny, sur son bateau, pour lui faire part de son idée. Le rocker trouve ce thème intéressant. Quelques jours plus tard, Pascal Obispo demande à son amie Zazie de réfléchir à un texte pour habiller sa musique. Pour situer son attente, il cite l’exemple de We Are the Champions du groupe Queen. Zazie comprend qu’il faut un texte simple, entraînant, festif et fédérateur, à l’image des hymnes que les supporters peuvent chanter dans les stades. C’est ainsi que Zazie va écrire Allumer le feu.

L’enregistrement se déroule au studio Guillaume Tell, à Paris, avec l’ingénieur du son Steve Boyer. Johnny, qui ne connaît pas encore par cœur les paroles de sa nouvelle chanson, l’enregistre avec le texte dans une main, et en marquant le tempo de l’autre. Ce qui, au départ, n’était qu’un essai micro va finir par être la version définitive du disque, tellement Johnny s’était donné à fond.

Allumer le feu figure sur l’album Ce que je sais, qui sort en juin 1998. Le titre connaît un important succès qui prend toute son ampleur au Stade de France, au mois de septembre 1998, devant 80 000 spectateurs chaque soir.

Johnny qui avant de le connaître disait d’Obispo : « C’est le nouveau Michel Berger », interprète en duo avec Pascal au Stade de France, justement un titre de Berger: Rock’n’roll attitude.

Pour la petite histoire, la version de la chanson Allumer le feu qui figure sur le disque dure 5 minutes 29. Une version plus courte de 4 minutes 20 a été réalisée pour être diffusée à la radio.

Alors regarde

Sorti en single le 3 septembre 1990, Alors regarde est l’un des nombreux tubes du deuxième album de Patrick Bruel. Découvrons la genèse d’un titre ébauché à Paris et terminé dans un ascenseur à New York.

En 1989, Patrick Bruel a trente ans. Depuis son premier rôle au cinéma, dix ans plus tôt, dans Le Coup de sirocco, sa carrière s’est littéralement envolée. Les rôles se sont multipliés et il a aussi fait des débuts remarqués dans la chanson avec des hits comme Marre de cette nana-là en 1984, ou Comment ça va pour vous en 1985, sortis aux disques Barclay. Après un premier album au succès modeste et un passage triomphal à l’Olympia en 1987, Patrick Bruel trace sa route. Tout en enchaînant les films, il se met à travailler sur son deuxième album. C’est d’ailleurs sur le tournage de L’union sacrée, qu’il commence à ébaucher des textes et notamment celui de la chanson Alors regarde. L’idée de ce titre lui est venue en réaction aux réflexions de ses conquêtes féminines de l’époque qui lui disaient souvent qu’« elles ne s’intéressaient pas à l’actualité et à la politique ». Très agacé par ce manque d’intérêt pour l’état de notre monde, Patrick écrit donc les premières paroles de cette supplique à l’éveil des consciences.

Patrick signe un contrat avec la maison de disques BMG et travaille à la réalisation de son nouvel album avec le producteur Mick Lanaro. L’enregistrement des chansons se fait en deux temps. D’abord au studio Polygone à Toulouse au début du mois de mars 1989, puis dans un studio de New York. C’est d’ailleurs juste avant de se rendre dans ce studio, alors qu’il se trouve dans l’ascenseur de son hôtel, que Patrick Bruel trouve les derniers mots manquants de la chanson Alors regarde.

L’album Alors regarde arrive chez les disquaires le 9 novembre 1989 et va connaître un succès phénoménal atteignant les 2 millions d’exemplaires vendus. Les extraits se succèdent et se classent tous au Top 50. Alors regarde qui a donné son titre à l’album, est la troisième chanson qui en est extraite. Elle sort en single, le 3 septembre 1990 et se retrouve vite à la première place des meilleures ventes. Toute la jeunesse du début des années 1990 se retrouve dans ce titre qui dénonce les dérives de notre monde. Dès lors, Patrick Bruel apparaît comme un chanteur engagé, désireux d’exprimer ses idées et de défendre ses convictions. À ceux qui lui reprochent cela, le chanteur répond alors : « Je n’ai pas le tempérament et pas l’envie de fermer les yeux. »

Lors de ses concerts au Zénith de Paris, du 9 au 17 octobre 1990, puis du 20 au 23 décembre, les salles reprennent en chœur Alors regarde, son tube du moment.

Pour la petite histoire, en 1992, Patrick Bruel a enregistré une version espagnole de son titre Alors regarde, qui a connu un beau succès dans les pays hispanophones.

Alouette

Les hasards de la vie et des circonstances donnent parfois naissance à d’immenses tubes. Gilles Dreu en sait quelque chose, puisque grâce à la défection de Jean-Claude Pascal, il connaît une immense notoriété et un très grand succès en interprétant Alouette en 1968…

Après plusieurs 45 tours sans grand succès au début des années 1960, sous le label Riviera, Gilles Dreu gagne sa vie en chantant dans des cabarets ou en étant choriste pour d’autres artistes. Au début de l’année 1968, le producteur de Jean-Claude Pascal, Norbert Saada, l’engage pour accompagner le célèbre comédien chanteur sur un titre extrait d’une messe créole qui raconte le cheminement de Joseph et Marie, à la recherche d’un lieu pour la naissance de leur fils Jésus, tout un programme ! Cette chanson, intitulée à l’origine A la huella, a la huella, n’inspire pas Jean-Claude Pascal qui a du mal à l’interpréter. Du coup, le producteur, qui reste convaincu de l’efficacité du titre, demande au choriste Gilles Dreu d’enregistrer la voix afin de présenter la chanson à d’autres artistes.

Après l’enregistrement par Gilles, le résultat est si satisfaisant que le producteur décide que ce sera Gilles Dreu l’interprète de la chanson. Les arrangements sont retravaillés afin de mieux se marier à la voix puissante de l’artiste. Le parolier Pierre Delanoë crée un texte qui sonne phonétiquement comme l’original. Ainsi A la huella, a la huella devient Alouette, alouette. Le disque sort sous le label AZ qui fait partie du même groupe que la station Europe 1. Le directeur des programmes, Lucien Morisse, adore cette chanson et décide de la programmer régulièrement. Dans la foulée, arrivent les événements de Mai 1968. La station France Inter se met en grève et donc, afin doc- cuper l’antenne, un programme musical passe à longueur de journée. Alouette en fait partie. Ainsi, en quelques semaines, cette chanson devient un immense tube qui se vendra à plus d’un million d’exemplaires.

Âme câline

Sortie au mois de mai 1967, Âme câline ne tarde pas à devenir un nouveau succès dans la jeune carrière de Michel Polnareff.

Un titre original imaginé à Marrakech…

Un an tout juste après son tout premier succès, La Poupée qui fait non, et quelques mois seulement après son tube Love me please Love me, Michel Polnareff enchaîne avec une chanson très pop dont la musique et les sonorités font beaucoup penser aux mélodies anglaises du moment. Pourtant, ce n’est pas de l’autre côté de la Manche qu’est née cette chanson mais bien plus au sud, de l’autre côté de la Méditerranée, au Maroc et plus précisément à Marrakech. S’étant pris d’affection pour la cité ocre, Polnareff séjourne régulièrement à La Mamounia, le célèbre palace si cher à Churchill. Le chanteur avoue alors: « J’aime ce pays pour sa nourriture, la fierté de ses habitants. J’aime leur culture, leur musique, leur finesse et leur hospitalité. Pour moi, loger à La Mamounia, un des plus beaux hôtels du monde, devient une preuve concrète de ma gloire nouvelle. »

Ainsi, à la fin de l’année 1966, l’artiste était allongé sur le lit de sa chambre d’hôtel et il y avait un oiseau dans les jardins qui n’arrêtait pas de siffler. Michel l’écoutait sans faire plus attention que cela. Puis, ne parvenant pas à trouver le sommeil, Michel prend sa guitare et commence à jouer en suivant la mélodie faite par l’oiseau. Et c’est ainsi qu’est née Âme câline. Quelque temps après, Michel Polnareff l’enregistre aux studios Pye, à Londres, avec l’orchestre de Jean Bouchéty. Le 45 tours sort au mois de mai 1967 chez Disc’AZ et se retrouve rapidement dans les meilleures ventes de disques.

Pour la petite histoire, l’origine de cette chanson fera dire à Michel Polnareff: « C’est la seule fois que j’ai piqué la musique à quelqu’un et qu’on ne m’a pas attaqué !»

Amoureux de ma femme

En 1974, Richard Anthony retrouve les premières places des hit-parades, grâce à l’adaptation d’une chanson italienne devenue en français Amoureux de ma femme. Une belle déclaration d’amour.

Pionnier du rock en France, Richard Anthony connaît la consécration en 1959, grâce à son troisième 45 tours Nouvelle Vague, qui lui ouvre un boulevard de tubes, tout au long des années 1960. Surnommé le « Tino Rossi du twist », Richard Anthony devient l’emblème d’une nouvelle chanson française. En 1970, il crée son propre label, Tacoun, et continue de guetter les tubes étrangers pour les adapter et en faire des succès en France. En 1974, grâce à son éditeur, il tombe sur une chanson italienne intitulée Nessuno mi puo giudicare, qu’il trouve très efficace et qu’il décide de faire traduire.

Pour cela, il fait appel à un auteur de talent, Yves Dessca, qui a déjà travaillé pour de nombreux artistes. À ce moment-là, Yves traverse une période sentimentale bouleversée. Son épouse Gisèle vient de le quitter pour un certain Roger. Et c’est bien connu, l’absence de l’être aimé exacerbe les sentiments et surtout inspire les auteurs. Du coup, en quelques heures, Yves écrit Amoureux de ma femme, un véritable hymne dédié à celle qu’il aime depuis toujours. Richard Anthony, qui en connaît un rayon côté femmes et séparations, tombe immédiatement sous le charme de cette belle déclaration d’amour. Il l’enregistre et en fait un immense tube, renouant ainsi avec la gloire au cœur des années 1970.

Amoureux solitaire

Au printemps 1980, un nouveau tube de la jeune Lio est diffusé sur toutes les radios.Amoureux solitaire, un succès adapté d’une chanson des Stinky Toys qui a bien failli ne jamais voir le jour.

Après avoir vendu 2 millions d’exemplaires de son premier disque Banana Split, Lio est à la recherche de chansons. Âgée de dix-sept ans, elle écoute beaucoup de disques de pop américaine et surtout les albums de Stinky Toys, un groupe français branché créé en 1976 sur le modèle du célèbre Velvet Underground et les Stooges. Ce groupe inspire vraiment la jeune idole Lio. Elle insiste alors auprès de sa maison de disques Arabella pour rencontrer à Bruxelles les membres fondateurs du groupe, le bassiste Jacno et Elli Medeiros, une jeune chanteuse uruguayenne. En préparation de son premier album studio, Lio souhaite adapter en français le titre Lonely Lovers des Stinky Toys. Après de longues discussions, Jacno accepte que Lio adapte en français la chanson dont il est le compositeur et l’arrangeur. Tous deux partagent même une inconditionnelle admiration pour l’actrice Brigitte Bardot et pour l’amour des animaux. Jacno ne mange pas de viande et surtout déteste les vêtements de cuir. Seulement, la maison de disques ne veut pas entendre parler de ce Jacno et de ses musiciens. Pour Arabella trop d’alcool, trop de drogues entourent la réputation du compositeur Jacno. Il n’était pas question qu’un tel martien travaille pour Lio ! Le directeur artistique d’Arabella pense que cela risque d’être néfaste à la carrière naissante de Lio. Devant une telle situation de blocage, Lio loue à ses frais le studio Ferber situé dans le vingtième arrondissement de Paris. La chanson est traduite ainsi en français sous la plume d’Elli Medeiros et de l’éditeur Jacques Duvall et enregistrée en moins de trois jours. Lorsque le disque 45 tours Amoureux solitaire sort au printemps 1980, cette chanson devient très vite un immense succès. Toute une jeunesse chante ce refrain populaire et s’habille désormais comme la jeune lolita. Amoureux solitaire est un véritable succès de ventes, Lio devient une idole et se retrouve tous les mois en couverture de nombreux magazines pour jeunes: Podium, Salut ! et Ok Magazine.

Pour la petite histoire et avec la sortie du disque Amoureux solitaire, c’est le producteur Gérard Louvin qui veille désormais à la destinée de la jeune Lio. Par ailleurs, c’est Daniel Moyne, journaliste au bimensuel Salut !, qui contrôle tout le développement de la carrière de l’artiste. Un important réseau relationnel permet ainsi à la jeune nymphette d’exister et de se faire un nom auprès des médias et du public.

Amsterdam

En octobre 1964, Jacques Brel interprète sur la scène de l’Olympia une chanson qui va devenir un classique de son répertoire : Amsterdam.

Pourtant, le grand Jacques ne croyait absolument pas en ce titre.

Auteur-compositeur et interprète, Jacques Brel est un véritable artiste de scène qui donne au milieu des années 1960 plus de 300 concerts par an. Son répertoire, composé de chansons intenses et très personnelles, lui vaut de nombreux disques d’or et une grande reconnaissance populaire.

Pour sa rentrée à l’Olympia, à partir du 15 octobre 1964, Jacques Brel crée de nouvelles chansons. Parmi celles-ci, un titre fait référence au port d’Amsterdam et à ses marins. Sur une musique inspirée de Greensleeves, chanson anglaise traditionnelle du XVIe siècle, Jacques Brel écrit des paroles qui décrivent l’ambiance du célèbre port hollandais. La chanson terminée, il n’est pas satisfait du résultat. Il la trouve, selon sa propre expression, « bancale », et est certain qu’elle ne fonctionnera pas. Il hésite même à l’inclure à son nouveau tour de chant. Pourtant, influencé par son entourage, il la place en troisième position de ses concerts à l’Olympia. Accompagné par l’orchestre de François Rauber, le piano de Gérard Jouannest et l’accordéon de Jean Corti, Brel, dès le premier soir, interprète donc Amsterdam devant un public parisien médusé. Il faut dire que le rythme de cette nouvelle chanson va tellement crescendo que son interprétation devient un délicat exercice d’élocution que Jacques Brel réussit brillamment. La salle est conquise et applaudit à tout rompre. Tellement surpris de la réaction enthousiaste du public, Jacques Brel se demande le premier soir s’il n’a pas perdu son pantalon ou s’il n’y a pas eu un incident technique ! Comprenant finalement l’ovation, il chante Amsterdam deux fois le soir de la première.

Malgré cet accueil triomphal, Jacques Brel n’enregistrera jamais Amsterdam en studio. Heureusement, le spectacle est enregistré les 16 et 17 octobre 1964, à l’Olympia. Pour l’occasion, six micros sont installés, un pour Jacques Brel qui avait reçu l’instruction de ne pas trop s’en éloigner, un pour le public dans la salle et quatre autres pour les musiciens. Même si le résultat n’est pas techniquement parfait, il a au moins le mérite de restituer l’ambiance extraordinaire de ce spectacle et surtout d’être le seul enregistrement d’Amsterdam.

Jacques Brel est totalement dépassé par ce succès. Quand des journalistes lui posaient la question, il avait l’habitude de répondre: « Mon travail est de faire des chansons, pas d’analyser ce qui se passe après. »

Lorsqu’en 1966, Jacques Brel fait ses adieux à la scène, à l’Olympia, il termine son concert avec Amsterdam devant un public abasourdi. Très agacé par le succès de Brel avec Amsterdam, Léo Ferré crée, en 1967, Rotterdam, une chanson qui fait ironiquement écho au titre du grand Jacques. Guy Béart, de son côté, a aussi enregistré en 1976 une chanson faisant référence à la Venise du Nord, intitulé À Amsterdam.

Point anecdote: En 1991, en interprétant Amsterdam, la jeune chanteuse québécoise Isabelle Boulay a gagné le Festival international de la chanson de Granby, dont le premier prix était un engagement au théâtre Déjazet à Paris, en première partie de Bill Deraime.

Le mercredi 8 octobre 2008, le manuscrit original de la chanson Amsterdam a été vendu aux enchères chez Sotheby’s, à Paris, pour 110 000 euros.

Angela

Au printemps 2010, le nouveau titre de Yannick Noah, Angela, tourne en boucle sur toutes les radios. Premier extrait du huitième album studio du chanteur, Angela rend hommage à une militante américaine des droits civiques. Découvrons dans quelles circonstances est née cette chanson qui est devenue un standard du répertoire de Yannick Noah.

Après le succès en 2006 de son album Charango vendu à 1150000 exemplaires, suivi d’une longue tournée de près de deux ans, Yannick Noah décide de s’octroyer une pause en famille. En septembre 2008, le chanteur s’installe à New York et profite de la grosse pomme pour se ressourcer. Nous sommes alors en pleine campagne présidentielle américaine et Yannick devient le spectateur privilégié de la vie politique et de l’élan d’espoir qui souffle alors sur le pays. Il suit les débats très passionnés avec intérêt et vit avec émotion l’élection de Barack Obama le 4 novembre. Cet événement historique donne l’idée à Yannick de faire une chanson pour raconter aux jeunes générations comment il a été rendu possible et comment des hommes et des femmes se sont battus pendant des décennies, pour qu’un Noir puisse enfin devenir président des États- Unis avec 63 % des suffrages.

Lorsque Robert Goldman, fidèle compositeur et parolier, vient rendre visite à Yannick, à New York, ce dernier lui fait part de son idée de rendre hommage à Angela Davis, une prof de philosophie, militante des droits de l’homme et des droits civiques. Cette femme, proche du parti des Black Panthers, s’est battue aux côtés de Martin Luther King et Malcolm X, dans les années 1960, pour donner le droit de vote aux Noirs américains et en finir avec la ségrégation. Sensible à cette idée, Robert Goldman va écrire une chanson avec un refrain en anglais sur cette personne, qu’il intitule tout naturellement Angela et qu’il signe sous le pseudonyme de Moïse Albert.

Angela sort finalement le 30 avril 2010. C’est le premier extrait de l’album Frontières qui paraît quelques mois plus tard.

Angela est un des tubes de l’été 2010. Lorsque Yannick Noah se produit au Stade de France, à Paris, le 25 septembre 2010, le titre Angela est repris par les milliers de spectateurs et résonne dans la nuit comme la victoire du Black Power.

Angélique

Tube de l’année 1966, Angélique, interprété par Michel Orso, n’a rien à voir avec la fameuse marquise des Anges, mais raconte un douloureux chagrin d’amour. Replongeons-nous dans la petite histoire de cette chanson dont une certaine Monique se souviendra éternellement.

Derrière ce slow à succès se cache une première et grande histoire d’amour, entre deux adolescents passionnés de musique. Tout commence au début des années 1960, dans le Sud de la France, à Toulon, où vivent Michel Orso, un jeune Corse et Monique, une jeune fille passionnée de piano. Leur amour de la musique les rapproche et entre les deux ados une tendresse dévorante s’installe. Tout se passe pour le mieux entre rires, baisers et notes de musique. Mais comme le dit une chanson, « les histoires d’amour finissent mal en général ». vingt jours avant que Michel ne parte servir son pays en Algérie, Monique lui annonce qu’elle le quitte. Pour le jeune appelé, le coup est cruel et c’est le cœur doublement serré qu’il quitte le continent.

De retour en France, trente mois plus tard, Michel Orso devient, grâce à son frère musicien, chanteur dans un orchestre. Il se produit un peu partout en reprenant les grands standards du moment dont ceux de Gilbert Bécaud.

Un jour, au hasard d’un gala, Michel est repéré par la chanteuse Patricia Carli qui lui suggère de rencontrer son compagnon d’alors, Léo Missir, directeur artistique aux disques Barclay. Avec un ami pianiste, Michel écrit alors quelques titres dont ce fameux Angélique, inspiré par sa love story avec Monique. Il auditionne ensuite chez Barclay, et Léo Missir lui signe un contrat. Le 45 tours Angélique sort dans une totale discrétion. Aucune radio ne le diffuse et la chanson au départ ne semble pas avoir beaucoup d’avenir. Mais voilà, c’était sans compter sur le précieux coup de main d’une jeune fille corse qui faisait la programmation musicale d’un club branché de la rue de Ponthieu à Paris, le Saint-Hilaire, fréquenté par tout le show bizz. Par solidarité pour le jeune chanteur corse, la jeune fille diffuse chaque soir le slow. De passage dans le club, Eddy Barclay se rend compte de l’impact de ce titre et décide d’en faire une de ses priorités. Ainsi, Angélique va devenir un immense succès de l’année 1966 et inspirer de nombreux parents pour choisir le prénom de leur fille.

Antisocial

En 1980, toute une jeunesse française, désabusée et révoltée, se reconnaît dans Antisocial, un titre du groupe de hard rock Trust. Découvrons l’histoire de cette chanson qui a marqué une génération.

Créé en 1977, autour du chanteur Bernard Bonvoisin, dit Bernie, et du guitariste Norbert Krief, dit Nono, le groupe Trust s’est inscrit dès ses débuts dans un style hard rock et heavy metal dans la lignée du groupe australien AC/DC. Dès leur premier album, ils donnent le ton avec des chansons rebelles, militantes et provocatrices qui leur valent souvent d’être censurés par les radios. Au début de l’année 1980, le groupe entre en studio au Scorpio Sound de Londres pour enregistrer son deuxième 33 tours, intitulé Répression.

Parmi les nouvelles chansons écrites par Bernard Bonvoisin et composées par Norbert Krief, il y en a une qui a pour titre Antisocial, qui comme son nom l’indique est un véritable pamphlet contre la société de l’époque. Le soir de l’enregistrement, en février 1980, comme le groupe a besoin de chœur pour crier Antisocial à la fin de la chanson, il fait appel aux deux dirigeants de sa maison de disques CBS qui sont encore présents dans les bureaux, à 21 heures. Ainsi, aussi surprenant que cela puisse paraître, ce sont deux grands patrons qui participent au chœur du final de la chanson.

Lorsque le 45 tours Antisocial sort quelques mois plus tard, en juin 1980, la chanson est soutenue par l’animateur José Artur dans son émission de France Inter, Pop-Club, ainsi que par Francis Zégut dans Wango Tango sur RTL. Elle ne tarde pas à devenir un immense succès populaire. Beaucoup de jeunes se retrouvent dans ce rock manifeste qui décrit parfaitement le malaise social de la France giscardienne. Le magazine musical anglais Sounds dit d’ailleurs au sujet de Trust: « En France, plus qu’un groupe de musique, Trust est un mouvement social. »

L’album sur lequel figure Antisocial se vend à plus de 800000 exemplaires en 1980. La chanson est adaptée en anglais par le groupe Anthrax ainsi que par de nombreux autres groupes de rock métal européen.

Au café des délices

Extrait du quatrième album studio de Patrick Bruel sorti en 1999, Au café des délices a connu un immense succès. Devenu un titre incontournable du répertoire de l’artiste, cette chanson pleine d’émotion évoque le déracinement et la nostalgie d’un paradis perdu. Gros plan sur la jolie histoire de cette chanson de l’amitié.

L’histoire de la chanson Au café des délices est avant tout une belle histoire d’amitié entre Patrick Bruel et Félix Gray qui s’est fait connaître en 1987 avec son succès La Gitane, puis grâce à ses duos avec Didier Barbelivien, au début des années 1990. Patrick et Félix se connaissent depuis très longtemps et ils s’apprécient beaucoup. En 1998, un vendredi soir, jour du shabbat, les deux artistes se retrouvent avec des amis de même confession pour dîner. Avant de passer à table, Félix Gray prend sa guitare et joue deux couplets d’une chanson qu’il vient de composer et qui parle de sa Tunisie natale. Patrick Bruel est très touché par cette chanson pleine d’émotion. Bien qu’il ne soit pas né en Tunisie comme Félix, Patrick connaît bien ce pays qu’il apprécie beaucoup. En plus, Patrick a connu lui aussi cette sensation de déracinement quand il a dû quitter l’Algérie où il était né. Cette chanson émeut donc beaucoup Patrick qui demande à son ami Félix Gray de l’interpréter. Félix accepte et Patrick va apporter quelques modifications au texte original. En effet, Patrick va changer quelques mots notamment pour ne pas enlever l’identité de la chanson à Félix. Ainsi, au lieu de chanter : Mes souvenirs se voilent…, Patrick chante: Tes souvenirs se voilent. Après avoir testé la chanson sur scène, Patrick se rend vite compte de son efficacité. Chaque fois qu’il l’interprète, une grande émotion envahit les salles. Il décide donc de l’enregistrer pour l’intégrer à son quatrième album studio qui s’intitule Juste avant et qui sort à la fin de l’année 1999.

Après les succès des deux premiers extraits, J’te mentirais et Pour la vie, Patrick sort en troisième extrait Au café des délices qui confirme le succès de l’album vendu à plus de 900000 exemplaires. Sur scène quand Patrick Bruel interprète Au café des délices et que Félix Gray se trouve dans la salle, il lui demande souvent de venir l’interpréter avec lui. Ce fut le cas notamment le 14 mai 2000, au Zénith de Paris, pour les 41 ans de Patrick Bruel. Ce soir-là, ils ont même été rejoints par Khaled pour une magnifique version de leur chanson.

Pour l’anecdote, depuis le succès de la chanson, le célèbre café Sidi Chaâbane à Sidibou-Saïd, dont la terrasse offre une vue imprenable sur le golfe de Tunis, a été rebaptisé Le Café des Délices et fait le bonheur de nombreux touristes qui adorent se faire prendre en photo devant la pancarte du café.

Au clair de la lune

Connue depuis le milieu du XVIIIe siècle, le titre Au clair de la lune est devenu, au fil des décennies, un grand classique de la chanson enfantine, en France.

Pourtant, au départ, cette chanson était plutôt à classer dans un répertoire coquin, bien éloignée du monde de l’enfance.

L’origine de la chanson Au clair de la lune est assez obscure. Si certains recueils de chansons du XVIe siècle contiennent des titres qui y ressemblent à travers quelques notes, il est impossible de confirmer un lien direct. Même chose concernant la rumeur selon laquelle l’auteur de la mélodie du titre Au clair de la lune serait Jean-Baptiste Lully, célèbre compositeur français du XVIIe siècle. Là encore, il est totalement impossible d’en apporter la preuve. Du coup, cette grande chanson populaire reste aujourd’hui d’auteur et de compositeur inconnus. Ce dont on est sûr, c’est que la chanson est très à la mode vers 1780. À cette époque, sur un air de contre-danse, les paroles en apparence anodines sont en fait à double sens. En effet, Au clair de la lune est une chanson coquine. Avec des expressions comme « battre le briquet » qui signifie dans le langage populaire de l’époque « faire l’amour » ou l’utilisation de mot comme « Lubin » qui est un moine dépravé, l’expression « La chandelle est morte », « le dieu Amour », la chanson avait une connotation sexuelle cachée qui amusait beaucoup le peuple d’avant la Révolution française et qui adorait la chanter en savourant le double sens. Selon certaines sources, dans la version originale de la chanson, au lieu de « Prête-moi ta plume », c’était « Prête-moi ta lume », la lume signifiant en latin la lumière. Au fil du temps et avec des expressions tombées en désuétude, Au clair de la lune a totalement perdu sa connotation sexuelle pour devenir une simple comptine pour enfants, sur 3 notes facilement mémorisables. De nombreux artistes français à différentes périodes ont repris la chanson, notamment Yvonne Printemps en 1931, Charles Trenet en 1946 et même Colette Renard en 1960 dans une version gaillarde qui rappelait le thème d’origine de la chanson.

Pour la petite histoire, l’enregistrement le plus ancien connu à ce jour de la chanson Au clair de la lune date de 1860, soit dix-sept ans avant l’invention du phonographe par Thomas Edison. Cet enregistrement est dû à un typographe français qui en 1857 avait mis au point une première technique permettant d’enregistrer des sons.

Au pays des merveilles de Juliet

En septembre 1973, Yves Simon connaît son premier grand succès avec Au pays des merveilles de Juliet, chanson au texte sibyllin et particulièrement poétique. Flash-back sur ce titre dédié à la comédienne Juliet Berto.

Artiste prolifique, Yves Simon est non seulement comédien, écrivain de talent, mais aussi un auteur-compositeur-interprète de génie. Parallèlement à deux 33 tours sortis discrètement à la fin des années 1960, Yves Simon publie deux romans à succès au début des années 1970. À cette époque, il se produit à Bobino, en première partie de Georges Brassens. En 1973, sur le tournage d’un film de Bertrand Van Effenterre, il rencontre la comédienne Juliet Berto, égérie de Jean-Luc Godard, avant de devenir la muse de Jacques Rivette et de la Nouvelle Vague. Un jour, entre deux scènes, Juliet fait écouter à Yves Simon une chanson qu’elle vient d’enregistrer pour sa nièce et qui s’inspire du célèbre conte pour enfants créé par l’anglais Lewis Carroll, Alice au pays des merveilles.

Quelques semaines plus tard, Yves Simon, après le bon accueil du 45 tours Les Gauloises bleues, doit commencer l’enregistrement d’un album pour les disques RCA. Il a déjà écrit et composé une vingtaine de chansons, mais elles ne correspondent plus vraiment à ce qu’il a envie de faire. Influencé par les univers artistiques de Bob Dylan ou Serge Gainsbourg, Yves Simon souhaite explorer d’autres sphères musicales et se met donc dans l’urgence à écrire de nouvelles chansons. une fin d’après-midi du mois de mai 1973, alors qu’il se trouve à la terrasse d’un café parisien, il repense à Juliet Berto et décide de lui consacrer une chanson. En se remémorant Alice au pays des merveilles, qu’elle lui avait fait écouter, il griffonne en bas d’un exemplaire du quotidien Libération les premiers couplets de ce qui va devenir Au pays des merveilles de Juliet.

La chanson est une succession de références indirectes et imagées à Juliet Berto et à sa carrière d’actrice. Dans le texte, Yves Simon fait appel à ses talents littéraires pour écrire des paroles pleines de poésie, qui n’auraient pas déplu aux surréalistes. La chanson est enregistrée quelque temps plus tard avec l’arrangeur Jean-Claude Dequéant et donne son titre à l’album qui sort à la rentrée 1973. À ce moment-là, les programmateurs radio sont assez déroutés par cette chanson et lui préfèrent un autre titre de l’album Les Bateaux du métro. Pourtant, Au pays des merveilles de Juliet finit par s’imposer et obtient le grand prix de l’Académie du disque.

Point anecdote: Avec cette chanson, Yves Simon connaît un immense succès au Japon, pays où il se produira à plusieurs reprises et sera accueilli à chaque fois comme une véritable star. Yves Simon a même chanté sur scène devant 20000 personnes, à Hiroshima, le 6 août 1982, pour la commémoration de l’explosion atomique.

Avant de nous dire adieu

En 1976, Jeane Manson est révélée au public français grâce à une chanson intitulée Avant de nous dire adieu. Composée par Jean Renard et écrite par Michel Mallory, elle révèle une ode à la sensualité. Jeune et magnifique mannequin californien, Jeane Manson vient, au début des années 1970 tenter sa chance en Europe. Après un passage par l’Italie, elle débarque en France où sa plastique parfaite ne tarde pas à faire fureur. Le photographe Alain Marouani, qui a en charge les pochettes de disques du label Barclay, la rencontre pendant l’été 1974, à l’occasion d’une séance photo destinée à illustrer des albums d’orchestre. À l’issue du shooting, sachant qu’Alain travaille pour une maison de disques, la jeune fille, qui chante et joue de la guitare, lui remet une cassette. Subjugué par la beauté et le charisme de cette Américaine, Alain en parle à son frère, l’imprésario Jacques Marouani, qui va mettre en contact Jeane et Jean Renard.

À son tour, Jean Renard va succomber au charme de la chanteuse glamour et accepte de la produire. Mais pour lancer Jeane, il faut une chanson forte qui corresponde à sa voix chaude et timbrée. Une nuit, au volant de sa voiture, entre Paris et Provins, Jean Renard imagine une musique tendre et un peu orientale. Quelques jours plus tard, il organise un déjeuner entre Jeane et l’auteur Michel Mallory, afin que ce dernier écrive le texte de la chanson. Ainsi naît Avant de nous dire adieu, qui sort chez CBS aux premiers jours de l’année 1976. Cette année-là, Jeane Manson devient la révélation du Midem à Cannes, et après plusieurs passages radio et surtout plusieurs participations aux shows des Carpentier, la chanson devient un énorme tube et la France entière se laisse envoûter par le talent et le charmant accent de Jeane Manson.

Avec Bidasse

C’est une lettre avec des mots en occitan qui donnera naissance à une célèbre chanson en 1913. Interprétée par Bach, Avec Bidasse devient un hymne pour des millions d’hommes natifs du Pas-de-Calais et engagés dans la Grande Guerre.

L’histoire de la chanson commence aux premiers jours de l’été 1913. Le chanteur comique troupier Charles-Joseph Pasquier, plus connu sous le nom de Bach, commande au compositeur Henry Mailfait et au parolier Louis Bousquet des chansons pour un nouveau tour de chant qu’il prépare. Cherchant l’inspiration, l’auteur Louis Bousquet repense à une lettre qu’il avait reçue d’un copain militaire, natif comme lui de Pari- gnargues dans le Gard occitanophone. Cette lettre truffée de mots en occitan permet au jeune conscrit de se plaindre de sa vie pénible sous les drapeaux, tout en échappant à la censure.

Pour écrire Avec Bidasse, Louis Bousquet s’inspire alors d’un vocabulaire et d’une langue méridionale qu’il connaît bien. Ainsi, l’étymologie du nom propre Bidasse est le substantif occitan vidassa (prononcé bidasse) qui signifie une vie désagréable, une vie pénible. Au moment de l’écriture sur son cahier de brouillon, Louis Bousquet sait déjà secrètement que son texte va séduire des milliers d’hommes originaires du sud de la France et devenus conscrits pour leur service militaire effectué dans les départements du nord de la France. Également et pour la rime, le texte est un merveilleux hommage à la ville d’Arras, chef-lieu du département du Pas-de-Calais et un franc témoignage de camaraderie.

Très vite et pour répondre favorablement au chansonnier comique Bach, le compositeur Henry Mailfait prend connaissance du texte, se met au piano, et adapte les notes d’une marche militaire. Cette mélodie, très appréciée des fanfares, plaît beaucoup au public. Que ce soit sur la scène du Gaumont-Palace du 27 février 5 mars 1914 ou à L’Eldorado du 19 mars au 24 avril 1914 à Paris, le chanteur Bach interprète tous les soirs sa chanson, Avec Bidasse. Aussitôt, le comique troupier Polin la reprend quelques jours plus tard sur la scène de La Scala. Pour illustrer le visuel de la partition musicale vendue, l’éditeur choisit le dessinateur Léon Pousthomis pour croquer deux soldats rieurs en uniforme et observant un gorille.

Lorsque la Grande Guerre éclate le 2 août 1914, la chanson devient alors un hymne pour tous les hommes de troupe engagée dans les combats au front. Pour des millions d’hommes, la ville d’Arras devient une capitale résistante à l’envahisseur allemand. Une ville de garnison mais surtout un lieu stratégique pour les combats. Tout naturellement, c’est en chanson et Avec Bidasse que s’expriment et se reconnaissent les hommes originaires du Pas-de-Calais, dans ce conflit mondial. À l’issue de cette Grande Guerre et devant le succès de la chanson, le mot bidasse désigne désormais et de façon familière, un simple soldat. Gaston Ouvrard, Fernandel, Henri Tisot, Fernand Raynaud… Tous enregistrent alors ce succès.

Quelques années plus tard, au début des années 1970, le réalisateur Claude Zidi remet le mot bidasse au goût du jour, en produisant pour le cinéma : Les bidasses en folie en 1971 et Les bidasses s’en vont en guerre en 1974.

Pour la petite histoire et plus de cent ans après sa création en chanson, Bidasse revient à Arras le 29 août 2015, sous forme d’un géant de carnaval de 4,50 mètres, avec les traits du comique troupier Bach ressuscité par l’artiste-plasticien Johan Vifquin. Il est alors baptisé, une fois le pompon rouge placé sur son képi et promené dans toute la ville, traversant la Grand Place pour revenir sur la place des Héros devant le beffroi.

Avec la tête, avec le cœur

Pour Claude François, l’année 1968 est révolutionnaire. Non seulement il devient papa mais en plus il tente de prouver à une intelligentsia de barricades qu’il n’est pas seulement un chanteur de pacotille mais qu’il sait aussi interpréter un répertoire plus sérieux, comme cette chanson, Avec la tête, avec le cœur, sortie en octobre 1968.

Gros plan sur un titre fétiche.

Lorsque sort Avec la tête, avec le cœur, en octobre 1968, Claude François traverse une période de joie et de bonheur intense. Non seulement sa société de disques, Flèche, commence à prendre son essor, mais un chambardement heureux vient aussi de traverser sa vie personnelle : la naissance de son fils aîné, Claude Junior, le 8 juillet 1968. Pour Claude, à l’approche de la trentaine, cette période de changement est aussi celle de la réflexion et de la remise en question. Pour aborder une deuxième décennie de carrière, il souhaite un répertoire plus intimiste dans la lignée de Comme d’habitude, sorti l’année précédente. Il est temps pour lui de gommer l’image du chanteur yé-yé bondissant, afin de se crédibiliser face à une critique qui n’est pas toujours tendre avec lui.

C’est donc pour cela qu’il sort Avec la tête, avec le cœur, une chanson sérieuse, basée sur l’impossibilité de dire ce que l’on pense vraiment, à tous les âges de la vie. La fidèle parolière Vline Buggy, et un jeune étudiant, Yves Dessca, qu’elle a pris sous son aile et présenté à Cloclo, signent le texte grave de ce titre, dont chaque couplet correspond à des instants de vie : l’enfance, l’adolescence et l’âge adulte, avec une conclusion sous forme de refrain qui dit que la raison finit toujours par l’emporter sur les émotions de la vie. Le premier couplet de la chanson Avec la tête, avec le cœur évoque un petit garçon qui part en pension, une histoire inspirée à la parolière vline Buggy par son fils aîné Hugues qui en 1968, était pensionnaire.

La chanson est mixée au studio Europa Sonor, rue de la Gaieté, à Paris, où le chanteur retrouve l’ingénieur du son, Roger Roche, qui avait déjà mixé Belles, belles, belles six ans plus tôt. Une grande complicité unit les deux hommes et se poursuivra plus tard, aux studios Davout.

À la sortie du 45 tours, en octobre 1968, la chanson qui devait être défendue par l’artiste était Monsieur le businessman mais devant le manque d’enthousiasme des professionnels, ce sera finalement Avec la tête, avec le cœur qui sera retenue. Claude François l’interprétera trois fois à la télévision. Le 3 décembre 1968, dans Studio 102, le 12 novembre 1968, dans Si ça vous chante et la toute première fois, le 30 octobre 1968, dans Salves d’or, réalisée par Roger Pradines.

Cloclo s’approprie magistralement cette chanson qui restera longtemps sa préférée, au point de s’en inspirer pour le titre de son émission de télévision qu’il produira quatre ans plus tard Avec le cœur, et de l’adapter en anglais, pour partir à la conquête des pays anglo-saxons, en 1977.

Avec le temps

En 1971, Léo Ferré connaît un très grand succès avec une belle chanson qui traite de l’éphémère et a pour titre Avec le temps. Ce petit bijou a été écrit et composé en souvenir d’une douloureuse rupture amoureuse.

Après plus de vingt ans de carrière dans des cabarets parisiens, et à près de 50 ans, le poète, musicien et chanteur franco-monégasque Léo Ferré connaît enfin le succès en 1969, devançant les Beatles dans les hit-parades avec C’est extra. Grâce à cette chanson, l’artiste fédère les jeunes qui se reconnaissent dans ses idées libertaires et en font leur nouveau porte-parole. En 1970, Léo Ferré enregistre plusieurs chansons pour un double album intitulé Amour Anarchie. Parmi les titres écrits et composés pour figurer initialement sur cet album, se trouve Avec le temps. Léo Ferré l’a créé par une triste journée d’automne, en repensant à l’échec de son mariage avec sa deuxième femme, Madeleine, dont il s’est séparé avec perte et fracas, au début de l’année 1968. Bien qu’il ait refait sa vie avec Marie-Christine, cette douloureuse rupture reste encore très présente dans l’esprit du poète, lorsqu’il écrit Avec le temps. Elle est d’ailleurs si vivace qu’il note le texte de sa chanson en cinq minutes, d’un seul trait, sans changer le moindre mot et sans avoir à le retravailler. Même chose pour la musique, qui lui vient spontanément et naturellement. Au départ, Barclay, la maison de disques du chanteur, décide de ne pas inclure Avec le temps aux dix-huit titres retenus pour les deux volumes de l’album Amour Anarchie.

Finalement, en octobre 1970, la chanson Avec le temps sort sous forme d’un simple 45 tours, avec en face B L’Adieu, un poème de Guillaume Apollinaire mis en musique par Léo Ferré. Avec le temps ne tarde pas à connaître un immense succès. Léo Ferré est classé dans les hit-parades français et sa chanson s’exporte en Italie où elle fonctionne en français, mais aussi traduite sous le titre Col tempo. Le Portugal réserve également un très bon accueil à la chanson et à son interprète.

Point anecdote : La séparation qui a inspiré à Léo Ferré Avec le temps a été très mal vécue par le chanteur, au point de lui laisser beaucoup d’amertume. En effet, sa femme Madeleine avait tué leur guenon domestique, Pépée, qu’il adorait. Un vrai cataclysme dans la vie personnelle de l’artiste qui n’a eu de cesse, dès lors, de soigner sa douleur en chanson.

Avec le temps a souvent été reprise par des artistes français. La première est Dalida qui, lors de son passage à l’Olympia de Paris, du 23 novembre au 5 décembre 1971, en a fait une très poignante version, qui a beaucoup touché et ému son créateur, Léo Ferré.