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Dans la même collection

Retour à Philadelphie (promenade analytique et amoureuse avec Rocky et Stallone)

Quentin Victory Leydier

Directed by Sylvester Stallone (nouvelles)

Jean-Christophe HJ Martin

Préface

As soon as you’re born they make you feel small

By giving you no time instead of it all

Till the pain is so big you feel nothing at all

A working class hero is something to be

Working Class Hero, John Lennon, 1970

« Sly et moi » par Régis Dubois

Je suis un enfant des années 80. J’ai grandi dans les HLM de la proche banlieue marseillaise. Et Sylvester Stallone était mon héros. Je le connaissais avant même d’avoir vu ses films tant on m’avait vanté ses exploits de boxeur et de commando. Mon grand frère avait eu la chance de voir Rocky II en vidéocassette chez une copine du collège et à son récit je mourais de jalousie de n’avoir pas été invité. Je me souviens aussi du rapport détaillé qu’un adulte m’avait fait de Rambo et de la fameuse scène où il se recoud tout seul une vilaine plaie au bras. Rien de mieux pour attiser la curiosité d’un pré-ado. Et puis vers mes douze ans j’ai enfin pu voir ces films : Rambo, qui repassait au cinéma, puis Rocky IV dont l’affiche allait trôner de longues années sur la porte de ma chambre. Car entre-temps je m’étais aussi mis à la boxe, c’est dire si Sly a été un modèle de masculinité dans la construction de mon identité. Et puis les années ont passé avec les films, Cobra, Over the Top, Rambo III, Tango & Cash, Rocky V… Et quand sont arrivées les années 90, on s’est éloignés Sly et moi. Un peu parce que ses films devenaient moins bons, mais aussi et surtout parce que je m’éloignais peu à peu de ma culture populaire pour embrasser une carrière d’intellectuel à l’université. Disons que je ne me vantais pas tellement d’aimer le cinéma hollywoodien à la fac, et encore moins les films de Stallone. Pour montrer patte blanche mieux valait alors citer Godard, Tarkovski ou Antonioni… Et puis Sly et moi on s’est franchement fâchés. Entre-temps je m’étais politiquement radicalisé, et Rocky comme Rambo devenaient soudainement le symbole du racisme et de l’impérialisme US. Déjà qu’en tant que gauchiste il ne m’était pas facile d’avouer mon amour des États-Unis, alors imaginez célébrer Stallone… Pourtant, au fond de moi, quelque chose me rattachait à lui, une forme de profonde sympathie, de familiarité. Et puis il y eut Copland. Soudain Stallone trouvait les faveurs des critiques de cinéma. Peut-être n’était-il pas si bourrin que ça finalement. Je dois dire que ça m’a procuré une certaine satisfaction, comme si au fond de moi je me disais que j’avais toujours eu raison de l’aimer. Pour autant je n’allais pas le crier sur tous les toits. Dans les milieux bobo-intello-gaucho que je fréquentais alors, Sly demeurait toujours persona non grata. En fait, je me suis vraiment réconcilié avec lui à la fin des années 2000 après mon divorce et après m’être définitivement éloigné de cet univers bourgeois qui ne me correspondait tellement pas. C’est en renouant avec ce que j’étais au fond de moi que j’ai recroisé sa route. C’est en revoyant les Rocky que je me suis ressourcé. Et que je continue à le faire. Comme par hasard, c’est sensiblement à la même époque que Stallone, avec Rocky Balboa, retournait à la source de son personnage et de son inspiration… La boucle est bouclée.

Le livre de David, que vous tenez entre vos mains, parachève en quelque sorte cette relation compliquée que j’entretiens avec Stallone depuis maintenant trente ans. D’ailleurs dès que j’ai appris l’existence de ce texte je me suis jeté dessus et l’ai lu d’une traite. Étonnamment, même si j’apprenais beaucoup de choses à sa lecture, c’est un peu comme si je savais déjà tout ça, inconsciemment. L’auteur mettant en quelque sorte les mots justes sur ce que je ressentais depuis toujours vis-à-vis de ce prolo de Stallone. Disons que ce livre m’a permis de comprendre dans le détail pourquoi j’avais tant d’affection pour ce personnage de loser généreux et si attachant. Et d’ailleurs, le malentendu idéologique autour de son reaganisme supposé – malentendu auquel j’ai aussi participé à travers mes écrits – n’est pas sans m’évoquer celui qui associe Born in the USA du Boss Springsteen (autre working class hero US qui m’est cher) à un hymne au reaganisme. Bref, ce livre a ainsi le grand mérite de montrer qu’aucune œuvre n’est simple et que même Stallone, avec ses gros bras et son sourire de travers, est une personnalité bien plus complexe qu’il n’y paraît. En dernière instance, cet ouvrage a aussi le grand intérêt de s’aventurer sur le terrain des cultural studies et plus précisément des star studies dont l’enjeu est d’analyser sans aucun a priori et de manière pluridisciplinaire (mêlant le cinéma, l’histoire, la sociologie, la politique, la biographie…) les productions populaires de la culture de masse en tenant compte aussi bien des intentions des auteurs que des contraintes du marché et de la réception du public. Une approche, malheureusement, encore largement boudée en France qui prouve pourtant, avec ce livre, toute sa richesse.

Avant-propos

Ce livre sur la carrière de Sylvester Stallone connaît aujourd’hui une nouvelle édition dans une version augmentée. Cet ouvrage est le premier que j’ai écrit et j’ai vraiment une affection particulière pour lui. Tout d’abord, c’est une belle aventure car, à l’origine, c’était un travail universitaire pour l’obtention de mon Master à l’Institut français de presse de Paris. Mon directeur de recherche, le génial Fabrice d’Almeida, m’avait vivement conseillé de consacrer mon étude à l’artiste italo-américain. Après une longue discussion, il avait compris mon attachement au cinéma d’action américain des années 80 et m’avait aussitôt interpellé sur le fait qu’aucun ouvrage de référence n’existait sur la carrière de Sly. Fabrice d’Almeida avait tout prévu : un mémoire, suivi d’une publication et une possible reconnaissance médiatique à cause du manque de spécialiste reconnu, en France, sur la carrière de Sylvester Stallone. Et on peut dire aujourd’hui qu’il avait raison. Depuis la publication de mon manuscrit, j’ai été sollicité de nombreuses fois par les médias pour analyser, contextualiser chaque nouveau long-métrage du comédien. On peut ajouter le beau succès critique et public de l’ouvrage ainsi que l’hommage effectué par Sylvester Stallone lui-même sur les réseaux sociaux en 2016. L’acteur-réalisateur a posté un touchant message sur mon travail (voir photo ci-contre) dans lequel il explique que ma vision de son œuvre est plutôt pertinente. Un grand merci à lui pour ces propos qui m’ont véritablement touché, surtout venant d’une personne dont les nombreux posters ornaient ma chambre lorsque j’étais enfant. Et je peux dire que j’ai toujours mis en pratique sa philosophie de « l’œil du tigre » (les fans me comprendront) dans ma vie personnelle. Cela m’a permis de ne jamais baisser les bras face à certaines difficultés et de me « battre » continuellement pour atteindre mes objectifs. Enfin, le livre a aussi satisfait ses fans, ces derniers ne cessant de me répéter que j’avais enﬁn mis les mots justes permettant d’exprimer leur passion pour l’acteur. 

Et qu’en est-il de la carrière de Sylvester Stallone depuis la dernière version de mon livre ? J’avais laissé Sly sur l’immense succès de Creed, qui lui valait en plus une deuxième nomination aux Oscars pour sa performance (meilleur second rôle), presque trente ans après celle obtenue pour le premier film (meilleur acteur). Tout le monde semblait d’accord pour dire que l’acteur méritait enfin la statuette, qui allait être l’aboutissement de son formidable travail pour Ryan Coogler, en plus de symboliquement le remercier pour sa contribution immense au cinéma populaire américain. Malheureusement, il a perdu face à l’outsider Mark Rylance, récompensé pour sa touchante interprétation dans le film Le Pont des espions (2015) de Steven Spielberg. Un final à la Rocky finalement, dans lequel le favori se fait battre par l’outsider, ce que Sly lui-même a indiqué avec sourire après la cérémonie. J’ai ensuite rencontré de nombreux fans de l’acteur, qui me demandaient mon avis sur la suite de sa carrière post-nomination aux Oscars. Je répondais que, selon moi, la carrière de Stallone allait prendre un nouveau tournant, qu’il allait sans doute être plus exigeant avec ses projets et se consacrer toujours plus à la réalisation. C’est une voie que l’artiste a commencé à suivre en annonçant des projets intéressants comme un thriller psychologique intitulé Godforsaken¹ réalisé par Jim Mickle, la réalisation de Tough As They Come² avec Adam Driver ou encore la mise en route de sa fameuse biographie sur Edgar Allan Poe. Tout cela semblait très alléchant mais, au lieu de ces films, l’acteur a décidé de s’investir dans des longs-métrages sortis directement en vidéo comme Escape Plan 2³ et 3 ou Backtrace avec Matthew Modine. Des œuvres médiocres qui l’ont occupé durant ces dernières années... Des échecs artistiques et financiers qui semblent vraiment incongrus⁴ dans la carrière de l’acteur, même si les nanars n’étaient pas absents dans sa longue filmographie (Rhinestone ou Arrête ou ma mère va tirer ! restent des essais particulièrement embarrassants pour le comédien). Inévitablement, Sylvester Stallone est revenu sur grand écran, ces derniers temps, dans la peau de Rocky Balboa mais aussi de John Rambo. Deux nouveaux opus qui justifient cette version augmentée concernant la fin de carrière de l’un des acteurs les plus populaires de la planète.

1. L’acteur s’est retiré du film deux semaines seulement avant le début du tournage. Dans ce projet, Stallone devait incarner un ancien détenu déprimé, qui décide de protéger sa famille après la mort de son fils.

2. Adapté des mémoires de Travis Mills, ce film dramatique racontait la véritable histoire du sergent-chef de l’armée américaine. Mills, un soldat de la guerre en Afghanistan, a survécu à une quadruple amputation à la suite d’une blessure sur le champ de bataille. Au cœur de l’histoire se trouve la relation du soldat avec son beau-père, qui était à ses côtés depuis le jour où il est rentré de l’hôpital. Stallone, en plus d’assurer la réalisation, devait incarner le beau-père.

3. Stallone a lui-même indiqué, sur Instagram, que Escape Plan 2 était le pire film de sa carrière !

4. Les suites d’Escape Plan semblent avoir été tournées principalement pour le marché chinois, afin d’obtenir des fonds pour sa nouvelle société Balboa Productions (comme ce deal obtenu avec l’entreprise chinoise Starlight Culture Entertainment Group). Sur ce sujet, voir « Sylvester Stallone’s Production Company Wants to Be the Blumhouse of Action Films », Variety, 23 juillet 2019, https://variety.com/2019/film/features/balboa-prods-sylvester-stallone-braden-aftergood-1203275756/

Introduction

« Par essence l’image cinématographique, représentation de la vie, est aussi engagée que la vie elle-même, c’est-à-dire totalement. »⁵

Depuis longtemps, Hollywood s’appuie sur ses stars afin de promouvoir ses films et son idéologie. Le sociologue Edgar Morin nous donne une définition intéressante de celle-ci dans son ouvrage Les Stars où il explique que la star apparaît dans l’Hollywood des années dix, dans un contexte de concurrence entre les diverses firmes cinématographiques. En amont, les studios façonnent la vedette, tandis qu’en aval une grande partie du public la « divinise » car elle combine « l’exceptionnel et l’ordinaire, l’idéal et le quotidien »⁶. On peut constater que l’Italo-Américain Sylvester Stallone entre dans cette catégorie si convoitée définie par Edgar Morin. Depuis la sortie du film Rocky (1976) de John G. Avildsen (son premier film en tant qu’acteur et scénariste), Sylvester Stallone est devenu une vedette à part dans le paysage hollywoodien.

Le cinéma américain a toujours été idéologique, ne serait-ce que parce qu’il a pour but de vendre le « rêve américain », même si dans ce cas il est délicat de parler de propagande puisque la production hollywoodienne ne relève pas directement d’une commande de l’État. Nous adopterons ici l’appellation que fait Antonio Gramsci de l’idéologie, telle que citée par Hughes Portelli dans l’ouvrage Dictionnaire des œuvres politiques : « Au sein de la conception gramscienne de l’hégémonie, le concept d’idéologie tient une place centrale. Gramsci la définit – à la différence de Marx et de la théorie du “reflet” – comme “une conception du monde qui se manifeste implicitement dans l’art, dans le droit, dans une activité économique, dans toutes les manifestations de la vie individuelle et collective”. »⁷ Mais nous pouvons nous interroger sur la nature de l’idéologie qui se dégage de la filmographie de Sylvester Stallone comme acteur, scénariste et réalisateur. Une apologie de l’Amérique des années quatre-vingt du président des États-Unis Ronald Reagan (de 1981 à 1989) et de ses valeurs, comme l’ont indiqué des critiques de cinéma français dans les années quatre-vingt ? Ou plutôt une mise en avant de valeurs humanistes qui étaient déjà présentes dans le scénario Rocky (1976), son premier scénario adapté à l’écran ?

Le principe à l’origine de cette étude relève d’une même idée : tout film est vecteur d’une idéologie. De façon implicite ou explicite, inconsciente ou volontaire de la part des réalisateurs, chaque long-métrage propose une vision subjective et particulière du monde, et demeure donc, en toutes circonstances, porteur d’une idéologie.

Même si nous avions pu être exhaustifs pour ce qui est de la filmographie de Sylvester Stallone, nous avons choisi ici de ne pas étudier tous ses films. Les longs-métrages sélectionnés sont essentiellement ceux qui ont donné lieu à une analyse idéologique de la part de la critique. La plupart des films sur lesquels nous nous appuierons répondent donc aux mêmes critères : des longs-métrages réalisés ou écrits par Sylvester Stallone, dont beaucoup ont subi une lecture politique (lutte entre l’idéologie capitaliste et communiste et symbole de l’impérialisme américain) de la part des élites intellectuelles françaises et américaines (presse cinéma ou généraliste). Nous tenterons de démontrer que ces films sont beaucoup plus ambigus dans la représentation des États-Unis et de l’URSS qu’on a pu le dire. Et nous analyserons d’autres films écrits par Sylvester Stallone où il émane vraiment une mise en avant de vertus humanistes (la saga des films Rocky par exemple). Pour cette démonstration, nous situerons ces œuvres dans leurs contextes politiques et cinématographiques, et nous utiliserons la sociologie, l’analyse filmique et les propos de l’acteur (et de ses collaborateurs) afin d’analyser ces différents films du corpus.

En 1976, Rocky, le film scénarisé par Sylvester Stallone, voit sa spectaculaire réussite commerciale récompensée par Hollywood. Il obtient en effet trois Oscars dans les catégories de meilleur film, meilleure réalisation et meilleur montage. Et le film est aussi en compétition pour l’obtention de six autres statuettes (meilleure actrice, meilleur acteur, meilleur second rôle, meilleur scénario, meilleure musique et meilleur son). L’histoire du long-métrage reprend le récit classique d’un héros solitaire qui a rendez-vous, un jour, avec le destin et qui entrevoit la possibilité de réaliser son rêve (devenir champion du monde de boxe). C’est un film qui met en avant les classes populaires (typique du cinéma américain des années soixante-dix) où l’on retrouve l’influence du célèbre cinéaste italo-américain Frank Capra (1897-1991), c’est-à-dire une réhabilitation des grands mythes fondateurs américains que le cinéma des années soixante-dix a éreintés. Le film affiche une fausse fin pessimiste car, derrière la défaite de Rocky, il y a la victoire d’un homme sur lui-même et son accomplissement personnel. Le premier Rocky contient déjà la plupart des thèmes stalloniens que l’on retrouvera dans ses autres films ou scénarios : la rédemption, l’échec, la figure paternelle, le dépassement de soi, la méfiance envers l’argent… C’est un long-métrage qui a été désigné un peu rapidement comme le symbole du rêve américain alors que le scénario nous expose la défaite de Rocky Balboa et donc son impossibilité de progresser véritablement socialement. C’est d’ailleurs le postulat que nous expose le scénario de Rocky II (1979) réalisé par Stallone dans lequel on voit le boxeur travailler dans une usine.⁸

L’historien Jim Cullen passe en revue les différentes manifestations du rêve américain tout au long de l’histoire américaine dans son ouvrage The American Dream: A Short History of an Idea That Shaped a Nation, et il examine les six versions, les six projets qui ont, selon lui, occupé tour à tour l’horizon mental des Américains : le rêve de la « bonne vie » (prospérité matérielle), la mise en forme du rêve en « charte » (la célèbre déclaration d’indépendance), le rêve d’ascension sociale (dont le symbole est Abraham Lincoln), le rêve de l’égalité (Martin Luther King) et, pour finir, les rêves plus personnels de la « maison individuelle » et de la réalisation de soi, à la californienne : « Ce livre expose quelques variétés du rêve américain : leur origine, leur dynamique, leur évolution […] Je débute par ce que je considère comme le premier grand rêve américain, celui de petits groupes de religieux anglais dissidents qui ont traversé l’océan à la recherche d’une nouvelle façon d’adorer Dieu […] Ensuite, je continue à examiner ce que j’appelle la charte du rêve américain : la déclaration d’Indépendance […] De là, je me tourne vers un des rêves américains les plus familiers : celui de mobilité ascendante, un rêve typiquement compris en termes d’avancement économique et/ou social […] J’analyse ce que je considère comme un des plus remarquables – et raté – de tous les rêves américains : la recherche d’égalité, concernant spécifiquement la lutte des Afro-Américains […] Ce qui m’amène à mon rêve américain final. C’est aussi un rêve d’accomplissement personnel. »⁹

On peut penser que Sylvester Stallone se situe plutôt dans cette dernière conception du rêve américain (contrairement à celle du président Ronald Reagan, qui se situe plutôt dans le rêve d’ascension sociale). Car le propos de Sylvester Stallone est toujours de nous décrire un homme qui essaie de se montrer à lui-même qu’il n’est pas un « loser » : « Le rêve américain est un rêve universel, un rêve d’accomplissement personnel. On l’appelle ainsi uniquement parce que les États-Unis constituent une jeune nation. Le rêve américain ce n’est d’ailleurs pas de parvenir à son but, c’est d’abord de saisir l’opportunité de le réaliser, d’attraper cette chance. Dans le premier film de la série qui lui est consacrée, Rocky perd mais il a eu l’opportunité de tenter sa chance en se battant contre le champion en titre, Apollo Creed. Voilà ce que représente le rêve américain à mes yeux. »¹⁰

Le personnage de Rocky Balboa est un antihéros dans le premier film de la saga, très ancré dans son époque (c’est ce qu’on appelle un « héros de gauche », c’est-à-dire un éternel perdant) mais il annonce aussi les héros du cinéma américain des années quatre-vingt car il accepte l’offre du combat de sa vie lorsque le promoteur de boxe lui rappelle le rêve américain : « Rocky, croyez-vous que ce pays donne sa chance à ceux qui veulent la saisir ? »¹¹ C’est un scénario que Stallone a écrit après avoir assisté au combat de boxe entre Mohamed Ali et l’inconnu blanc Chuck Wepner¹². En effet, l’acteur assiste à ce combat avec les derniers dollars qu’il possède le 15 mars 1975. L’histoire de ce boxeur de seconde zone, qui remporte une victoire symbolique sur lui-même dans la défaite, allait lui donner la trame du scénario de Rocky. Un homme, que l’on considérait comme un loser, allait prendre une belle revanche sur la vie et prouver qu’il pouvait tenir la distance.

Issu d’un milieu populaire, l’acteur-scénariste-réalisateur est devenu rapidement, après le triomphe public et critique de Rocky, le représentant des classes populaires américaines et des minorités ethniques avec des films dotés d’une fibre sociale assez forte : « Il se définit comme un démocrate sans doute parce qu’il est conscient d’être le seul acteur américain qui soit aussi le peuple ».¹³ D’abord avec F.I.S.T. (1978) de Norman Jewison, qui narre l’histoire de Johnny Kovak, un immigré hongrois qui va devenir un leader syndical très important. Le scénario, coécrit par Stallone, est inspiré de l’histoire vraie du syndicaliste Jimmy Hoffa. Puis avec La Taverne de l’enfer (1978), premier film réalisé par Sylvester Stallone. Le scénario qu’il a écrit narre l’histoire de trois frères d’origine italienne qui tentent d’accéder au « rêve américain » dans l’Amérique des années quarante. Ce film s’inscrit dans la lignée du cinéma humaniste et populiste du cinéaste italo-américain Frank Capra, auteur de Mr Smith au Sénat (1939) ou de La vie est belle (1946) : « Ce mouvement (le populisme) défendait l’égalité des chances pour tous comme aux temps de Jefferson et de Jackson (1800-1840), une libre entreprise qui veillerait à ce que les ambitions personnelles démesurées fussent tempérées par une politique commune de bon voisinage, le pouvoir détenu par des hommes vertueux ; il soutenait toute forme d’opposition à la haute finance, aux machines politiques centralisées, au fédéralisme omniprésent, à l’intellectualisme citadin. En d’autres termes, une nouvelle occasion devait être offerte aux “self-made-men” de repartir de zéro sur une base équitable et solide. Leurs héros avaient pour nom Abraham Lincoln et Jésus-Christ. Deux grands humanistes qui savaient aimer leur prochain et qui furent victimes d’adeptes de l’intolérance et du pouvoir totalitaire. »¹⁴ Les idéaux mis en valeur par le populisme¹⁵ étaient les mêmes que l’Amérique avait défendus à ses origines : le dur labeur, la simplicité, la foi en les capacités de l’individu, la famille, le sens de la communauté, une véritable démocratie où chacun serait l’égal de son voisin, une société s’appuyant sur une classe moyenne vivant dans de petites villes ou à la campagne. L’influence de Frank Capra dans le cinéma de Sylvester Stallone est une chose que revendique ouvertement l’acteur : « J’avais envie que La Taverne de l’enfer soit proche des films des années trente-quarante, avec un côté Frank Capra. »16 En 1982, l’acteur choisit de tourner le long-métrage Rambo de Ted Kotcheff. Le scénario du film décrit la difficile réinsertion des vétérans de la guerre du Vietnam avec l’histoire de John Rambo, un Béret vert d’origine amérindienne, qui subit la violence et le racisme d’une petite ville américaine.

Cette série de longs-métrages pourrait situer Sylvester Stallone plutôt vers un cinéma de « gauche », humaniste. Qu’est-ce qui pourrait en fait définir un héros de « gauche » ? L’inverse sans doute de ce qui caractérise le héros de « droite » : exceptionnel, unique, individualiste, supérieur, sûr de lui, toujours vainqueur, héroïque, fort et viril. Par exemple, le héros de « gauche » devrait être non pas un individu unique et exceptionnel mais une entité collective. De la même façon, la qualité première du héros de gauche ne devrait pas être sa force ni sa bonté d’âme ou sa réussite. En somme, il ne devrait pas être exceptionnel mais être comme tout le monde, un homme du peuple parmi tant d’autres : « Le héros qui ne se sert pas de son physique est pour moi un grand héros […] Mon concept du héros ne dépend plus de sa force physique, de ses muscles, de sa taille. Il peut être petit, timide, celui que l’on ne remarque pas. C’est lui le héros. »¹⁷ On constate que cela éloigne l’acteur italo-américain de la représentation que l’on a de lui en Europe, et particulièrement en France. Sylvester Stallone a conscience aujourd’hui de son image très néfaste dans les médias français et européens : « En Europe particulièrement, on me considère comme le symbole impérialiste des États-Unis. C’est un jugement qui me rend d’autant plus malheureux que la politique n’est pas liée de manière aussi étroite à mon existence. Je crois sincèrement que la politique se situe au-delà des partis et clivages. C’est une affaire d’individus. »¹⁸

Le problème est que ces films humanistes, que l’on pourrait qualifier de « gauche », seront des échecs au box-office (à l’exception de Rocky II et Rambo). L’acteur commence à avoir peur de perdre son statut de star mondiale acquis depuis le premier Rocky et les années quatre-vingt vont voir émerger ce que l’on peut appeler un nouveau « Stallone ». En effet, l’acteur va enchaîner quatre films, Rambo II (1985), Rocky IV (1985), Cobra (1986) et Rambo III (1988), qui vont être qualifiés de propagande « reaganienne ».

En 1983, en pleine guerre froide, le président Ronald Reagan déclare que l’Union soviétique est « l’empire du mal » et le cinéma hollywoodien a trouvé ses nouveaux ennemis. Rappelons que la guerre froide, située entre 1947 et 1991, est une période de tensions et de confrontations idéologiques et politiques entre les deux superpuissances que furent les États-Unis et l’URSS. C’est aussi la mise en avant de la vision du monde des néo-conservateurs américains : « Les néo-conservateurs ont eu leur heure de gloire sous les deux mandats de Ronald Reagan. Ils ont donné le ton d’une politique musclée vis-à-vis de l’URSS. Ils sont convaincus d’avoir gagné la guerre froide, non seulement par une pression militaire qui a ruiné l’économie soviétique, mais aussi par un combat moral contre le communisme. “L’Amérique est une idée” : le slogan est inscrit sur leur drapeau. Étudiants dans les années 1930, ils ont été formés par les luttes antistaliniennes de leur trotskisme de jeunesse ; en reniant l’extrême gauche, ils n’ont pas abandonné l’anticommunisme. Dans les années 1960, ils ont été rejoints par une nouvelle génération plus préoccupée par la stratégie nucléaire que par l’affrontement idéologique avec le marxisme-léninisme, mais qui nourrissait la même aversion pour l’URSS. »¹⁹ Une multitude de films va donc mettre en scène ce combat symbolique du « bien contre le mal ». L’Aube rouge (1984) de John Milius et Invasion USA (1985) de Joseph Zito avec Chuck Norris racontent l’invasion des États-Unis par les communistes, et Rocky Balboa affronte un boxeur soviétique impitoyable dans Rocky IV (1985) : « L’anticommunisme diffusé à des degrés divers par le cinéma a permis d’assurer une double forme de cohésion : un consensus par la peur assorti d’une réaffirmation de la supériorité du système américain. Tous les films qui évoquent le communisme sont en fait le lieu d’un affrontement idéologique implicite à deux termes : le cauchemar soviétique, opposé au Rêve américain. »²⁰

On peut analyser le fait qu’il y ait un « avant » et un « après » Rocky III, l’œil du tigre²¹ (1982). Sylvester Stallone lui-même reconnaît qu’il a un peu perdu le contact avec la réalité et ses valeurs. Le succès a influencé négativement la carrière de l’acteur. Il a d’ailleurs exprimé ce sentiment, avec son alter ego fictif Rocky Balboa, dans Rocky III avec le montage parallèle et les split-screen entre la déchéance par l’argent et le succès de Rocky Balboa d’un côté et l’entraînement en solitaire du boxeur Clubber Lang de l’autre²² : « Dans ce film [Rocky III], le personnage ne pense plus qu’à son image : les bagnoles, l’argent, la pub… Il a perdu “l’œil du tigre”. C’est exactement ce qui m’est arrivé. Le succès, dans ce métier, est encore plus addictif que l’héroïne ».²³ Le film Rocky III marque une première étape dans la filmographie de l’acteur-réalisateur. Ce film, dont Sylvester Stallone supervise le montage par téléphone pendant le tournage du premier Rambo, annonce la fin des chroniques sociales pessimistes comme F.I.S.T. ou encore La Taverne de l’enfer. Le comédien italo-américain va penser en premier lieu au succès commercial de ses films en laissant un peu de côté le message humaniste de ses premiers scripts.²⁴

Durant la décennie des années quatre-vingt, Hollywood produit quantité de films dans lesquels l’action devient le principal moteur narratif, un cinéma fait de longs-métrages dans des genres très différents : action (les sagas Rambo avec Sylvester Stallone ou L’Arme fatale avec Mel Gibson, Piège de cristal avec Bruce Willis…), policier (Police fédérale, Los Angeles de William Friedkin, The King of New York d’Abel Ferrara, Le Retour de l’inspecteur Harry de Clint Eastwood…), science-fiction (Terminator de James Cameron, Predator de John McTiernan, Robocop de Paul Verhoeven, Invasion Los Angeles de John Carpenter…), aventure (À la poursuite d’Octobre rouge de John McTiernan, Conan le barbare de John Milius). Ce cinéma est fortement marqué par la présidence de Ronald Reagan et son idéologie, au point que l’expression de « films reaganiens » fut inventée pour qualifier les œuvres de cette période. Dans les années quatre-vingt, le cinéma américain rompt avec les différentes orientations qu’il tendait à prendre jusqu’à la fin des années soixante-dix, c’est-à-dire un cinéma d’auteur aux préoccupations historiques, sociales et politiques, suite aux troubles de la guerre du Vietnam et aux mouvements contestataires (avec le succès de cinéastes comme Francis Ford Coppola, Martin Scorsese, Brian De Palma ou Michael Cimino). Les films américains des années soixante-dix pointent du doigt les erreurs du système et révèlent les multiples crises américaines : échec des guerres à l’extérieur, inégalités sociales, corruption du politique… Ces films des années soixante-dix, marqués par le thème de l’échec, mettent en avant la figure de « l’antihéros » (souvent incarné par des acteurs comme Dustin Hoffman ou Al Pacino). Ce dernier laisse sa place, dans le cinéma des années quatre-vingt, au héros bodybuildé (Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger ou Dolph Lundgren). Longtemps déconsidéré par la critique française qui en stigmatisait la dimension propagandiste, le cinéma hollywoodien des années Reagan a pourtant suscité de part et d’autre de l’Atlantique l’engouement du public.

Ronald Reagan est élu en novembre 1980 face au démocrate (et président sortant) Jimmy Carter, considéré comme un président « mou » et indécis, surtout à cause de l’échec en Iran de la libération des otages à l’ambassade des États-Unis en 1979. Avec Reagan, les Américains retrouvent un président qui désire le retour en force de l’Amérique : « Le succès du personnage [Reagan] est dû à une réelle chaleur humaine, à un sourire fréquent, à un langage simple et direct et à l’expression “spontanée” de ses sentiments, voire à l’autodérision. De surcroît, Reagan s’en tient à des idées simples avec l’apparence de la cohérence et de la détermination. Les Américains se retrouvent dans l’amour conjugal affiché et la glorification des valeurs familiales – bien que le président soit divorcé et peu attentif à ses enfants, comme dans quelques symboles de l’américanisme : méfiance envers l’État, force de caractère. Enfin, le succès de l’ancien acteur indique la symbiose entre la société et le cinéma ».²⁵ Durant sa campagne électorale, l’ancien acteur de série B Ronald Reagan, avec son slogan « America is back ! », joue sur l’image mythique du cow-boy et affirme son désir de « viriliser l’Amérique » à nouveau. Ainsi, le héros reaganien, héritier de John Wayne, doit être l’incarnation du « rêve américain ». C’est aussi ce qu’on appelle un self-made-man²⁶, c’est-à-dire que son courage et son travail doivent lui permettre de venir à bout de toutes les difficultés, et même de prendre une éventuelle revanche sur la vie. Ce héros doit également être invulnérable et, pour transmettre efficacement l’idéologie reaganienne, affronter de véritables méchants dans une lutte symbolique entre le Bien et le Mal. Il garde cependant sa part d’humanité sans laquelle le principe d’identification ne fonctionnerait pas. Finalement on retrouve, chez le héros cinématographique des années quatre-vingt, les deux grandes caractéristiques du président Reagan : c’est un vainqueur, celui qui réussit avec sa seule volonté (socialement...