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Panorama de l’Impressionnisme en France

Le mouvement impressionniste est devenu un phénomène culturel mondial. Personne aujourd’hui, cultivé, amateur d’art ou même indifférent, n’ignore les plus célèbres des œuvres impressionnistes. L’impressionnisme est une nouvelle manière de peindre, liée à une nouvelle manière de voir la nature ; il marque la naissance d’un art subjectif qui a ouvert la voie aux bouleversements du XXe siècle, la vision en plein air sans cesse renouvelée par les variations des reflets et de la lumière, l’impression fugitive en tant que thème à représenter. L’impressionnisme a marqué la rupture avec l’académisme ambiant par le libre choix des sujets, l’empathie avec les mouvements sociaux et libératoires des peuples d’Europe, l’intérêt pour le progrès industriel et l’évolution des modes de vie, la mise en œuvre des nouvelles découvertes dans le domaine de la science des couleurs.

Les prémices de l’impressionnisme en forêt de Fontainebleau et en Normandie

A Paris, l’Exposition Universelle de 1867 avait marqué l’apogée du Second Empire et la République était définitivement installée. L’Exposition Universelle de 1889, commémorant la Révolution française, triomphait avec la construction de la tour Eiffel, symbole de l’alliance de l’art et de l’industrie. Or, c’est justement entre ces deux dates  que s’épanouit  l’impressionnisme. En réaction à la dictature artistique exercée par le président de l’école des Beaux-Arts, Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867), qui prônait un rigoureux classicisme inspiré de l’histoire et de la mythologie antiques, Gustave Courbet (1819-1877) se voulut réaliste et joua un rôle essentiel pour les impressionnistes, comme Camille Corot (1796-1875)  qui affirmait « ne jamais perdre la première impression qui nous a émus ».

A partir de 1857 Charles-François Daubigny (1817-1878) décida d’œuvrer depuis son bateau-atelier ; Claude Monet (1840-1926), Gustave Caillebotte (1848-1894), Paul Signac (1863-1935) le suivirent dans cette initiative originale. En 1866, Sisley (1839-1899) et Renoir (1841-1919) louèrent, chacun, un bateau pour peindre les rives de la Seine et accompagnèrent souvent leurs amis dans leurs embarcations respectives. De la même façon, le bord de mer normand avec Trouville, Deauville et Honfleur attirèrent Daubigny, Corot, Courbet, Boudin (1824-1898) qui encouragea Monet dans sa vocation, qu'il rencontra Havre où ils peignirent ensemble ainsi qu’à Sainte-Adresse. De 1864 à 1866, Berthe Morisot passa trois étés à Houlgate et à Fécamp tandis que Degas peignait à Villers-sur-Mer. Avec Jongkind (1819-1891), Bazille (1841-1870) et Sisley, ils constituèrent, à Honfleur, le cercle de Saint-Siméon, du nom de l’auberge située sur les hauteurs de la chapelle Notre-Dame-de-Grâce dominant l’estuaire de la Seine, où Boudin, Troyen, Cals et beaucoup d’autres les rejoignaient. Monet y vint dès 1858, suivi de Bazille en 1864 et de Pissarro en 1903. Le Cercle de Saint-Siméon fut le berceau de l’école nouvelle qui se réunit à Paris autour d’artistes se formant dans deux ateliers libres : l’académie Suisse où Cézanne (1839-1906), Guillaumin (1841-1927) et Pissarro (1830-1903), le défenseur le plus inconditionnel de l’impressionnisme, se rencontrèrent et l’atelier Gleyre où Monet, Sisley, Bazille et Renoir s’instruisaient dans le même temps. Ce second groupe, étroitement uni, alla peindre dans la forêt de Fontainebleau, devenue un laboratoire pour la représentation de la nature, une nature sans emphase et éphémère. La première génération de paysagistes – Théodore Rousseau (1812-1867), Jean-François Millet (1814-1875), Gustave Courbet, Jean-Baptiste Corot… – les y rencontrèrent car depuis les années 1846-1849, ces peintres, épris de plein air et d’indépendance, avaient créé l’Ecole de Barbizon, hameau  à l’orée de la forêt de Fontainebleau, qui attirait aussi de nombreux artistes étrangers. Ils habitaient à Chailly-en-Bière, village dont dépendait alors ce lieu, ou dans sa proximité : à Bourron-Marlotte, Samois-sur-Seine, Maincy... Le généreux Gustave Caillebotte réalisa de nombreux paysages dans sa propriété familiale à Yerres. En aval de la célèbre forêt, Alfred Sisley peignit pendant vingt ans à Moret-sur-Loing où il décéda tandis que le village de Grez-sur-Loing accueillait trois cents artistes étrangers dont ceux de l’école de Glasgow, des Américains comme John Singer Sargent, des Canadiens, des Scandinaves et même des Japonais. Auguste Renoir vint souvent peindre à Essoyes, en Champagne, d'où était originaire sa femme, Aline Charigot et où se trouve leur dernière demeure.

Les impressionnistes à Paris et en périphérie ouest

Puis la vallée de la Seine devint le centre attractif majeur. Un nouveau groupe de  peintres, dont Bazille, Cézanne, Manet (1832-1883), Monet, Pissarro et Renoir prit l’habitude de se retrouver à Paris avec leurs amis écrivains soit chez Stéphane Mallarmé le mardi, soit avec Emile Zola au café Guerbois dans le quartier des Batignolles où certains de ces artistes, exaltés par l’alcool et le verbe, refaisaient le monde en s’opposant à la société formaliste du Second Empire. A Montmartre, autre village rattaché à Paris en 1860, le bal du Moulin de la Galette, sur la colline, attira tous les peintres impressionnistes et le Moulin Rouge, dans le bas-Montmartre, inspira particulièrement Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901).

Au Salon officiel de 1863 près de 3 000 des 5 000 œuvres présentées furent refusées. Tous les exclus, parmi lesquels Cézanne, Courbet, Guillaumin, Jongkind, Pissarro, Whistler (1834-1903), entre autres, créèrent le Salon des refusés qui s’installa dans le Palais de l’Industrie, construit pour l’Exposition de 1855, sur les Champs-Elysées le 13 mai 1863, grâce à la complaisance de Napoléon III. Puis les épisodes douloureux du siège de la capitale et de l’insurrection de la Commune obligèrent ces artistes à se séparer. Bazille fut tué dès le début de la guerre franco-prussienne de 1870 ; Sisley, Monet et Pissarro se réfugièrent à Londres où ils firent la connaissance de Paul Durand-Ruel qui devint leur collectionneur et qui, vingt-trois ans plus tard, fit connaître leurs œuvres aux Etats-Unis.

Le retour à Paris  de  ces artistes marque la naissance de l’impressionnisme pour lequel la capitale française fut un sujet inépuisable d’inspiration avec la colline de Montmartre, la Seine, ses quais et ses ponts,  les monuments comme Notre-Dame, la Tour Eiffel, la gare Saint-Lazare… Les premières boucles du fleuve à l’ouest furent illustrées, en particulier les sites d'Issy, Meudon, Sèvres, Saint-Cloud, Suresnes, Neuilly-sur-Seine, Levallois et l’Ile de la Grande Jatte, Courbevoie, Asnières, Gennevilliers, Argenteuil où Monet vécut sept années, y réalisant 250 toiles et recevant ses camarades pour peindre à leurs côtés : Manet, Renoir et Caillebotte, artiste fortuné qui aida ses amis et légua à l’Etat soixante-sept de leurs œuvres dont seulement trente-huit furent acceptées ! Monet vécut ensuite à Vétheuil où son épouse, Camille, décéda et à Poissy-sur-Seine dont il peignit les célèbres Tilleuls.

Bougival, relié à Paris par le train en 1837, fut également un lieu de prédilection où ils se retrouvaient comme à Louveciennes, Marly-le-Roi et Port-Marly, commune chère à Sisley. Renoir réalisa plus de trente toiles près de Croissy-sur-Seine, dans l’île de Chatou, « un paradis pour les pêcheurs et les canotiers » ! Pissarro résida à Pontoise, alors petite ville de cultivateurs qui lui offrait les thèmes correspondant à ses idées. Plusieurs peintres y travaillèrent avec lui dont Guillaumin, employé à la Compagnie des Chemins de Fer de Paris à Orléans la nuit pour pouvoir peindre le jour ! Il y accueillit également Cézanne qui s’installa à Auvers-sur-Oise où Van Gogh vint le retrouver et s’y donna la mort en 1890. A Osny s’illustrèrent notamment Cézanne, Gauguin et Pissarro. Gauguin (1848-1903) fréquenta également Pontoise en 1879-1881 où il rejoignit son ami Pissarro avant de partir, en 1886, à Pont-Aven en Bretagne pour peindre dans le style nabi. En 1892 Renoir vint passer l’été avec sa famille en Bretagne, à Pornic dont il représenta la plage du château et réalisa la célèbre Voile Blanche.

Les Académies et les Colonies d’Artistes, lieux de rencontres et d’échanges

La dimension européenne de l’impressionnisme trouva pleinement son expression dans les prestigieuses académies de formation parisiennes, véritables pépinières du paysagisme européen et mondial.

L’Académie des Beaux-Arts de Paris possédait, certes, plusieurs atouts pour attirer les talents du monde entier, mais elle souffrait de deux handicaps majeurs : un examen de langue française était exigé à l’entrée et, surtout, elle fut interdite aux femmes jusqu’en 1896 !

Cela explique l’extraordinaire succès des Académies privées installées à Paris qui, depuis le début du XIXe siècle jusqu’en 1920, virent défiler les artistes de plus d’une cinquantaine de pays, dont plus de trente européens.

L’Académie Suisse-Cabressol avait été créée en 1815 par le Genevois Martin-François Suisse. A partir de 1844, elle fut dirigée par un autre citoyen helvétique, Charles Gleyre et devint le pôle du groupe des Batignolles, qui fonda, le 17 janvier 1874, la Société Anonyme Coopérative d’Artistes-Peintres, Sculpteurs, Graveurs et Lithographes et organisa sa première exposition le 15 Avril de la même année. Elle constituait, bien évidemment, l’alternative à l’école officielle des Beaux-Arts, jugée trop conservatrice. En 1870, sa direction fut reprise par Filippo Colarossi qui poursuivit un enseignement très ouvert aux étrangers jusqu’en 1920, dispensé rue de la Grande Chaumière à Montparnasse.

L’Académie Julian, elle aussi universellement réputée, fut fondée en 1866 par le Français Rodolphe Julian (1839-1907). Elle accompagna parfaitement la période d’effervescence des arts qui caractérise la fin du XIXe siècle et le début du XXe, et proposa jusqu’à six ateliers à Paris dans les années 1900. Elle forma des centaines de paysagistes européens et américains, contribuant ainsi de façon concrète à promouvoir l’impressionnisme très au-delà des frontières françaises.

Parallèlement à ces lieux de formation, l’ambiance de l’époque se révélait très favorable à la création et au développement de colonies d’Artistes qui, à l’image et sur le modèle de la célèbre Ecole de Barbizon, sont apparues partout en France et en Europe.

Dès le début du XIXe siècle en Allemagne, en Hongrie, en Pologne, en Russie, en Suède, aux Pays-Bas, en Belgique et en France, des colonies d’artistes rassemblaient des peintres, bien sûr, mais aussi des écrivains, des poètes, des musiciens qui avaient pour objectif de mettre en valeur et faire vivre leur art en se regroupant dans certains lieux : Schwaan, Ahrenshoop, Worspede en Allemagne, Domburg, Katwijk, Edam-Volendam aux Pays-Bas, Nida en Lituanie, Önningeby en Suède, Szentendre en Hongrie, Kazimierz-Dolny en Pologne, Tervuren et Sint-Martens Latem en Belgique… Beaucoup de ces colonies sont toujours actives de nos jours, elles sont regroupées au sein de l’Association euroArt, partenaire européenne d’Impressionisms Routes.

En France, la voie fut ouverte par la création de la colonie de Barbizon. Précédés dans les années 1920 par Camille Corot et Paul Huet, Théodore Rousseau et Jean-François Millet s’installèrent, dès 1847-1849, à Barbizon. Narcisse Diaz de la Peña y travaillait depuis 1840. Le site réunissait alors tous les atouts : facilement accessible depuis Paris par le train, la forêt de Fontainebleau ne demande qu’à servir de cadre à l’éclosion de la peinture paysagiste grandement facilitée par l’invention récente des tubes de couleurs, la modicité du coût de la vie faisant paradoxalement la fortune de l’auberge Ganne. L’attrait de Barbizon s’étendit bientôt au monde entier : on y rencontrait des Américains comme William Hunt et Georges Inness, des Belges commme Xavier et César de Cock, des Allemands dont Ludwig Knauss, des Roumains comme Nicolae Grigorescu, des Hongrois comme Mihaly Munkascy… Monet, Renoir, Sisley séjournèrent ensuite à Barbizon ; le site demeurait alors synonyme de douceur de vivre dans des paysages idylliques.

A l’exemple de Barbizon, de nombreuses colonies devinrent des creusets de coopération internationale, prétexte de formation ou source d’enrichissement artistique, durant cette deuxième moitié du XIXe siècle : Grez-sur-Loing, non loin de Barbizon et de la forêt de Fontainebleau accueillit des artistes de diverses nationalités. Le célèbre slogan « Venez à Grez, Venez à Grez » résonna dans toute l’Europe. La colonie anglo-saxonne fut attirée notamment par l’aventurier écrivain Robert-Louis Stevenson et les frères Goncourt, les impressionnistes de l’Ecole de Glasgow séjournèrent de longs mois, les Américains, dont John Singer Sargent y prirent leurs quartiers, les Canadiens et les Japonais fréquentèrent la célèbre auberge Chevillon, la colonie scandinave enfin y trouva matière à sa pleine expression artistique sous la conduite de Carl Nordström et de Carl Larsson.

Le site de Cernay-la-ville se trouve à une quarantaine de kilomètres au sud-ouest de Paris, non loin de Rambouillet, dans la vallée de Chevreuse. Dès le début du XIXe siècle, cette vallée accueillit des peintres et des aquarellistes à la recherche de la nature et de paysages ruraux et forestiers. Théodore Rousseau, Charles Lambinet et Paul Huet ont parcouru cette région, munis de leurs carnets de croquis. A partir de 1854, puis de 1867 avec l’arrivée du train, d’abord à Orsay puis à Limours et à Boullay-les-Troux, Cernay devient une étape incontournable du monde artistique : Antoine Chintreuil, Jean-Baptiste Corot, Henri Harpignies, notamment, fréquentent le site.

En 1871, Léon-Germain Pelouse s’installe à Cernay-la Ville et crée un foyer artistique extrêmement actif rassemblant des Français, bien sûr, mais également de nombreux peintres étrangers tels que la norvégienne Kitty Lange Kielland, l’Américain Julian Alden Weir,  le Canadien Aaron Allen Edson et le Danois Peder Severin Krǿyer qui réalise le célèbre Déjeuner des artistes à Cernay-la-Ville, une toile qui permet de découvrir les visages et l’ambiance exceptionnelle qui régnait alors dans la colonie. Tous ces artistes partagent le même attrait pour le vagabondage dans les autres colonies riveraines de la forêt de Fontainebleau : Barbizon, Grez-sur-Loing, Bourron-Marlotte ; on les retrouve même en Bretagne (Pont-Aven) ou en Normandie (Honfleur).

A la fin du siècle, des artistes à la facture plus claire et lumineuse prennent possession des lieux tels le Belge Charles-Ferdinand Sermain dit Céramano ou Albert Rigolot, mais surtout de nombreux Américains comme Théodore Robinson ou William Henry Howe. La colonie de Cernay-la-Ville, à la longévité exceptionnelle, reste l’une des plus actives et des plus créatives de l’univers paysagiste.

Les peintres russes furent particulièrement attirés par la côte Normande tout au long de la deuxième moitié du XIXe siècle. La tradition voulait alors que les lauréats de l’Académie Impériale des Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg obtiennent une bourse leur permettant de travailler cinq années de perfectionnement à l’étranger. La Normandie devint pour ces artistes une véritable école de plein air et de paysages, leur style s’approchant beaucoup de celui des Impressionnistes. Veules-les-Roses, alors Veules-en-Caux, fut l’un des pôles les plus célèbres mais de nombreux sites tels que Etretat, Dieppe, Trouville, Yport inspirèrent les peintres russes et notamment Alexis Bogolioubov, Vassili Polenoff ou Ilya Efimovitch Repine.

C’est l’Américain Henry Bacon qui découvrit Pont-Aven en 1864. Les Académies parisiennes ferment durant l’été, il faut se ressourcer dans des sites naturels attractifs, Pont-Aven répond parfaitement à à ce critère. Bacon s’y installe et y invite ses amis dont Robert Wylie et Charles Way. A la belle saison les artistes arrivent d’Angleterre ou des pays nordiques. La deuxième génération, plus impressionniste, découvrit Pont-Aven lorsque Paul Gauguin, alors élève de Camille Pissarro, y rencontra Emile Bernard et fonda avec lui le synthétisme, caractérisé par les aplats de couleurs vives et la suppression des détails.

Giverny, « La Mecque de l’Impressionnisme » fut sans doute la plus célèbre des colonies d’artistes : dès 1883, Claude Monet s’y était installé dans une maison qu’il acquit plus tard et aménagea son jardin composé de fleurs et de son célèbre pont japonais. Au même moment, des milliers d’étudiants américains investissaient Paris et ses écoles d’art à la recherche d’un enseignement moins académique que celui qu’on leur proposait dans leur pays.

Giverny et la présence de Monet allait fournir à ces jeunes artistes l’opportunité de travailler les possibilités esthétiques de l’Impressionnisme dans une ambiance émulatrice. En 1887 un petit groupe américain parmi lesquels Willard Metcalf, Theodore Wendel, Louis Ritter et John Leslie Breck découvrent Giverny et y accueillent bientôt leurs amis sous l’œil bienveillant, au début, de Claude Monet. La colonie, importante,vécut ses expérimentations artistiques jusqu’à la Première Guerre mondiale. D’autres peintres étrangers dont Mihaly Radimsky, Tchécoslovaque né en Autriche-Hongrie, fréquentèrent la colonie de Giverny, tandis que la liaison avec Claude Monet était assurée par l’Impressionniste américain Theodore Earl Butler qui épousa successivement les deux belles-filles de Claude Monet.

La Normandie, haut lieu du mouvement impressionniste

La Normandie fut un haut lieu de l’impressionnisme français depuis Giverny, où Monet s’installa alors qu’il avait atteint une réputation internationale, jusqu’à l’estuaire de la Seine à Honfleur et les rives de la Manche avec Trouville et Deauville. Rouen connut un très grand succès dès les années 1820 avec les pré-impressionnistes : Bonington (1802-1828) de nationalité anglaise, le hollandais Jongkind, le normand Eugène Boudin ; puis avec les impressionnistes : Gauguin, Guillaumin, Pissarro, Renoir, Sisley et Monet, qui eut l’idée des « séries » en peignant sa cathédrale à différentes heures de la journée. Signac, qui vécut en 1886 aux Andelys, près de Rouen, aima peindre également dans le Cotentin à Barfleur. Il attira Seurat à Port-en-Bessin pour mettre en valeur le Néo-Impressionnisme appelé aussi Pointillisme, crée par Georges Seurat dans l’Ile de la Grande Jatte tout près de la capitale. La Côte d’Albâtre, de Dieppe à Etretat, après avoir inspiré Delacroix et Courbet, fut mise en valeur par de nombreux artistes dont Boudin, Jongkind, Monet, Pissarro, Degas, Gauguin, Guillaumin, Renoir et Berthe Morisot. De nombreux peintres russes se plurent à Veules-les Roses, près d’Etretat.

Le port du Havre et ses alentours dont Sainte-Adresse se développèrent considérablement à partir du Second Empire. Le site joua un rôle important dans l’histoire de l’Impressionnisme car Eugène Boudin et Claude Monet s’y rencontrèrent et le tableau fondateur Impression, Soleil Levant y fut réalisé en 1874 !

Paris, 1874, les Impressionnistes exposent pour la première fois…

En 1874 tous ces artistes, majoritairement refusés par le Salon officiel, s’étaient constitués en société coopérative qui organisa une exposition dans les ateliers du photographe Nadar en plein centre de Paris, Boulevard des Capucines. La bande y montra cent soixante-cinq tableaux dont quatre Boudin, dix Degas (1834-1917), qui soutint toujours très fermement le groupe, trois Cézanne, trois Guillaumin, cinq Monet, cinq Pissarro, six Renoir, cinq Sisley, neuf Berthe Morisot (1841-1895) l’élève de Manet qui, lui, avait refusé de participer, craignant de ne plus avoir le droit de présenter ses toiles au Salon officiel ! L’inauguration eut lieu le 15 avril ; dix jours après l’ouverture Louis Leroy, journaliste au Charivari, donna pour titre à son article très agressif « Exposition des Impressionnistes » se référant au tableau de Monet Impression, soleil levant. C’est ainsi qu’ils furent baptisés comme l’expliqua Emile Zola dans la revue Le Sémaphore : « Impressionnistes on les a nommés pour plaisanter, impressionnistes ils sont restés par crânerie [...] Peinture d’impression et non de détail. »

Ainsi ces novateurs avaient trouvé un qualificatif qu’ils gardèrent et qui est resté mondialement illustre. Les découvertes de Chevreul leur avaient fait comprendre la complémentarité des couleurs et la décomposition de la lumière. A l’exemple de Monet qui l’avait complètement banni, le noir, qui est l’absence de couleur, fut souvent rejeté comme l’indiquait Renoir : « Nous voulions dans nos tableaux des accords gais, de la vie sans littérature. Un matin, l’un de nous, manquant de noir, utilisa du bleu. L’impressionnisme était né… »

En appliquant les couleurs en petites touches, ils réussirent à adoucir les contours des formes pour les fondre dans les paysages. Par la multitude et les contrastes de ces touches ils parvinrent à suggérer les vibrations et les modifications de la lumière et de l’eau. Un autre de leurs thèmes de prédilection fut le monde dans lequel ils vivaient, glorifiant les nouveaux acquis industriels : les gares, les ponts, les larges avenues haussmanniennes ou le travail des plus simples comme Les Raboteurs de parquet magnifiés par Caillebotte. Par ailleurs, depuis les années 1860, peintres et écrivains s’intéressaient au japonisme pour qualifier l’art des estampes que l’Europe découvrait.

La Dispersion et l’ouverture vers de nouveaux horizons

A Paris, la dernière et huitième exposition publique impressionniste  eut lieu en 1886. Entre temps, en 1883, à Bruxelles fut créée la Société des XX qui invita Monet, Renoir et Pissarro. Trois ans plus tard cette même société présenta les œuvres de Seurat et Signac qui illustraient le néo-impressionnisme, appelé aussi pointillisme, formule nouvelle de l’impressionnisme dans laquelle les artistes juxtaposent des petits points de couleurs différentes, au lieu de larges touches. A Paris, le 15 mai 1884, l’exposition des Artistes Indépendants, qui avaient pris un des premiers surnoms des impressionnistes, s’était déroulée dans un baraquement du jardin des Tuileries, présentant des tableaux de facture très disparate. Guillaumin et Seurat y avaient participé. Le mois suivant, cette Société, fondée par ces artistes, décidait la suppression des jurys afin que les tableaux puissent être présentés enfin librement au public.

Après la dernière exposition impressionniste de 1886, les fondateurs du groupe se dispersèrent définitivement, chacun d’entre eux se retirant plus ou moins loin de Paris : Monet à Giverny, Sisley à Moret-sur-Loing, Pissarro à Eragny-sur-Epte, Cézanne à Aix-en-Provence, Renoir à Cagnes-sur-Mer où il travailla avec des pinceaux attachés à son poignet, souffrant de rhumatismes articulaires qui lui déformaient les mains. Désormais, leur originalité était pleinement acceptée et Monet avait acquis une réputation internationale symbolisée par la célèbre commande de Georges Clemenceau : Les Nymphéas, œuvre pour laquelle, à Paris, une salle de l’Orangerie des Tuileries a été spécialement aménagée à partir de 1922.

Le sud de la France, nouvel eldorado impressionniste

La Méditerranée fut, de tout temps, un lieu d’inspiration privilégié pour les artistes. Le premier peintre à la découvrir au XIXe siècle fut Gustave Courbet (1819-1877), « le maître d’Ornans », qui, en 1854, réalisa des toiles à Palavas, Montpellier et Sète. Précédemment, Félix Ziem (1821-1911) avait représenté Le Pont de Trinquetaille à Arles où Vincent van Gogh, en 1888, vint assouvir ses besoins de lumière ; ce dernier y peignit plus de 200 toiles en 15 mois ! Paul Cézanne (1839-1906) immortalisa la montagne Sainte-Victoire, l’Estaque et la ville d’Aix-en-Provence. Frédéric Bazille (1841-1870), né à Montpellier, participa à l’atelier Gleyre à Paris où il se lia d’amitié avec Renoir, Sisley, Cézanne, Guillaumin, Pissarro et Monet qu’il accompagna à Honfleur.

La Côte d’Azur, que les artistes pouvaient atteindre depuis le milieu du XIXe siècle par le chemin de fer, fut une source d’inspiration sans égale pour les impressionnistes ; Monet et Renoir s’y étaient rendus en 1883. A partir de 1892 Boudin vint passer tous les hivers à Juan-les-Pins, à Villefranche- sur-Mer et à Antibes où Monet était venu peindre quatre ans plus tôt. Plusieurs néo-impressionnistes s’établirent dans le Midi : Henri-Edmond Cross (1856-1910) s’installa près du Lavandou, à Saint-Clair où mourut Théodore Van Rysselberghe (1862-1926) qui y avait élu domicile en 1907. Paul Signac (1863-1935) acquit la villa La Hune à Saint-Tropez en 1897 ; en 1899 Louis Valtat (1869-1952) fit construire le Roucas Rou à Anthéor. Dix ans plus tard Pierre-Auguste Renoir fit agrandir sa propriété Les Collettes, située près de Cagnes, au milieu d’un champ d’oliviers centenaires qu’il sauvegarda ; il se rendit souvent à Nice où Berthe Morisot était venu passer l’hiver 1881-1882 en famille. En 1926, Pierre Bonnard (1867-1947), très influencé par l’impressionnisme, acheta la villa Le Bosquet au Cannet.

Plusieurs artistes séjournèrent chez leurs collègues pour peindre avec eux : Gauguin chez Van Gogh à Arles, Renoir et Monet chez Cézanne à l’Estaque (Marseille) ; Maurice Denis (1870-1943), Louis Valtat et le peintre hongrois Rippl-Ronaï (1861-1927) vinrent à La Métairie de Maillol (1861-1944), située à 4 km de Banyuls… Les visites entre les artistes ne cessèrent pas sur les bords de la Méditerranée depuis la fin du XIXe siècle jusqu’au milieu du XXe car, non seulement ils ne se faisaient pas concurrence, mais s’entraidaient, se prodiguaient des conseils et s’aventuraient ensemble dans des expériences osées.

Il convient enfin de mentionner que, dans la même période et au centre de la France, dans le Val de Creuse, Guillaumin loua une maison à Crozant, près de Fresselines, où Monet s’était rendu en 1888.

Ainsi, à la suite des innovations picturales réalisées par Vincent van Gogh et Paul Cézanne, de nouvelles formes d’expression artistique étaient apparues et s’étaient développées sur les bords de la Méditerranée : le fauvisme avec André Derain, Henri Matisse et Maurice de Vlaminck ; le cubisme et l’abstraction avec Georges Braque ; Fernand Léger et Pablo Picasso ; le surréalisme avec Salvador Dali et Max Ernst…

La Méditerranée s’associa aux régions normande et parisienne pour la plus grande gloire de l’Impressionnisme.

Love Story Eau et Lumiere

Dès la seconde moitié du XIXe siècle, l’impressionnisme est devenu un phénomène mondial préludant à ce que nous désignons de nos jours sous le vocable général de globalisation… Eléments  importants  de l’imaginaire collectif, personne aujourd’hui, cultivé, amateur d’art ou même indifférent, n’ignore les plus célèbres des acteurs et des œuvres impressionnistes ! Les preuves de cet attrait universel sont évidentes à commencer par l’affluence que l’on peut constater à chacune des expositions organisées dans les pays européens, américains ou asiatiques !

Faut-t-il rappeler les caractéristiques fondamentales du mouvement impressionniste qui a éclairé la fin du XIXe siècle et le début du XXe ?... La rupture avec l’académisme ambiant et le carcan du passé par le libre choix des thèmes, le parti-pris de représenter la réalité réjouissante de la nature et des loisirs, l’empathie avec les mouvements sociaux et libératoires des peuples d’Europe, l’intérêt pour le progrès industriel, la mise en œuvre des nouvelles découvertes dans le domaine de la science des couleurs…

Une Philosophie du changement, un mouvement atypique et révolutionnaire…

L’impressionnisme, c’est avant tout une nouvelle manière de peindre liée à une nouvelle manière de voir, la naissance de l’art subjectif qui ouvrit la voie aux bouleversements stylistiques du XXe siècle, la vision en plein air sans cesse renouvelée par les variations de la lumière, l’impression fugitive en tant que véritable sujet à peindre. L’artiste voit désormais la nature suivre le cours du temps, c’est la véritable innovation de l’impressionnisme. Il s’intéresse aux évolutions incessantes de cette nature selon l’éclairage, la saison, l’heure… La touche du peintre devient plus libre, plus expressive que descriptive. Le contour des choses est estompé, tout ce qui définit et immobilise est effacé.

On comprend mieux ainsi pourquoi l’impressionnisme porte son attention sur les éléments fluides de la nature : l’air, l’eau, les ciels, la neige, les rivières et la mer, l’atmosphère… Il s’intéresse aux reflets de l’eau, aux jeux de lumière, à la vibration des couleurs, à tout ce qui participe à un monde de sensations et d’émotions. La peinture de plein air est prétexte à faire de l’eau un sujet d’expérimentation, à magnifier la nature sous toutes ses formes, adieu les sujets religieux, historiques, littéraires ou mythologiques !

Les Reflets ou l’Impressionnisme à la surface de l’eau…

L’histoire d’amour a commencé avec des vaguelettes dispersant un reflet rougeâtre dans l’avant-port du Havre un matin de 1872 : Impression Soleil Levant fit, à l’époque, bien d’autres vagues au sein du monde des amateurs d’art !

Courbet avait représenté la réalité sans idéalisation, Corot avait déjà fait souffler quelques frissons à la surface de l’eau, Monet reprit inlassablement ce thème du reflet depuis ses débuts jusqu’à ses œuvres ultimes pour conclure magnifiquement avec les Nymphéas.

Les reflets changeant de l’eau des rivières ou en mer deviennent pour Caillebotte, Renoir, Whistler, Cézanne et surtout Signac une réalité incertaine et indéchiffrable qu’ils s’attachent à reproduire ou à suggérer de façon pérenne. Ce thème les fascine, il est pour eux le révélateur de la beauté profonde.

L’eau devient à la fois un sujet et une source d’expérimentation visuelle, l’intérêt des maîtres de l’impressionnisme ne se pose plus uniquement sur le paysage dans son ensemble mais sur l’élément « eau » et sur ses possibilités de rendre les effets atmosphériques, les jeux de lumière, le miroir du soleil… C’est l’eau, nouvel espace de liberté, qui permit aux impressionnistes de faire souffler une brise de modernité dans leurs œuvres.

L’intérêt qu’ont manifesté les impressionnistes, et notamment Claude Monet, pour les estampes japonaises n’est pas étranger à cette omniprésence de l’eau dans leur œuvres. La grande vague de Kanagawa réalisé par Katsushika Hokusai en 1831 représentait déjà l’image d’un monde « éphémère et flottant » et la volonté de saisir la nature en mouvement !

Plus largement, ce sont les plaisirs de l’eau qui vont symboliser la transformation de la société de la fin du XIXe siècle. De la côte normande aux rives de la Seine, de la Grenouillère à l’Ile de la Grande Jatte, de Chatou à Argenteuil, de Croissy-sur-Seine à Bougival, la représentation de la vie sur ces nouveaux lieux balnéaires et leurs variations atmosphériques témoigne mieux que tout récit des joies de vivre simples d’une époque enjouée.

La musique n’échappe pas à l’ambiance créatrice diffusée par le mouvement impressionniste : l’esprit d’intolérance envers l’art académique et la tentative de rechercher de nouvelles formes d’expression plus proches de la réalité et de la vie se retrouvent en musique dans les œuvres de Frédéric Délius, d’Alexandre Scriabine, de Maurice Ravel mais surtout de Claude Debussy, le plus proche de la sensibilité impressionniste. Dans Prélude à l’après midi d’un faune, comme dans son opéra Pélléas et Mélisande, les notes résonnent de nuances délicates et de touches impressionnistes.

Se rapprocher de l’eau devient même une obsession…

Suivant les traces de William Turner et de Charles-François Daubigny, très entreprenants en la matière, Claude Monet se fit construire un bateau-atelier qui lui permit de percevoir la nature dans tous ses bruits et ses parfums, dans toutes ses nuances de lumière. Ce bateau inspira Edouard Manet. Gustave Caillebotte, lui-même architecte naval, consacra une part importante de sa vie à concevoir des bateaux et à participer à des courses de voiliers, illustrant cette grande bourgeoisie qui partait alors à l’assaut des jeux de l’eau. Paul Signac peignit tous les ports de France et traversa le pays avant de s’installer à Saint-Tropez. Il fut si émerveillé par la lumière méditerranéenne qu’il invita tous ses amis à venir la partager ! John Singer Sargent montra deux belles endormies encadrées par les joncs et les branches d’un saule… On s’habillait alors avec autant de soin pour aller à la campagne que pour sortir en ville ! Renoir maîtrisa de façon inimitable les rides de l’eau dans La Yole en donnant à son bateau, qui semble vouloir sortir du cadre, une extraordinaire sensation de mouvement !

La mer elle-même n’est pas absente. Si les impressionnistes sont plutôt des « peintres d’eau douce » à l’aise sur les rivières, il leur arrive de scruter des vues marines à l’instar du maître et précurseur Eugène Boudin ou de Barthold Jongkind et Claude Monet sur les plages normandes… Cézanne lui-même avec ses magnifiques panoramas marseillais ainsi que Gauguin, durant ses longs séjours en Polynésie, confirmèrent cet attrait pour la mer ou les océans.

A l’instar de l’eau, la neige permet également aux impressionnistes de révéler les couleurs sous l’effet de la lumière. Pour ces artistes, peindre la neige, qui est une absence (ou un trop plein !) de couleurs, est un défi intriguant et excitant. Monet peint La Pie en 1868, bien avant la première exposition impressionniste de 1874, et de multiples toiles enneigées au cours de l’hiver 1879-1880, particulièrement froid, durant lequel la neige et l’eau glacée sont au centre de son travail sur la modification des formes et des couleurs. Il confirme son attrait pour la neige lors de son séjour en Norvège durant l’hiver 1895. La neige prend diverses teintes chez Pissarro, Jongkind, Renoir, Caillebotte et même chez Van Gogh.

Les hivers passés par Alfred Sisley à Louveciennes, à Marly-le-Roi ou encore à Veneux-Nadon, près de Moret-sur-Loing, lui inspirent de nombreux paysages enneigés. D’origine britannique, le peintre avait eu l’opportunité d’admirer les œuvres de Bonington, Constable et Turner. Sa sensibilité s’exprime pleinement dans ces paysages raffinés et délicats où la couleur joue en de discrètes harmonies.

La Fugacité de la Lumière et l’approche scientifique des couleurs…

L’impressionnisme entend développer des techniques utilisant la couleur pour créer des effets visuels. Le monde est en constante activité chromatique : le jeu perpétuel des couleurs est sa principale activité. L’impressionnisme confère à la lumière le pouvoir absolu afin de lui permettre d’éclairer la fugacité de toute chose. « On a d’abord peint ce que l’on savait, puis ce que l’on voyait… On peint désormais ce que l’on ressent » !

Rien n’aurait été possible sans les progrès de la science et des techniques. Ces derniers résultent des travaux scientifiques du chimiste français Eugène Chevreul (1786-1889) sur la complémentarité des couleurs et son usage rationnel, publiés en 1828 et 1839.

Les nouvelles techniques permirent dès le milieu du XIXe siècle de produire des pigments adaptés à la mise en pratique des théories de Chevreul. Le conditionnement en tubes légers et transportables facilita grandement l’essor de la peinture en plein air.  La confluence entre la pensée scientifique et les innovations dans la fabrication des pigments permit l’éclosion de l’impressionnisme.

Les couleurs ne sont pas la propriété des choses, il n’y a pas de « ton inné », toute couleur appelle sa complémentaire, le noir n’existe pas… Ainsi s’explique le célèbre mot de Pierre-Auguste Renoir : « Un jour, l’un d’entre nous manquait de noir, se servit du bleu, l’impressionnisme était né ». Pour les impressionnistes, en effet, les couleurs agissent les unes sur les autres en fonction du temps qui passe. La lumière elle-même n’est pas obligatoirement naturelle : elle peut provenir d’une bougie, de l’éclairage urbain, le gaz fait scintiller le bal nocturne du Moulin de la Galette à Montmartre, le soleil éclaire une partie de canotage à Argenteuil, à Chatou ou une régate à Bougival…

Les paysages urbains ne sont pas oubliés. Les toiles veulent exprimer l’admiration des impressionnistes pour « Paris, Ville Lumière », modernisée sous le Second Empire par Napoléon III et le Baron Haussmann, où régnaient, pour certains, faste et prospérité. Le monde contemporain en pleine mutation industrielle séduit : Claude Monet peint la gare Saint-Lazare, cathédrale des temps modernes, qui suscite notre admiration devant la marquise géante filtrant la lumière se reflétant dans les nuages de fumées bleues au-dessus des locomotives.

Plus encore, la captation des instants de lumière fugitive caressant un sujet fut au cœur des extraordinaires « séries » de Monet : la cathédrale de Rouen qui, en son temps, avait déjà séduit William Turner, les meules près de Giverny, les peupliers ou encore les célèbres nymphéas. « Quand on veut être exact, on éprouve des déceptions en travaillant. Il faut savoir saisir le moment du paysage à l’instant juste, car ce moment-là ne reviendra jamais et on se demande toujours si l’impression qu’on a reçue a été la vraie » écrivait Monet.

L’ouverture sur l’art Moderne…

L’impressionnisme marque la fin d’un monde et le début d’un autre. Il est la forme ultime de l’amour du réel ! Pendant des siècles, la nature avait été si naturelle aux hommes qu’ils n’éprouvèrent pas le besoin de la représenter. En abandonnant l’architecture classique qui conférait une importance capitale aux choses, l’artiste préfère se vouer à la lumière, à son impalpable et toute puissante présence. C’est ainsi que l’impressionnisme fut l’école du plein air, mais aussi l’école de l’eau, du fluide et du vibrant, de la lumière.

Dès leurs débuts, à Barbizon ou à Honfleur, avec Daubigny, Jongkind et Boudin, puis à Paris à l’académie Suisse, chez Gleyre ou aux cafés Guerbois et la nouvelle Athènes, les jeunes novateurs, sous la houlette de Degas, puis de Manet et sous l’influence marquante de Turner, signèrent toutes les audaces.

L’impressionnisme a allumé l’ultime flambée de la joie de vivre, exaltée par son accord avec la nature… Georges Seurat et Paul Signac, inventeurs du pointillisme ou néo-impressionnisme, vont théoriser la science des couleurs ; l’arrivée de Paul Cézanne, imprégné de la vieille terre de Provence, donna une importance aux plans qui dégagent l’essentiel de la forme tout en conservant la poursuite de la lumière par la couleur.

Les conditions étaient réunies pour favoriser l’éclosion d’un état d’esprit nouveau qui engendra des audaces encore plus provocantes. Il n’était désormais plus question de revenir en arrière. Les styles modernistes se succédèrent alors, nourris par une aspiration à défier, innover et inspirer : les futurs maîtres de l’art moderne, fauves ou cubistes, de Matisse à Picasso, de Derain à Braque étaient en embuscade. Les mouvements plus ou moins révolutionnaires prirent la relève : symbolisme, expressionnisme, art abstrait, surréalisme, pop art… L’impressionnisme avait ouvert la voie !

L’Impressionnisme musical

« Comme de longs échos qui de loin se confondent [...]

Les parfums, les couleurs et les sons se répondent ».

Charles Baudelaire, Correspondances

S’il n’y a pas, au sens propre, d’école musicale impressionniste pouvant être définie comme telle dans cette période 1860-1920, il est néanmoins évident que de nombreuses compositions musicales apparaissent comme une résonance de la révolution picturale impressionniste. Le principe d’une convergence des arts se vérifie amplement tout au long de cette période. Maintes œuvres musicales, par la magie miroitante de leurs effets, nous renvoient aux chefs-d’œuvre de Manet, Renoir, Monet, Sisley, Morisot ou Pissarro : Debussy, bien sûr, mais aussi Chabrier, Ravel, Fauré, Roussel, de Falla, Satie et même Liszt, pionnier du genre.

Les relations entre l’impressionnisme pictural et la musique se présentent sous un double aspect. D’une part, celui des recherches auxquelles procèdent certains musiciens pour aboutir à des effets d’harmonie avec des timbres purs et, d’autre part, celui des liens d’amitié qui unissent des peintres et des compositeurs de cette seconde moitié du XIXe siècle qui se rencontrent notamment au Chat Noir à Montmartre…

Une convergence des Arts plus qu’un véritable mouvement…

Aborder le thème de l’impressionnisme en musique exige la plus grande prudence… toute analogie avec l’art pictural et tout parallèle entre musique et peinture requiert une part d’arbitraire et de subjectivité. Camille Corot disait « Soumettons-nous à l’impression primaire ». L’impressionnisme musical est, en effet, davantage une attitude créatrice qu’un style parfaitement définissable.

Le mouvement impressionniste est né dans la deuxième moitié du XIXe siècle de l’association de quelques artistes qui prônaient la rupture avec l’académisme ambiant, les lieux de représentation classiques et la hiérarchie des genres, une opposition au systématisme des thèmes traditionnels, le refus des traditions culturelles et religieuses, la nécessité de créer un art original et personnel. Il se caractérise par une forte tendance à représenter des impressions fugitives ou la mobilité des phénomènes climatiques plutôt que l’aspect stable et conceptuel des choses. L’impressionnisme est une extraordinaire histoire d’amour entre l’eau et la couleur, l’affirmation d’un courant esthétique qui exerça une grande influence sur les arts de l’époque, la peinture bien entendu, mais également la musique, la littérature et jusqu’à la mode vestimentaire. Travaillant non plus à l’atelier mais « sur le motif » (grâce notamment à l’invention du tube de couleur), les impressionnistes entendent traduire le caractère éphémère et fugace de leur sujet ainsi que les subtiles variations engendrées par les changements de luminosité de l’atmosphère « Il faut capter la lumière et la jeter directement sur la toile » écrivait Claude Monet.

Monet s’efforce d’y parvenir en juxtaposant des petites touches de couleurs pures sur sa toile, créant ainsi une sensation d’espace transparent et mouvant où la forme se dilue… Les Nymphéas seront à la limite de l’abstraction. De son coté, Claude Debussy enchaîne par petites touches également de courts motifs qui sont constamment variés par des harmonies riches et des nuances infinies : ses compositions sont caractérisées par la mobilité et l’imprévisibilité du discours musical. « De même que les peintres recherchent les tons purs, les musiciens évitent le chromatisme dissolvant pour régénérer le diatonisme des vieux modes ». Le parallèle se poursuit dans le domaine des timbres instrumentaux qui se veulent purs de toute doublure : « La joie d’une flûte ou d’une clarinette solo rejoint celle d’une tache de rouge ou de bleu pur ».

La réticence de Debussy à être répertorié comme impressionniste est parfaitement compréhensible dans l’esprit de l’époque tant le qualificatif fut, au départ, péjoratif. Les critiques d’art et le public tournaient en dérision une avant-garde picturale qu’ils ne comprenaient pas ! Les choses ont heureusement bien changées ! Il n’en reste pas moins que c’est toujours aux œuvres de Debussy que l’on pense lorsque l’on cherche à accompagner l’univers visuel du maître des impressionnistes ! Il est probable qu’ils ne se sont jamais rencontrés mais ils se sont nourris aux mêmes sources : les émotions éprouvées devant le spectacle changeant de la nature : « Voir le jour se lever est plus utile que d’entendre la Symphonie Pastorale », écrivait Claude Debussy. « Je n’ai que le mérite d’avoir peint directement, devant la nature, en cherchant à rendre mes impressions devant les effets les plus fugitifs, entre l’effusion offerte de la nature » soulignait Claude Monet.

Les déclinaisons musicales Impressionnistes…

La musique est un art du temps, impalpable et insaisissable. Même si le terme d’impressionnisme musical fut et reste un objet de controverses, on retrouve dans de nombreuses compositions des inspirations proches de l’impressionnisme pictural : la référence à la nature, notamment à l’eau, comme source de sensations souvent affichée dans les titres, la recherche de correspondance entre l’ouïe et les autres sens évoquant des « couleurs musicales » à l’origine d’une écriture qui vise à l’harmonie par petites touches indépendantes à la manière « pointilliste » de Seurat ou de Signac…

On pourrait tenter de caractériser l’impressionnisme musical par trois composantes identifiables :

La référence à la nature et à la réalité comme sources de « modèles » et de sensations que l’on va s’efforcer de retranscrire et d’exprimer musicalement. Cette référence est affichée dans les titres : Jardins sous la pluie, Reflets dans l’eau, Nuages, Printemps de Claude Debussy, Oiseaux tristes ou Une barque sur l’Océan de Maurice Ravel, Baigneuses au Soleil ou En Languedoc de Joseph-Marie Déodat de Séverac.

La recherche de correspondances sensorielles entre l’ouïe et la vue, voire l’odorat comme dans les parfums de la nuit, deuxième partie du triptyque Iberia de Debussy.

L’écriture musicale nuancée et diffuse, aux contours estompés souvent fondée sur un certain « poudroiement », une division de la substance musicale que l’on peut rapprocher de la technique par petites touches propres à Monet ou à Seurat. Dans cette écriture musicale pointilliste, le rythme et la mélodie sont souples et fluides, l’harmonie posée par touches d’accords indépendants, mis côte à côte comme des couleurs, des effets de lumière variable appuyés par l’utilisation de changements subtils d’orchestration.

Des limites dans le temps et dans l’espace…

Dans la mesure où l’impressionnisme pictural se développe initialement surtout en France – même si ses origines puisent profondément chez Turner, Whistler, Bonington, Jongkind ou Constable –, il est logique de constater qu’il en est de même pour l’impressionnisme musical.

Au premier chef, Emmanuel Chabrier (1841-1914), qui fut l’ami des impressionnistes dont il collectionnait les toiles et qui, par son sens de la lumière et de la couleur, se montre proche de leur idéal esthétique : « Je préfère avoir dix couleurs sur ma palette et broyer tous les tons […] Un peu de rouge, nom de Dieu ! » écrivait-il. On retrouve la tendresse charnelle de Renoir dans Ydille, l’éclat de Manet dans Le Roi malgré lui, l’équivalent sonore des frémissements de Sisley dans Sous-Bois, qui évoque une balade insouciante dans la nature, proche des représentations impressionnistes.

Sa première œuvre importante, Impromptu, fut dédiée en 1873 à Edouard Manet et à son épouse, belle-sœur de Berthe Morisot. Plusieurs peintres l’ont représenté dans leurs tableaux : Degas dans la loge d’avant-scène de son Orchestre de l’Opéra, Fantin-Latour le montre jouant du piano dans Autour du piano, Manet dans un pastel ; il rencontra Cézanne, Villiers de l’Isle-Adam, Verlaine… Il fréquenta l’atelier de Renoir, rue Saint-Georges à Paris où il habita à partir de son mariage en 1873, près de l’atelier de Monet qui le représenta dans son Bal masqué à l’Opéra. Il collectionna toute sa vie les œuvres impressionnistes : à sa mort, on découvrit chez lui 38 tableaux dont 6 Manet, 6 Monet, 4 Renoir, 3 Sisley et 1 Cézanne !

Il définit ses buts musicaux par des métaphores empruntées aux peintres impressionnistes sur la variation des couleurs. Debussy et Ravel ont largement puisé dans son œuvre beaucoup d’innovations harmoniques et rythmiques.

Claude Debussy (1862-1918), farouche individualiste et grand intuitif, ne rejoignit aucune école de pensée mais il sut mieux que quiconque assimiler avec aisance tout ce qui pouvait, dans les courants littéraires ou artistiques, s’accorder avec son idéal musical. Il fréquenta les musées, les expositions et, comme les impressionnistes, fut influencé par William Turner et les arts chinois et japonais. Debussy demandait à la musique de reproduire ce qu’il chérissait à la fois dans la poésie symboliste et dans la peinture impressionniste. Il ne cessa jamais de revendiquer la priorité de la mélodie dans l’invention musicale. La rigueur de sa construction musicale laisse place à une grande hardiesse dans l’harmonie et l’orchestration, son célèbre poème symphonique La mer cerne les formes insaisissables de la mobilité marine, tout un art fluide et ondoyant…

On admet généralement que l’impressionnisme musical apparut en 1894 avec son poème symphonique Prélude à l’après-midi d’un faune et connut, à partir des années 1890, une extension rapide avec les compositions emblématiques de Debussy, de Ravel ou encore du compositeur normand Martial Caillebotte, frère du peintre Gustave.

De nos jours, Léonard Bernstein a choisi La Mer pour montrer comment le compositeur a évoqué les bruits des vagues affirmant que « la musique est une merveilleuse pièce de peinture avec le pouce » et que la musique impressionniste est une peinture pour les oreilles, non pour les yeux. La partition a été initialement éditée avec une représentation de la célèbre Vague d’Hokusai. Les Impressionnistes ont souvent représenté Claude Debussy dans leurs tableaux comme, par exemple, Edgar Degas dans « L'Orchestre peint en 1868.

De même que les peintres, les compositeurs impressionnistes proposent une musique vive et instantanée selon l’affirmation célèbre de Debussy à ses collègues musiciens : « Voir le jour se lever est plus utile que d’entendre la Symphonie Pastorale ». Le pianiste Alfred Cortot ne déclarait-t-il pas que « Debussy avait un don parfait de fixer par les sons les impressions visuelles » ? Les organisateurs de la première exposition de La Libre Esthétique à Bruxelles en 1894 invitèrent Claude Debussy à faire entendre Roses lyriques et La Demoiselle élue dans les salles où étaient exposées des toiles de Gauguin, Pissarro, Renoir, Sisley…

En 1891, le peintre anglais James-Abott Whistler trouva dans les Nocturnes de Debussy une véritable résonance entre musique et peinture révélant « le flottement des nuages et l’ivresse d’une fête ». Trois ans plus tard, après avoir assisté à la première représentation de Prélude à l’après-midi d’un faune, qui illustre musicalement un poème de Stéphane Mallarmé, l’écrivain Jean-Emile Blanche garda le souvenir « d’un paysage d’Ile-de-France de Claude Monet ». En 1913, Vassily Kandinski écrivait dans Du spirituel dans l’Art : « On a souvent rapproché Debussy des peintres impressionnistes ».

Maurice Ravel (1875-1937) affiche un respect intransigeant à l’égard des normes académiques de ses maîtres et s’efforce toujours de justifier ses audaces. Son œuvre est le fruit d’une recherche obstinée de perfection et d’un héritage complexe s’étendant de Rameau aux pionniers du Jazz. Debussy comptait dans son estime même si les deux compositeurs ne se fréquentèrent pas. Sa forte personnalité musicale s’affirma dès 1901 avec Les Jeux d’eau pour piano, pièce d’inspiration lisztienne qui, la première, lui valut l’étiquette de musicien impressionniste, qu’il ne revendiquait pas davantage que Debussy ! Son goût pour les sonorités hispaniques et orientales, pour l’exotisme et le fantastique, son penchant pour le raffinement mélodique et le perfectionnisme lui permirent d’échapper le plus souvent à la tentation impressionniste, sauf peut-être dans Les Miroirs, La Rapsodie Espagnole et bien sûr, Daphnis et Chloé dont le Lever du jour est un véritable et incontestable chef d’œuvre impressionniste !

Son orchestration magistrale des célèbres Tableaux d’une exposition de Modeste Moussorgski fait partie, avec le non moins célèbre Boléro, des œuvres françaises les plus jouées à l’étranger.

Albert Roussel (1869-1937) a cherché, notamment au début de sa carrière, à exprimer des émotions qui sont celles d’un impressionniste. Sous l’influence de Debussy, dans Le Festin de l’Araignée, il combine à merveille les différents timbres usant de sonorités transparentes. Pleine de sortilèges, sa musique est un clin d’œil à l’impressionnisme.

Dans les créations du grand romantique Hector Berlioz, on trouve quelques touches orchestrales impressionnistes en particulier dans La Symphonie fantastique.

Mais l’impressionnisme musical s’est également manifesté ailleurs qu’en France. En Russie, Les tableaux d’une exposition de Moussorgski ou Les steppes de l’Asie centrale de Borodine dont les Nocturnes avaient profondément marqué le jeune Debussy, de même que les créations du Norvégien Edward Grieg. Cet engouement stylistique gagna également l’Angleterre avec Frederik Delius et Franck Bridge, l’Allemagne avec Frank Schreker, l’Italie, la Pologne, la Norvège avec Alf Hurun, Paulin Hall, Bjarne Brustad, les Etats-Unis avec Charles Grieffes et le Japon avec Yoritsune Matsudaira… Ensuite, durant le premier quart du XXe siècle, rares sont les compositeurs qui ont échappé à l’esthétique impressionniste… qu’il s’agisse d’Isaac Albeniz, de Manuel de Falla, de Leoš Janáček, de Jean Sibelius ou encore d’Heitor Villa-Lobos.

De nombreux tableaux illustrent l’infinité des relations tissées entre musiciens et peintres tels La Musique aux Tuileries de Manet (1862), Le Café-Concert de Renoir (1876), La Mandoline de Berthe Morisot (1889) ou Mademoiselle Gachet au piano de Van Gogh (1890). Parler d’impressionnisme en matière musicale relève plus d’une orientation esthétique ou d’une attitude créatrice que d’un style nettement définissable.

Réflexions…

A la lecture de cette synthèse, on le voit, aucun doute n’est permis : la convergence des arts s’exprima pleinement dans ces années 1860-1914. Elle fut patente en France, elle sévit aussi fortement dans l’espace européen. L’environnement politique, les nouvelles aspirations identitaires des peuples avaient créé des conditions favorables à des évolutions rapides et profondes. A l’heure où l’impressionnisme remet en cause les certitudes et les conventions, à l’heure où Bizet et Chabrier, après Berlioz, introduisent vie, verdeur, lumière et rythme dans leurs compositions, les critiques et le public, en général, cherchent de nouveaux repères et contestent tout ce qui bouleverse ce que l’on croyait acquis.

On pourrait considérer comme abusive la démarche qui consiste à qualifier d’impressionnistes tant de compositeurs différents mais on peut aussi accepter de « jouer le jeu » en appliquant le concept à toute œuvre inspirée par une évocation poétique de la nature. En effet, pour traduire ses sensations, le compositeur a été souvent amené à les retranscrire sous la forme d’une mosaïque d’impressions et à briser la ligne traditionnelle du discours musical… en parfait accord avec ce qu’ont fait les peintres impressionnistes.

Ce concept d’impressionnisme musical est-il légitime ? Une réflexion approfondie montre qu’il relève surtout d’une approche sensorielle et subjective et qu’il est difficile de le fonder sur des bases rationnelles. Alors pourquoi ne pas se retrouver dans l’attitude esthétique de Charles Baudelaire qui permet à « l’oreille qui écoute et à l’œil qui contemple de se rencontrer dans une Impression commune » ?

Chronologie du Mouvement Impressionniste

Dès le début de la seconde moitié du XIXe siècle plusieurs artistes commencent à se regrouper en forêt de Fontainebleau, à Honfleur ou en Provence, admiratifs de l’art de Camile Corot (1796-1875), pionnier de la peinture paysagiste en plein air et adepte d’une représentation réaliste et lumineuse de la nature… Ils placent leurs chevalets sur les traces de leurs aînés, les précurseurs anglais tels que John Constable, Richard Parkes Bonington et surtout William Turner, qui avaient recherché des voies nouvelles d’expression dès le début du siècle. Le mouvement atteignit sa maturité dans les années 1860 à 1880 avec l’organisation de sa première exposition à Paris en 1874, suivie de sept autres jusqu’en 1886. Il se prolongea au-delà de l’avènement du XXe siècle, grâce notamment à Claude Monet, Armand Guillaumin, Mary Cassatt et aux pointillistes comme Georges Seurat et Paul Signac, annonçant les prémices de l’art moderne.

L'impressionnisme de 1820 à 1930

 1820-1822. Camille Corot et Paul Huet explorent la forêt de Fontainebleau à la recherche de nouveaux paysages.

 1824. Nicéphore Niepce découvre l’héliographe, premier procédé photographique de l’histoire. Plus tard, en 1839, Louis Daguerre présenta le Daguerréotype à l’Académie des Sciences de Paris. John Constable peint La Plage de Brighton. Son approche de la nature et ses ciels annoncent l’impressionnisme.