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Pourquoi ?

Soit vous êtes un génie, ou êtes persuadé en être un et vous refusez sciemment de développer quoi que ce soit tant que l’argent n’est pas sur la table. Mais dans ce cas-là, comment pourrez-vous progresser ? Et si le producteur vous demande ensuite une V1 payée ? Vous avez dès lors 9 chances sur 10 de lui ramener un brouet infâme. Comment développer une V1 satisfaisante si vous n’avez jamais développé jusqu’au bout un seul scénario de long-métrage ? Le scénario, si l’on cherche à maîtriser sa technique, ses méthodes d’écriture, son style, suit le même cheminement complexe que l’écriture d’un roman. Stephen King avait confié avoir écrit une dizaine de romans avant qu’un seul d’entre eux ne soit publié. A priori, à part pour les chanceux, les génies de l’écriture et les arnaqueurs bourrés de contacts ou de charme, on ne pond pas un premier scénario lisible en un mois, tranquillement assis à sa table.

Ce petit essai s’adresse essentiellement à deux catégories de scénaristes

Ceux qui débutent ou qui veulent sentir le marché professionnel de plus près, qui cherchent des réponses précises sur des points d’écriture, qui connaissent un doute à une étape de leur scénario, de leur dossier, de leur présentation.

Mais aussi à des auteurs plus chevronnés ou d’autres membres de la profession qui souhaiteraient, au détour d’une lecture ou d’une phase de réécriture, mettre le doigt sur une fragilité de leur texte, trouver une évidence qui leur tournait autour depuis trop longtemps sans avoir vraiment su la localiser, la représenter.

Parfois, il suffit d’un déclic, du simple bon sens, un brin de logique ou le simple fait de placer des mots, des explications sur une lacune, sur ce qui jusque-là nous échappait, pour soudain se rendre compte ou confirmer une fissure, un point mou, une fragilité dans son histoire, ses personnages, sa construction et y remédier.

Un point par rapport à la formation

Ce précis de lecture scénaristique n’est pas une fin en soi. Juste un pense-bête, une petite réflexion sur le texte scénario, un modeste apport dans l’océan de livres sur le sujet. À la fois précis technique condensé mais aussi un point d’ancrage pour formuler de la façon la plus pertinente possible son texte, ses dossiers de présentation, pour que la (re)lecture de son script et ses possibles réorientations ou repositionnements soient optimaux.

Nous louons par ailleurs toutes les autres portes d’entrée possibles, en fonction de la personnalité de chacun, de ses aspirations, de son parcours personnel. Les formations universitaires en écriture aussi bien qu’en théorie, le CEEA, la Fémis, les séminaires de Truby, McKee, Vogler, Campbell, Lavandier, les essais dont ils sont tous issus, et notamment les grandes œuvres théâtrales et poétiques, Aristote, La Bruyère, Molière, la mythologie sous toutes ses formes, etc. Des approches complémentaires, croisées, qui font de toute évidence progresser. Qui nourrissent à la fois son parcours d’auteur et ses textes.

Mais après avoir suivi un nombre non négligeable de ces enseignements, j’ai trouvé qu’il manquait un précis technique plus condensé, resserré sur le scénario, et notamment centré sur le scénario en France. Nous sommes tous subjugués par les modèles d’écriture anglo-saxons. Et c’est une bonne chose puisque Hollywood a tout écrasé en termes d’écriture, d’efficacité, de personnages, de méthodes. Mais un film cinéma américain reste américain. Et les seuls réalisateurs et scénaristes français qui se sont véritablement imposés soit travaillent à l’étranger, soit ont réussi à utiliser une base méthodologique, les outils d’écriture anglo-saxons, des schémas de narration et de personnages, pour ensuite les nourrir d’une psychologie, d’une mentalité et d’un environnement plus européens. La France, à ce titre, ne peut par exemple pas tout à fait reprendre la base mythologique américaine. Non seulement parce que le territoire ne s’y prête pas, en termes de mythes visuels, mais surtout parce que les sources de financements, les modalités de production, de diffusion et les publics diffèrent. Et ceux qui rarement s’y aventurent (on pourrait à ce titre citer Luc Besson, peu importe qu’on apprécie ou pas ses films, sa force de frappe commerciale est là pour nous le rappeler) construisent leur scénario et leur film pour un schéma monde, international et pas seulement français. Et ce savoir-faire correspond plus à celui d’un self-made-man, d’un industriel que d’un auteur isolé.

C’est dans cette optique qu’il est bon d’être cohérent. Bien sûr, si nous ne sommes pas producteurs, il ne faut pas penser son projet sous l’angle d’un producteur. Néanmoins, il faut être conscient du scénario, de son bassin d’audience, de son lieu de tournage, de son chantier à venir, de son décorum, en termes de coûts, de possibilités de réalisation. Si vous écrivez un scénario guerrier qui se déroule au Moyen Âge, avec des batailles titanesques, combien de producteurs seront prêts à vous suivre dans cette aventure ? Je ne dis pas qu’il faut se censurer, s’auto-décourager et tous tenter d’écrire Angèle et Tony, l’excellent Tomboy ou La Guerre est déclarée. Au contraire. Tous les styles et toutes les aventures sont jouables, imaginables et il ne faut s’arrêter devant aucune barrière. Mais juste prendre conscience de ce que l’on écrit et pour qui on l’écrit. Cela peut éviter beaucoup de découragement, de peines et de longues périodes d’errance dans sa retraite scénaristique.

Préface

Avant toute chose, quel que soit le regard critique rencontré au gré de ces pages, de leur impact sur vous, vos projets, je vous engage à persévérer, écrire et réécrire, travailler vos univers, vos émotions, vos personnages, votre vécu personnel. Voyagez, regardez les gens, sortez de chez vous, faites des rencontres. Lisez, nourrissez-vous. Et écrivez. Encore et encore, inlassablement, jusqu’à l’obtention d’une vraie matière, d’une pâte qui ait un goût, une forme, du corps, du parfum. Une âme. Il arrivera un temps où votre expérience, votre savoir-faire, votre style parleront, rencontreront un écho. Même si cela peut prendre beaucoup de temps.

J’ai travaillé pendant dix ans comme lecteur, consultant, script doctor, chargé de développement, chargé de programme, conseiller artistique pour M6 Films, Arte fictions, TF1 fiction, Wild Bunch, Studio 37, TF1 International, la Sofica Image Plus, TF1/UGC, SND, France 2 cinéma, France Télévisions, ainsi que pour de nombreux partenaires indépendants. Je me suis aussi spécialisé pour des consultations personnalisées et du script doctoring. Je suis également intervenu dans le cadre du Master Pro 2 de la Sorbonne, cinéma, télévision et nouveaux médias, ainsi que pour divers partenaires pédagogiques, dont des ateliers écriture à l’école de la Cité créée par Luc Besson en 2012.

Toutes ces années m’ont offert deux formidables outils. Le fait de situer et comparer la progression d’une écriture, de sujets, d’histoires, dans le flux ininterrompu des autres histoires, comme une sorte de fleuve s’étirant à perte de vue, avec un continuum de nouveaux entrants et de sortants, à raison de 100 à 250 scénarios, traitements, synopsis de longs, courts, séries télévisées que j’ai eu le loisir d’analyser chaque année. J’ai ainsi suivi les jeunes auteurs qui percent, les anciens qui n’ont plus la cote, les écritures marquées par leur époque, celles à la pointe de leur temps. J’ai commencé à saisir avec une plus grande acuité ce qui faisait défaut dans un texte, là où il pèche, quel est son stade de développement. Mais aussi son positionnement sur le marché en un temps et une époque donnés. Réussir à pointer du doigt les endroits clefs à retravailler. Et, malheureusement aussi, apporter une sentence de mort. Car nombreux sont nos scénarios qui doivent à un moment s’arrêter au cours de leur développement. Qui n’ont pas la force ou ne la trouveront pas, qui se sont trompés pendant leur cheminement, ont pris une mauvaise direction, se retrouvent dans une impasse, sans que ce soit possible de les faire progresser – dans un temps ou une direction impartis par l’état de progression du script. Ou parce que les avis sont trop divergents ou ne se retrouvent pas entre celui qui écrit l’histoire et celui qui la commandite (ou qui la met en production, en vente).

Ce livre propose et établit quelques règles élémentaires, quelques possibilités, fenêtres et outils pour se projeter dans son script. Je me sens personnellement proche des cinémas de Béla Tarr, Kitano, Gus Van Sant, Alex Van Warmerdam, Bergman, Peter Watkins, Jacques Doillon, Rohmer, Kim Ki-duk, etc., etc. Je ne suis par contre pas du tout persuadé que le meilleur moyen de développer des films dans un créneau auteur pur et dur soit de passer par des manuels d’écriture… Mais les vrais artistes le savent mieux que quiconque. Ce qui ne veut pas dire qu’on ne peut pas être artiste et artisan du script à la fois. Ni que l’on perd son talent, sa pureté ou son innocence stylistique si on décide de respecter un certain nombre de codes narratifs.

Nous partons simplement du fait ici que le cinéma est une industrie, et par ailleurs un art. Nous voulons à ce titre vous offrir des clefs pour positionner votre scénario sur un registre commercial. Pas simplement écrire pour soi et éventuellement plaire aux autres. Mais plus écrire pour placer et vendre son scénario. Ce n’est pas une offense que de penser un scénario en tant que produit marchand. Peut-être pas un produit comme un autre. Mais un produit quand même. Avec des acheteurs, des clients, une offre et une demande. La loi du cinéma, à laquelle chacun de nous se confronte très vite.

Nous nous retrouvons ici pour parler de densité, de calibrage, de technique. Si l’on tombe d’accord sur un point élémentaire dès à présent : calibrer et densifier n’est pas édulcorer ni formater. Nous ne vous demandons pas de vous censurer. Ni de faire rentrer vos scénarios dans des cases, des schémas préétablis. Nous voulons surtout parler d’HISTOIRE, le formidable absent du cinéma français depuis cinquante ans, qui a eu honte depuis le bouleversement imposé par la Nouvelle Vague de remettre en selle la vraie notion de scénariste, d’artisan du script, du faiseur d’histoire, conteur, griot ou quel que soit son nom, au seul profit d’un dieu Auteur qui a complètement déstabilisé le marché, au point de créer une tragique fracture entre des films arts et essais soutenus à bout de bras par des financements publics et un cinéma commercial sans aucune ambition autre que financière. Alors que le cinéma européen a plus que jamais besoin d’un relais entre ces deux segments. Un besoin de films de cinéma et de séries qui veulent raconter des histoires. Des histoires qui ensuite peuvent devenir profondes, de véritables œuvres. Mais au départ, de simples histoires. Sans mettre en avant sa patte auteur, sa réflexion, sa fibre philosophique. Ou alors peut-être en la plaçant derrière, comme ombre, comme soubassement, comme gouvernail. C’est justement sur cette base, cette envie, que nous espérons commune, que nous allons nous concentrer. Juste une envie de raconter et savoir raconter des histoires.

Car une histoire, même si elle peut et doit requérir style et profondeur, doit avant toute chose connaître, appréhender, savoir dompter un certain nombre de techniques, la codification des genres, des schémas de personnages, de rythme, d’émotions qui ne s’apprennent qu’en les travaillant, encore et encore, sans relâche. En lisant et en dévorant avec un regard aiguisé, du recul, des pauses et des phases de dissection tout film et série rencontrés, les grands classiques aussi bien que les nanars, les séries B et les films pointus aussi bien que les flux mainstream.

À ce titre, ce petit guide ne propose pas de recette miracle et ne prétend pas représenter LA solution, forcément inexistante, malgré la volonté de certains de croire qu’en diluant un sachet de poudre magique dans un verre d’eau on puisse obtenir un merveilleux scénario vendeur et prometteur. Mais ce support technique vous permettra, espérons-le, d’éviter de tomber dans certains pièges, d’aller de l’avant, de sauter des obstacles. Et surtout, de GAGNER DU TEMPS, dans la mesure où l’on arrive à obtenir suffisamment de distance avec son scénario. Par bien d’autres aspects, il devrait aussi, si votre projet est travaillé avec opiniâtreté, vous permettre de franchir certains barrages lors de la présentation de votre scénario aux différents guichets. On doit avant tout avec un texte susciter le désir, donner envie, plonger dans l’univers, les personnages que l’on a choisis, que l’on a portés… pour que les décideurs souhaitent aller plus loin et transformer au final les mots en images. Qu’ils aient envie de mettre tout simplement leur argent et leur énergie sur votre projet. Telle est aussi la magie et l’incroyable difficulté du cinéma.

Lecture d’un scénario

Une chose est sûre. Si l’histoire, les personnages ou les intentions sont dès le départ incohérents, mal traités, sans enjeux… le scénario ne peut pas être sauvé, comme on dit, « en l’état ». Il doit être entièrement réécrit mais surtout repensé. Reconsidéré

Certaines sociétés peuvent commander une simple lecture, un travail en amont de tamis, d’autres cherchent à savoir quel est l’état d’avancement de leur projet, en terme artistique mais aussi commercial. D’autres encore veulent plus précisément connaître ou avoir confirmation de la cible à laquelle se destine le film ou simplement si votre opinion corrobore la leur et ce qu’elle met en lumière sur le script.

Beaucoup de producteurs, parfois des auteurs, évaluent le potentiel de leur histoire en termes d’audience, de sorties. Mais combien se trompent ? Combien de fois m’a-t-on fait lire un projet en pensant qu’il s’agissait d’un thriller au formidable potentiel spectateurs alors qu’à la lecture, on sentait au contraire la destination d’une niche réduite ? Que le public ciblé n’était pas celui escompté ? Que les éléments nécessaires à une cible jeunesse n’étaient pas réunis ? Que le potentiel comédie était inférieur au potentiel dramatique ?

Bien sûr, la lecture d’un scénario n’est pas une science exacte, un travail formaté dans lequel on remplit uniquement des cases – même si, effectivement, on le fait aussi. Il m’est aussi arrivé de me tromper. Notamment parce que l’écriture est en constante évolution. Qu’on lit sans doute la V2 alors que la V4 est déjà sur le bureau de l’auteur. Parce que la production aussi joue fortement, le casting, la force de frappe marketing, la distribution… Ce qui explique que certains interlocuteurs nous fournissent parfois le plus possible de ces éléments pour se faire une idée plus précise du marché. Mais quoi qu’il arrive, il est essentiel de partir d’un scénario riche, dense et accompli.

C’est pourquoi il faut bien avoir une chose en tête avant de présenter votre scénario – et donc donner à réfléchir pour que la version proposée soit la plus aboutie possible –, c’est que vous présentez votre bébé, ému, un être cher que vous avez porté pendant des semaines, des mois, parfois des années, avec de grandes attentes, à des individus qui se noient dans un océan de bébés souvent très similaires et qui, la plupart du temps, n’ont pas forcément d’attente particulière par rapport à votre projet. D’où le petit plus d’être malin, de savoir susciter l’envie, de vous allier l’intérêt d’un acteur déjà en place mais approchable, d’un premier producteur qui possède un certain réseau, d’une personnalité.

En soulignant quand même une règle un peu dure à lire, quoiqu’immuable :

un auteur inconnu + un bon scénario + un réalisateur inconnu + un producteur inconnu + des acteurs inconnus = pas de film !

Après, on peut très bien être inconnu et connaître quelqu’un ou être inconnu et posséder un réseau (c’est le cas par exemple de certains candidats, sortant de la Fémis, ou de certains scénaristes/réalisateurs qui en fait possèdent un énorme cercle d’amitiés dans le milieu ou ayant des liens avec le milieu).

D’où la nécessité et souvent le réflexe inné de créer des ponts, de savoir s’allier, de trouver d’autres partenaires (en écriture, financiers, artistiques, etc.). De séduire. Car après tout, le cinéma est une industrie, aussi voire plus virulente que les autres et, à part quelques poètes (et peu de producteurs le sont encore), les décideurs cherchent quand même à rentabiliser leurs projets, à dégager des marges, à créer l’événement. Et si votre personnalité est aussi plate, terne et lisse que votre projet, on peut craindre que les montagnes seront particulièrement pénibles à franchir. En sachant qu’un producteur cinéma ne se risquera que rarement (vous avez 0,01 % de chance à ce niveau sauf rencontre avec un canard boiteux) à lancer le chantier de votre projet sur la base d’un synopsis ou d’une version dialoguée non aboutie.

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