Résumé

À l’ère du tout numérique, une nouvelle génération de photographes découvre ou redécouvre les plaisirs de la pellicule. Photographe passionné, Chris Gatcum propose dans cet ouvrage un guide d’introduction aux grands principes de la photo argentique. Après avoir présenté le fonctionnement d’un film et rappelé les critères pour choisir le boîtier idéal, il explore les techniques indispensables pour maîtriser l’art de l’argentique – comment trouver l’exposition correcte sans écran de contrôle, comment utiliser le flash sans le système TTL, comment exploiter au mieux les filtres – puis nous plonge dans l’univers passionant des sténopés pour finir par un tour d’horizon des possibilités créatives qu’offre le développement, en couleurs comme en noir et blanc.

Au fil de l’ouvrage, des acteurs majeurs de la photographie argentique partagent leur savoir-faire et leurs images spectaculaires à travers d’inspirants portraits.

Biographie auteur

CHRIS GATCUM a toujours été fasciné par l’aspect tactile qu’offre la pellicule photo. Outre l’arsenal numérique inévitable, son sac photo déborde de boîtiers rétro en tout genre, depuis d’antiques appareils type box aux reflex bi-objectifs des années 1960, de la chambre 4 × 5 pouces grand format aux reflex 35 mm ultra perfectionnés. Contributeur régulier pour le magazine Black + White Photography et auteur de nombreux ouvrages dédiés à la photographie, Chris Gatcum travaille actuellement à modifier un vieux Speed Graphic pour l’utiliser avec du négatif papier.

www.editions-eyrolles.com

Cette photo a été réalisée sur film Polaroid ultra-sensible 3 000 ISO Type 667 (chargé dans une chambre 4 × 5 pouces). Ce film était périmé depuis longtemps lorsque je l’ai utilisé, ce qui a produit ce superbe effet de bordure et de coulures irrégulières – unique en son genre – en bas de la photo.

MANUEL DE

PHOTO

ARGENTIQUE

—

CHRIS
GATCUM

—

ÉDITIONS EYROLLES

61, bd Saint-Germain

75240 Paris Cedex 05

www.editions-eyrolles.com

This translation of Mastering Film Photography – The Definitive Guide for Photographers (ISBN: 978-1-78145-351-3) is published by arrangement with Ammonite Press, an imprint of GMC Publications Ltd.

Traduction autorisée de l’ouvrage en langue anglaise intitulé Mastering Film Photography – The Definitive Guide for Photographers de Chris Gatcum (ISBN : 978-1-78145-351-3), publié par GMC Publication Ltd sous la marque Ammonite Press.

Texte et images © Chris Gatcum, à l’exception des images suivantes* :
p. 11, p. 31, p. 32, p. 35HG/G, p. 36, p. 38D/BD, p. 41HG/BD#G, p. 42, p. 48HG/D, p. 49H/BG, p. 52B, p. 116HC/HD Shutterstock.com ; p. 15H Sandy Phimester ; p. 15BC, p. 18GC, p. 20BG, p. 150BC CineStell ; p. 18BG Japan Camera Hunter ; p. 19BG, p. 150BD Fotoimpex ; p. 19BC Ilford Harman ; p. 20HC Dubblefilm ; p. 20C, p. 20BC Adam Scott ; p. 22HD, p. 46BC Fujifilm, p. 22BD Kodak Alaris, p. 28-29 Andrea and Francesco Padovani ; p. 36BG, p. 81B, p. 100BG, p. 162 BC Nikon, p. 38HD, p. 50H Leica ; p. 56-57 William Jones ; p. 78HC/BC, p. 106BG, p. 115HD Sekonic ; p. 78BD Jarrod Whaley/Makers4Good ; p. 84-85 Paul Thompson ; p. 90-91 Wendy Laurel ; p. 95BG Manuel Oberhofer/Metz ; p. 131HG/G Zernike Au/Zero Image ; p. 142-143 Matt Pringle ; p. 162BG Epson ; p. 168-169 Elizabeth Opalenik

*T = en haut, B = en bas, G = à gauche, C = au centre, D = à droite

Adapté de l’anglais par Dominique Dudouble.

Attention : la version originale de cet ebook est en couleur, lire ce livre numérique sur un support de lecture noir et blanc peut en réduire la pertinence et la compréhension.

En application de la loi du 11 mars 1957, il est interdit de reproduire intégralement ou...

Introduction

J’adore la pellicule. J’adore son aspect, son toucher, et j’adore même son parfum. Rien de très surprenant, puisque lorsque je me suis lancé dans la photo il y a bientôt trente ans, celle-ci n’avait pour seul support que le film. À mesure que je découvrais l’exposition, la couleur, la mise au point et la composition, le film est devenu non seulement mon compagnon et mon maître, mais aussi mon plus grand critique : quelle claque en effet quand, après avoir payé pour un rouleau de film et son développement, on s’aperçoit que la pellicule a été mal chargée et que l’on a pris 36 photos dans le vide…

Quelques années après mon diplôme des Beaux-Arts, je rédigeais des bancs d’essai de boîtiers numériques pour un magazine photo, mais alors même que...

Chapitre 1

Le film

L’une des décisions les plus importantes à prendre réside dans le choix du film que vous allez utiliser. À la différence d’une image numérique, que l’on peut facilement corriger, manipuler et déformer au point d’en faire quelque chose de très différent de l’objet ou de la scène d’origine, une image argentique ne se prête pas à tant de modifications. Bien entendu, vous pouvez modifier le développement pour changer le contraste d’un film noir et blanc, modifier les couleurs au tirage d’un négatif couleur, ou même numériser vos clichés pour les ouvrir dans un logiciel de retouche d’images, néanmoins, en général, votre capacité à apporter des corrections globales ou localisées à une photo argentique est beaucoup plus limitée. Il est donc non seulement essentiel d’obtenir la meilleure image possible à la prise de vue – exposition, mise au point, etc. – mais il faut impérativement commencer par choisir le « bon » film.

À la différence d’une image numérique, une photo réalisée sur un film est tangible : vous pouvez la tenir entre vos doigts. Cependant, cette caractéristique la rend également sensible aux poussières et aux rayures, aussi faut-il la manipuler avec précaution, et seulement lorsque c’est absolument indispensable.

Comment fonctionne une émulsion ?

Un film se compose de deux éléments essentiels : une émulsion sensible à la lumière couchée sur un support. Si aux débuts de la photographie l’émulsion était coulée sur des plaques de verre, à la fin des années 1800, George Eastman parvint à couler une émulsion sur un support de papier souple, donnant ainsi naissance à l’ancêtre du film tel que nous le connaissons aujourd’hui. Quelques années plus tard, il fut remplacé par un support en nitrocellulose (hautement inflammable) puis par des supports en acétate de cellulose (safety film, peu inflammable). Les émulsions actuelles se présentent généralement sur un support de triacétate de cellulose ou de polyester.

Ce support souple donne un matériau flexible, mais c’est bien l’émulsion sensible à la lumière qui crée les photos. Cette émulsion à base de gélatine contient des cristaux microscopiques d’halogénures d’argent qui forment, une fois exposés à la lumière, une image latente ensuite révélée par un développement chimique.

Si tous les films comportent ces deux éléments, toutes les émulsions ne sont pas identiques. Les cristaux d’halogénures peuvent être couplés à divers sensibilisateurs pour leur conférer une sensibilité à des longueurs d’onde différentes, afin de créer des types de films qui réagiront autrement, comme du film panchromatique noir et blanc ou du négatif couleur. Des couches qui ne forment pas d’image peuvent aussi être ajoutées pour filtrer la lumière, modifier le développement de chacune des couches sensibles, ou bien simplement protéger le film. On peut également faire varier la sensibilité du film à la lumière en jouant sur la taille des cristaux d’halogénures : plus ils sont gros, plus l’émulsion est sensible à la lumière. Ainsi, même si un support et une émulsion suffisent à fabriquer un film, on arrive à un nombre infini de variantes, que nous allons découvrir.

Voici l’une de mes toutes premières photos, prise il y a une trentaine d’années. Non seulement le film avec lequel elle a été prise (Ilford HP5 Plus) est resté pour l’essentiel identique à ce qu’il était à l’époque, mais, si l’on excepte quelques poussières, le négatif est toujours en parfait état. En comparaison, j’ai des photos numériques prises au format Raw il y a juste 10 ou 15 ans auxquelles je ne peux plus accéder parce que la technologie les a rendues obsolètes. Les pixels sont généralement reconnus comme le visage de la photographie moderne, toutefois...

Portrait : Andrea et Francesco Padovani

Biographie

Andrea et Francesco Padovani sont des graphistes italiens qui partagent leur passion pour la photo. En 2016, ils ont lancé le projet #DolomitesinInfrared afin de porter un nouveau regard sur des lieux familiers. Ils s’étaient fixés comme objectif de produire quelques belles photos et d’apprendre à mieux connaître le film qu’ils utilisaient. Ils ont été tellement impressionnés par le résultat qu’ils ont décidé de le publier en ligne.

instagram.com/fra_padovani
instagram.com/therealasderty

Quel film utilisez-vous pour obtenir les couleurs des paysages de #DolomitesinInfrared ?

Nous utilisons le film Infrachrome 35 mm de FPP (Film Photography Project). C’est un film infrarouge pour diapositives couleur pratiquement identique au Kodak Aerochrome. Nous avons découvert le film infrarouge il n’y a pas si longtemps, et, en voyant toutes ces fantastiques photos réalisées par de grands photographes, le film infrarouge s’est imposé à nous comme une évidence pour sortir des sentiers battus. Nous avons également découvert que ce film était difficile à trouver ; on a donc voulu l’essayer avant que ce soit trop tard !

Peut-on se procurer facilement ce film ?

Quand nous avons décidé de faire des expériences avec ce film, on le trouvait seulement sur la boutique en ligne du Film Photography Project. C’était en 2016 ; aujourd’hui il semble que cette émulsion ne soit plus fabriquée, donc, si quelqu’un veut se lancer dans la photographie infrarouge couleur, il lui faudra sans doute acheter des films périmés sur eBay ou sur un site du même genre. Heureusement, il nous en reste encore quelques rouleaux au réfrigérateur.

Quel appareil utilisez-vous ?

Il faut éviter les boîtiers à armement motorisé, car ils comportent de minuscules LED à infrarouge qui peuvent provoquer des fuites de lumière qui viendront voiler vos clichés. Nous utilisons un Canon AE-1 et un Olympus OM2n, équipés chacun d’un 50 mm pour conserver une certaine unité dans nos prises de vues.

Utilisez-vous des filtres ?

Avec un film infrarouge, on est obligés de recourir à des filtres. Nous avons commencé par faire des essais avec des filtres jaune et orange et nous avons préféré le rendu chromatique du filtre orange, que nous utilisons presque tout le temps.

Comment déterminez-vous vos expositions ?

Ce n’est pas facile parce qu’il faut estimer le niveau de lumière infrarouge arrivant dans l’objectif plutôt que la lumière visible. Nous avons commencé par noter les paramètres de chacune de nos photos, puis nous avons joué sur certains réglages pour comprendre ce qui marchait et ce qui ne marchait pas. Nous ne sommes pas devenus des experts du domaine, mais les choses sont devenues beaucoup plus faciles.

Où faites-vous développer vos films ? Faut-il un développement différent ?

Le film subit un développement E6 standard, mais comme le recommande FPP, nous envoyons nos films à l’équipe de The Darkroom en Californie, qui sait précisément comment traiter les films infrarouges. Après avoir récupéré les scans, nous faisons un peu de post-traitement dans Photoshop pour donner une unité d’ensemble.

Quel est le meilleur conseil que vous donneriez à quelqu’un qui veut se lancer dans la photo infrarouge ?

Notez les paramètres pour chaque prise de vue : vitesse, ouverture, si vous avez pris votre mesure sur les hautes lumières ou dans les ombres, le temps et même l’heure. Photographier en infrarouge permet de saisir quelque chose que vous ne pouvez pas voir, ce qui vous oblige à réfléchir davantage au choix du sujet et parfois à travailler au jugé. Cela fait intervenir une certaine dose de hasard, mais pour nous, c’est là que réside une grosse part du plaisir qu’apporte la prise de vue en argentique !

Vue de l’Alpe di Siusi avec le massif du Sciliar à l’arrière-plan. Ce cliché provient de l’un des premiers films d’essai et était très surexposé. Il a fallu un gros travail de post-traitement à l’ordinateur pour le récupérer.

Vue depuis le sommet du Sass Pordoi avec, au premier plan, la Marmolada, point culminant des Dolomites.

Le Sass de Dama, avec les pics de la Marmolada visibles...

Chapitre 2

Boîtiers et objectifs

Les 200 dernières années ont vu apparaître d’innombrables variations sur le simple principe d’une boîte étanche à la lumière. Certains de ces appareils sont devenus obsolètes en raison de la disparition de leur format de film, mais bien d’autres restent utilisables, et c’est là l’une des joies de la photographie argentique : l’offre y est bien plus vaste que dans le domaine numérique. Alors, que vous vous tourniez vers une chambre de voyage grand format en bois et laiton, vers un Leica ou un Hasselblad tout manuel, un reflex 35 mm haut de gamme ou un boîtier de milieu de gamme, un vaste choix s’offre à vous. Ce chapitre présente les différents types d’appareils que vous pouvez encore trouver aujourd’hui.

Le fonctionnement d’un appareil mécanique repose essentiellement sur des axes et des pignons, ce qui signifie que l’on peut démonter et réparer beaucoup d’appareils anciens. Ce n’est pas toujours le cas avec les appareils électroniques ; un problème dans leurs circuits peut vite les réduire à l’état de joli presse-papier…

Les différents types d’appareils

Les compacts

Au sens le plus général, un compact est simplement un appareil de petites dimensions, qui tient dans la poche, doté d’un objectif fixe non interchangeable. Ce terme recouvre une vaste gamme de modèles fabriqués au cours des 50 dernières années, depuis les boîtiers simples, du type « visez-déclenchez », dotés d’un objectif fixe et de seulement quelques vitesses d’obturation, aux modèles haut de gamme, pourvus d’objectifs présentant un excellent « piqué » et offrant des modes d’exposition manuel et semi-automatiques.

Entre ces deux extrêmes, on trouve un vaste choix de boîtiers automatiques en plastique, munis d’objectifs fixes ou de zooms de faible amplitude, couvrant les focales les plus utiles, du modeste grand-angulaire au petit téléobjectif. Si certains de ces appareils étaient bons et d’autres mauvais, la plupart étaient franchement moyens. Néanmoins, ils faisaient ce que tous les non-photographes leur demandaient de faire : fixer en tous lieux les souvenirs du grand public en cette ère prénumérique où le smartphone n’existait pas encore.

BON À SAVOIR

•Les compacts grand public conviennent mieux aux films négatifs qui, grâce à leur plus grande latitude d’exposition, supportent mieux des mesures de lumière imprécises.

•Les compacts haut de gamme comme les Contax T2 et T3, le Minolta TC-1, les Nikon 28Ti et 35Ti ainsi que les Ricoh GR (argentiques, pas numériques), offrent un meilleur contrôle de l’exposition, ce qui permet de les utiliser avec des films pour diapositives.

•Méfiez-vous des compacts qui utilisent des batteries obsolètes, en particulier celles au mercure. On trouve des batteries à l’oxyde d’argent de mêmes dimensions, mais elles risquent de donner des mesures d’exposition erronées. Mieux vaut utiliser un adaptateur de batterie dédié.

Le Smena Symbol, fabriqué en ex-URSS a les faveurs des adeptes de la photographie lo-fi (basse fidélité), qui souhaitent explorer ce domaine sans y mettre un prix élevé. On peut trouver des Symbol d’occasion pour 10 euros.

Le Contax T2, avec son boîtier en titane et l’excellent piqué de son objectif Carl Zeiss, est l’un des rares compacts haut de gamme dont les prestations justifient un prix élevé.

Lors de son lancement en 1966, le Rollei 35 était le plus petit boîtier 35 mm du marché, ce qui le rangeait dans la catégorie des compacts. Son élégance et la grande qualité de son objectif Carl Zeiss le rendent aussi recherché aujourd’hui qu’il l’était à l’époque. Néanmoins, son mode d’exposition entièrement manuel, comme sa mise au point, n’en font pas un appareil avec lequel on puisse simplement « viser-déclencher ».

L’avantage d’un compact, c’est qu’on peut l’emporter n’importe où. Cette photo a été prise avec un Olympus XA1, chargé avec un film pour diapositive pour lumière artificielle qui a subi ensuite un traitement croisé. Ce modèle de XA est équipé d’une cellule au sélénium qui n’a besoin d’aucune pile, ce qui le rend toujours prêt à l’emploi.

Avantages et inconvénients des compacts

+Atout majeur : on l’emporte avec soi n’importe où.

+Une trouvaille aux puces ou dans une brocante et vous accéderez aux plaisirs de l’argentique pour trois fois rien.

+Le vignetage et les bords flous, défauts fréquents avec les zooms des compacts, sont aujourd’hui considérés comme donnant « plein de caractère »…

–Les compacts d’entrée de gamme peuvent donner des résultats décevants.

–Les compacts les plus recherchés sont très onéreux.

–Il et de plus en plus difficile de faire réparer des compacts, même les modèles haut de gamme.

Appareils reflex

On ne présente plus les reflex mono-objectifs : ancêtres directs des reflex numériques d’aujourd’hui, ils ont été durant des dizaines d’années le choix des passionnés de photographie dans le monde entier. Outre sa visée à travers l’objectif, l’attrait d’un reflex tient à la facilité d’utilisation qu’offrent les objectifs interchangeables et à une vaste gamme d’accessoires. Qu’il s’agisse de monter un téléobjectif à grande ouverture et un moteur pour saisir l’action en photo de sport ou en photo animalière, ou d’acheter un petit télé à grande ouverture...

Portrait : William Jones

Biographie

Avec un père peintre amateur, William Jones semblait prédestiné pour les Beaux-Arts. Malgré cela, il a vécu dans un environnement typiquement ouvrier et a travaillé dans l’industrie durant de nombreuses années comme employé d’un laboratoire. Sitôt après avoir fini de rembourser son prêt immobilier, il s’est acheté un « bon » appareil photo ; c’est alors qu’il a adhéré au photo-club local, qui disposait de son propre labo. Dès lors, le labo photo a été au centre de sa pratique photographique.

flickr.com/photos/112011195@N05/

Comment décririez-vous votre travail ?

Je suis membre du club photo de Neath, au Pays de Galles, et les concours qu’ils organisent m’ont incité à photographier une large gamme de sujets, ce qui m’a aidé à développer mon expression photographique. Je dispose d’une merveilleuse diversité de sujets à proximité : la côte, les montagnes, les paysages, l’industrie lourde et la météo galloise à foison ! J’adore toutes ces choses et je photographie également la botanique, ce que je trouve très gratifiant.

Quels appareils utilisez-vous ?

Je travaille avec un Nikon F5, un Bronica ETRS, un Mamiya C330 et une chambre Linhof 4 × 5 pouces, mais les photos présentées ici ont été réalisées avec un Agfa Click ou Agfa Clack. Wim Wenders disait que plus votre matériel est rudimentaire, plus il vous faut être imaginatif ; je pense qu’il a raison. L’Agfa Clack est essentiellement un appareil 6 × 9 cm type box, avec une seule vitesse d’exposition aux environs du 1/30 s et de la pose B, et juste deux ouvertures (f/11 et f/2,5), mais même cet aspect rudimentaire peut être source de créativité.

Averses et rayons de lumière
Film Ilford Pan F exposé à 25 ISO, développé dans du Rodinal (1:50). Tirage sur papier Sterling F développé dans du révélateur lith Fotospeed LD20.

Réalité modifiée
Film Bergger Pancro 400 développé dans du Rodinal (1:50) et tirage sur papier Sterling F développé dans du révélateur lith Fotospeed LD20.

Pourquoi photographier en argentique ?

Le film me permet d’explorer plus de domaines d’expression que la capture numérique, et au labo, je peux faire tout ce que je veux, depuis un tirage standard jusqu’au traitement lith, au mordançage [procédé qui attaque les épreuves au gélatinobromure pour leur donner un aspect dégradé], au tirage par contact à la lumière du soleil, jusqu’à l’effet Sabatier chromoskédasique [sorte de solarisation renforcée par un développement altéré redécouverte dans les années 1990] et encore plein d’autres procédés. Dans chaque cas, par le biais de ces techniques, le film me permet d’imprimer ma marque sur mes images, que je m’approprie ainsi, avec leurs défauts et leurs imperfections, et qui ne sont pas le produit de quelque app numérique conçue par un petit génie.

Quels films utilisez-vous ?

J’utilise une large gamme d’émulsions, dont l’Ilford FP4, la Delta 100 ainsi que la Pan F, la Kodak 400 T-Max et l’Adox CMS – elles ont chacune leur utilité. J’aime bien aussi travailler en infrarouge.

Où et comment faites-vous développer vos films ? Intervenez-vous au niveau du développement ?

Quand j’ai pris ma retraite, j’ai acheté une machine à développer Jobo pour 120 livres sterling, ce qui était incroyablement bon marché par rapport au prix actuel, et je développe moi-même tous mes films. Avec les grands formats (et avec mes huit photos 6 × 9 sur un film 120), je me suis aperçu que je pouvais appliquer certaines bases du Zone System et régler le développement afin d’obtenir le contraste voulu, mais un film 35 mm peut rester des semaines dans l’appareil, c’est donc difficile de lui appliquer un traitement particulier.

Qui réalise vos tirages ? Faites-vous appel à des procédés particuliers ?

Comme pour le développement, je fais tous mes tirages moi-même. Le tirage est le second savoir-faire en argentique et, pour bien des gens, le plus difficile à maîtriser. Il faut y mettre du soin et une attention sans faille – un de mes collègues dit avec humour que le meilleur outil d’apprentissage au labo, c’est la poubelle !

J’ai eu beaucoup de chance en tant que passionné du labo de recevoir des donations en papier ainsi que du matériel, de différentes sources, toutes victimes de la révolution numérique. Faire des tirages liths avec du vieux papier réserve plein de surprises, mais je me demande quel aurait été le résultat si j’avais utilisé ces papiers à l’époque de leur fabrication – bon nombre sont désormais introuvables. On découvre encore des procédés à expérimenter. J’ai récemment découvert un négatif avec lequel je peux développer en partie dans un révélateur normal et en partie dans un révélateur lith. Ça n’était pas facile dans la pénombre du labo d’utiliser deux cuvettes de révélateur, mais c’est passionnant d’essayer quelque chose de nouveau.

Brwynog
Tirage sur papier Agfa Record Rapid développé dans du révélateur lith Fotospeed LD20 puis virage au sélénium.

Matin de mai
Film Ilford Pan F exposé à 25 ISO et développé dans du Rodinal (1 :50). Tirage...

Chapitre 3

L’exposition

L’exposition constitue le fait fondamental de la photographie, que vous preniez des photos sur du film ou sur une carte mémoire. À y regarder de plus près, l’exposition se résume au même concept simple que vous travailliez en argentique ou en numérique : faire en sorte que la bonne quantité de lumière atteigne la surface sensible durant le temps nécessaire pour produire une image. Cependant, c’est l’un des domaines où les deux technologies diffèrent de façon surprenante. Pour déterminer la quantité de lumière nécessaire et la durée de l’exposition – et les moyens de régler ces paramètres –, la photographie argentique requiert en effet une approche sensiblement différente. Et même si vous avez une expérience approfondie de la prise de vue en numérique, il vous faudra éviter de nombreux pièges et relever autant de défis.

L’exposition en photographie argentique n’est pas très différente de l’exposition avec un appareil numérique : simplement, vous n’aurez pas autant de moyens pour vérifier si votre exposition est bonne et il vous faudra donc faire un peu plus confiance à votre savoir-faire et à votre expérience.

Vivre sans histogramme

L’une des grandes différences entre prise de vue en numérique et argentique renvoie au temps – non pas au sens où il vous en faudrait plus ou moins, mais au sens de progrès technologique. Aujourd’hui, même le plus basique des boîtiers numériques dispose de systèmes d’exposition qui surpassent ceux de nombreux appareils argentiques. Leur efficacité est telle que l’on peut leur faire de plus en plus confiance pour prendre des décisions critiques à votre place et donner généralement des résultats parfaits au pixel près. Et même si l’appareil numérique se trompe, il propose un histogramme pour vous aider à remettre les choses en place, des zones clignotent pour indiquer un écrêtage des hautes lumières et, en dernier ressort, l’image affichée confirme que vous avez bien réussi votre photo.

Pour cette photo prise au petit matin, j’ai utilisé un Leica C3, appareil compact entièrement automatique. Je n’avais aucun moyen de savoir si l’appareil avait bien mesuré l’exposition, et je n’en n’étais pas sûr, d’autant que j’utilisais du film pour diapositives. Mais il s’en est plutôt bien sorti.

Les boîtiers argentiques, même les plus perfectionnés, ne disposent pas de ces outils ; la première chose à réaliser en matière d’exposition consiste donc à photographier « en aveugle ». Et vous allez perdre plus que les béquilles numériques : comme la sensibilité ISO est imposée par le film que vous avez chargé, vos options d’exposition se limitent à l’ouverture et à la vitesse d’obturation. Par conséquent, bien souvent, vous serez contraint de travailler à des vitesses beaucoup plus lentes ou à de grandes ouvertures par faible lumière (surtout si vous avez choisi un film peu sensible), ou à l’inverse, de travailler à diaphragme fermé en plein soleil si vous utilisez un film de sensibilité moyenne.

Ces facteurs entraînent d’importantes répercussions sur d’autres aspects de la photographie : si vous êtes obligé de travailler à grande ouverture, vous avez une profondeur de champ (la plage de netteté) réduite ; de ce fait, une mise au point précise devient cruciale. Et si vous être contraints à des vitesses lentes, alors travailler à main levée augmente le risques de flou de bougé. Des objectifs à stabilisation (Canon IS et Nikon VR) peuvent aider (à condition de les utiliser avec des reflex compatibles), mais un pied photo et un déclencheur souple seront beaucoup plus importants en photographie argentique qu’en numérique.

En somme, exposer un film est un élément essentiel du défi (et du plaisir) de l’argentique, mais cela peut également s’avérer très frustrant. Nous allons vous présenter l’exposition afin de vous assurer de réussir vos prises de vue, ou au moins de vous aider à comprendre à quel moment et pour quelle raison l’image obtenue n’a pas répondu à vos attentes.

Si vous prenez des photos avec du film noir et blanc, l’absence d’histogramme ne vous fera pas défaut. Sauf dans le cas d’une exposition décalée de 4 ou 5 diaphs (et c’est dur de se tromper à ce point…), votre négatif comportera toujours des détails.

Comprendre la lumière

Même si votre appareil est entièrement automatique, il a besoin de savoir quelle quantité de lumière recevoir et pendant combien de temps. Et c’est le posemètre – appareil intégré ou externe servant à mesurer la lumière – qui va donner la solution en mesurant la luminosité de la scène vers laquelle vous l’orientez ou l’intensité de la lumière éclairant la scène.

S’il y a plusieurs façons d’utiliser un posemètre, le principe commun à tous les modes de mesure est le « gris à 18 % », à savoir que les posemètres sont calibrés pour un gris moyen réfléchissant 18 % de la lumière (d’où son nom) et partent du principe fondamental que l’ensemble des valeurs de l’image sur laquelle vous faites votre mesure reviendrait à cette valeur de gris si on...

Portrait : Paul Thompson

Biographie

Ayant obtenu son diplôme à l’Art & Design College de Newcastle en 1999, Paul Thompson ouvre son studio londonien en 2005. Depuis, il a obtenu de nombreuses récompenses et ses travaux ont été présentés dans diverses publications et galeries, dont la National Portrait Gallery de Londres. Tout en continuant à développer son vaste portfolio commercial, Paul a consacré ces dernières années à bâtir un corpus de photographies artistiques interconnectées.

Comment décririez-vous votre série Moonlight ?

Moonlight est un travail d’amoureux réalisé en solitaire. J’ai passé plus de quatre années à parcourir les côtes anglaises, italiennes, écossaises et galloises la nuit, avec pour seul repère, la lumière de la lune. Ce sont des photos de lieux, mais également des images du temps qui passe. Je ne prends des photos pour ma série Moonlight qu’à la pleine lune, aussi faut-il que j’attende son arrivée, et durant ces heures-clés autour de minuit, les marées montent et descendent, les nuages changent de place et les ciels peuvent devenir orageux à tout moment. L’obturateur reste ouvert, et l’appareil enregistre une foule de détails trop brefs pour que l’œil humain les perçoive. J’utilise du film grand format et je m’estime heureux quand j’obtiens une bonne photo par mois.

Avec quel type d’appareil travaillez-vous ?

Une chambre pliante Wista 4 × 5 pouces.

Pourquoi photographier sur film ?

Quand j’étais étudiant et que je travaillais comme assistant, c’était à la période de transition entre pellicule et numérique ; j’avais passé des années à photographier en argentique et à faire des tirages au labo, mais lorsque j’ai commencé comme assistant, les photographes migraient tous en numérique. Si je photographie en argentique, c’est avant tout parce que c’est ce qui m’a attiré vers la photographie ; honnêtement, je n’éprouve aucune attirance envers les appareils numériques.

Photographier sur film oblige à réfléchir à ce que vous faites, mais cela vous encourage également à donner libre cours à vos instincts une fois que vous êtes sur place. Si je travaillais en numérique, je suis sûr que j’aurais envie de multiplier les prises de vue, en essayant toutes les options, ce qui, pour moi, aboutit habituellement à une image plus faible. Par exemple, je produis tous mes travaux personnels sur du film 4 × 5 pouces, et si je fais un portrait, je vais prendre au maximum une dizaine de plans-films, donc ou je réussis ou je me plante. Lorsque je réalise une commande de portraits pour un client, avec mon numérique, je vais prendre plusieurs centaines d’images par portrait pour m’assurer que j’ai bien réussi la photo, mais je n’ai aucune garantie que ça produise une meilleure image. J’imagine que ma réponse définitive serait pourquoi ne pas photographier en argentique ! Après tout, c’est bien ce qui résume la photographie.

Quel film utilisez-vous ? Y a-t-il une raison particulière à ce choix ?

Je travaille sur du Kodak Porta 160 et 400 parce que je trouve leur finesse de grain fantastique.

Comment déterminez-vous votre exposition ?

Parvenir à la bonne exposition nécessite beaucoup de tâtonnements. Vous pouvez la mesurer jusqu’à un certain point, mais il y a tellement d’autres facteurs qui affectent le résultat final, notamment en raison de la très longue durée de mes temps de pose. Je peux commencer sous un ciel couvert, calculer mon exposition en fonction de ce type de ciel, mais il se peut que le ciel se dégage à la moitié de la pose, et que le clair de lune vienne alors éclairer directement la scène ; il faut donc corriger l’exposition ou même masquer l’objectif quelque temps. Je ne place jamais la lune elle-même dans mon cadrage, mais elle peut toujours influer sur l’exposition. Évidemment, l’écart de réciprocité intervient, et je dois en tenir compte ; je me retrouve généralement avec un temps de pose de l’ordre de une à trois heures.

Quel est le meilleur conseil que vous donneriez à quelqu’un qui voudrait réaliser des photos de nuit en pose longue ?

Habillez-vous chaudement !

Southport 01
00h04 – 02h36

Brighton, East...

Expositions multiples

La pratique des expositions multiples a connu un regain de faveur ces dernières années, notamment grâce aux logiciels de retouche qui permettent de combiner plusieurs clichés avec une incroyable facilité. Quant aux appareils numériques, ils disposent d’options de plus en plus perfectionnées pour réaliser des expositions multiples avec même une prévisualisation à l’écran de l’effet obtenu. Cependant l’exposition multiple en numérique est presque trop facile : les résultats sont trop propres, trop léchés, trop parfaits. Cela n’est absolument pas le cas avec le film : c’est en effet beaucoup plus difficile, mais le sentiment de réussite est du même ordre que lorsqu’on arrive à ce que ces expositions « collent » bien ensemble.

Cette photo a été prise avec un appareil de type box avec une vitesse fixe...

Glossaire

Aberration. Défaut sur une photo, généralement dû à l’objectif.

AEL (Automatic Exposure Lock). Bouton disponible sur certains appareils permettant de verrouiller la mesure de lumière avant de recadrer. On peut obtenir le même résultat sur d’autres boîtiers en enfonçant le déclencheur à mi-course.

Angle de champ. Portion d’une scène (exprimée en degrés) restituée par un objectif.

Autofocus (AF). Système de mise au point automatique par lequel l’appareil règle l’objectif automatiquement en fonction de la distance au sujet.

B (pose –). L’obturateur reste ouvert tant que l’on garde le déclencheur enfoncé.

Bague d’adaptation. Bague servant à monter des filtres ou des porte-filtres d’un diamètre donné sur un objectif d’un autre diamètre.

Bracketing. Technique consistant à prendre une séquence de photos d’une même scène en faisant varier l’exposition afin de pouvoir choisir la meilleure vue.

C41. Procédé de développement standard pour les films négatifs couleur...

Pour suivre toutes les nouveautés numériques du Groupe Eyrolles, retrouvez-nous sur Twitter et Facebook

images @ebookEyrolles

images EbooksEyrolles

Et retrouvez toutes les nouveautés papier sur

images @Eyrolles

images   Eyrolles