BOUQUINS

Collection fondée par Guy Schoeller

et dirigée par Jean-Luc Barré

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Ernest ANSERMET, Les Fondements de la musique dans la conscience humaine et autres écrits.

DICTIONNAIRE BIOGRAPHIQUE DES MUSICIENS, par Theodore Baker et Nicolas Slonimsky. Édition française adaptée et augmentée par Alain Pâris (3 volumes sous coffret).

DICTIONNAIRE DES INTERPRÈTES et de l’interprétation musicale depuis 1900, par Alain Pâris.

DICTIONNAIRE ENCYCLOPÉDIQUE DE LA MUSIQUE, par l’Université d’Oxford. Sous la direction de Denis Arnold. Édition française adaptée et augmentée par Alain Paris. (2 volumes).

DICTIONNAIRE ENCYCLOPÉDIQUE DE LA MUSIQUE DE CHAMBRE, par l’Université d’Oxford. Sous la direction de Walter Willson Cobbett. Édition française adaptée et augmentée par Alain Pâris (2 volumes sous coffret).

GUIDE DE LA MUSIQUE ANCIENNE ET BAROQUE, discographie établie sous l’égide de Diapason.

LIVRETS D’OPÉRA. Édition bilingue établie par Alain Pâris (2 volumes sous coffret).

MOZART, Sa vie musicale et son œuvre, par Théodore de Wyzewa et Georges de Saint-Foix (2 volumes sous coffret).

LA MUSIQUE DE PIANO. Dictionnaire des compositeurs et des œuvres, par Guy Sacre (2 volumes).

Lucien REBATET, Une histoire de la musique. Des origines à nos jours.

TOUT BACH. Sous la direction de Bertrand Dermoncourt.

TOUT L’OPÉRA. Dictionnaire : de Monteverdi à nos jours, par Gustave Kobbé.

TOUT MOZART. Encyclopédie de A à Z. Sous la direction de Bertrand Dermoncourt.

TOUT VERDI. Sous la direction de Bertrand Dermoncourt.

André TUBEUF, L’Offrande musicale. Compositeurs et interprètes.

L’UNIVERS DE L’OPÉRA, œuvres, scènes, compositeurs, interprètes, sous la direction de Bertrand Dermoncourt.

« Cette œuvre est protégée par le droit d’auteur et strictement réservée à l’usage privé du client. Toute reproduction ou diffusion au profit de tiers, à titre gratuit ou onéreux, de tout ou partie de cette œuvre, est strictement interdite et constitue une contrefaçon prévue par les articles L 335-2 et suivants du Code de la Propriété Intellectuelle. L’éditeur se réserve le droit de poursuivre toute atteinte à ses droits de propriété intellectuelle devant les juridictions civiles ou pénales. »

© Éditions Robert Laffont S.A., Paris, 2004, 2015.

EAN : 978-2-221-18755-5

En couverture : © Jay Brousseau / Getty Images

Ce document numérique a été réalisé par Nord Compo.

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Cet ouvrage a été réalisé, sous la direction d’Alain PÂRIS, par :

Jean-Yves BRAS

Michel LOUVET

Pierre BRETON

Alain PÂRIS

Martine CADIEU

Marie-Stella PÂRIS

Michel CRESTA

Roger-Claude TRAVERS

Pierre FLINOIS

Marcel WEISS

Pierre-Paul LACAS

Jean ZIEGLER

Antoine LIVIO

Remerciements

Pierre-Émile Barbier, Anne-Marie Bigorne, Qigang Chen, Petre Codreanu, Viorel Cosma, Didier de Cottignies, Françoise Davoine, François Dru, Serge Dubois, Bertrand Guay, Dieter Härtwig, Catherine Heuls, Rémi Jacobs, Rudolf Kimmig, Georges Kiosseff, André Lardrot, Dennis K. McIntire, Jean-Michel Molkhou, Oleg Podgorny, Viera Polakovičová, Dominique Rimmele, Michel Royer, Georges Zeisel.

Sans oublier tous les agents artistiques, chargés de communication et attachés de presse dont la mémoire et les carnets d’adresse ont été souvent mis à contribution.

L’interprétation d’une œuvre est semblable au flux d’une rivière et l’interprète à l’homme qui, dans son bateau, se laisse porter par le courant. Parfois, l’eau se précipite en torrent vers une gorge étroite, parfois elle repose dans la sérénité d’une large rivière en traversant une terre riche et fertile.

Wilhelm FURTWÄNGLER

PRÉFACE

Qui aurait pu penser, il y a une centaine d’années, que l’interprète occuperait la place qui est la sienne actuellement ? Relégué à l’époque en caractères minuscules sur les affiches, son nom s’impose peu à peu, il se vend et fait parfois oublier celui du compositeur. On ne va plus au concert écouter la Symphonie héroïque, on va applaudir tel grand chef, tel grand soliste.

Pourtant, le rôle fondamental de l’interprète est resté le même. Peut-être occupe-t-il une place plus importante dans la musique contemporaine en participant à l’élaboration de l’œuvre ou en se voyant confier des séquences aléatoires. Mais face au répertoire des siècles précédents, au fond, rien n’est changé.

Dans la forme, tout est différent. L’interprète est devenu une figure sociale de la musique qui était mal définie avant le XXe siècle. À de rares exceptions près (Liszt, Clara Schumann, von Bülow, Paganini…), l’interprète était l’obscur serviteur du compositeur, intermédiaire entre le texte et l’auditeur, cet auditeur étant lui-même interprète (amateur) à ses heures. Les frontières étaient floues, le vedettariat restait quasi inexistant.

Le XXe siècle bouleverse toutes ces données : la pratique amateur tend à disparaître. Un fossé se creuse entre l’interprète et son public : on le connaît moins, il devient mystérieux. Les moyens de reproduction sonore et la facilité des déplacements le font entendre du plus grand nombre. Il n’y a plus qu’à attendre les maîtres du show business pour le transformer en vedette à part entière. Naturellement, c’est l’apanage d’un petit nombre, et, s’ils comptent parmi les plus talentueux, combien d’interprètes tout aussi estimables (parfois davantage !) restent dans l’ombre car, pour des raisons extra-artistiques, il est impossible d’en faire des vedettes ?

La notoriété de ces vedettes est telle que la paternité des chefs-d’œuvre s’en trouve modifiée : tour à tour, l’Héroïque appartient à Furtwängler, Böhm ou Karajan, un chef et un metteur en scène se partagent Faust ou Carmen ! Les données sont renversées.

Cette situation, choquante a priori, a pourtant plus d’un aspect positif. L’interprète est devenu une « locomotive » qui tire derrière lui un public de fans qui ne viendrait peut-être pas à la musique en d’autres circonstances. Parfois, il est audacieux et ose renoncer à son confort pour entraîner sa cohorte de wagons vers des répertoires méconnus ou même (audace suprême !) vers la musique de son temps. Il sollicite les compositeurs qui trouvent en lui un vecteur inespéré pour garder le contact avec le public de leur temps. Parfois, il tend la main à ses cadets et ne se contente pas de transmettre son savoir par l’enseignement : il associe les jeunes à ses concerts, en duo, en concerto, à l’opéra. Et la musique se renouvelle sans cesse de cette façon.

Naturellement, rares sont ceux qui correspondent à ce profil idéal. Mais ils existent et, grâce à eux, les projecteurs qui inondent de lumière l’interprète ne sauraient être remis en question.

La démarche de l’interprète, quant à elle, reste toujours la même. Son approche de la musique varie selon les époques, mais son rôle recréateur demeure. À ce titre, il n’a droit qu’à une place limitée dans les ouvrages généraux, encyclopédies, dictionnaires ou histoires de la musique. Jusqu’à l’apparition du disque, son apport ne restait pas. Mais les choses ont changé et on possède à présent des documents échelonnés sur plus d’un siècle que les progrès de la technologie numérique a rendus très représentatifs. Il fallait donc se livrer à une investigation systématique de ce monde encore ignoré, la forme du dictionnaire étant la mieux adaptée en raison des multiples interférences entre les écoles et les époques.

Un Dictionnaire des interprètes : il exclut donc les compositeurs dont on parle abondamment par ailleurs. Il exclut les compositeurs-interprètes qui ne se sont consacrés qu’à leur propre musique. Par contre, il fait une large place à de grands compositeurs qui ont eu une activité d’interprète polyvalente (Mahler, R. Strauss, Maderna, Britten, Boulez…).

Un Dictionnaire dont le point de départ se situe en 1900 car les bouleversements du monde de l’interprétation musicale commencent au début du XXe siècle. Cet ouvrage se limite donc aux interprètes ayant vécu au-delà de 1900 (fût-ce quelques mois). La part réservée aux artistes de notre temps est évidemment plus importante dans la mesure où l’histoire a déjà fait un choix. Mais ce choix n’a pas été entériné systématiquement car il existe des filiations entre les hommes, entre les écoles que l’histoire a négligées. Certaines personnalités oubliées aujourd’hui ont joué un rôle essentiel dans l’évolution de l’interprétation, et il était normal de les remettre à leur juste place.

Un dictionnaire est un ouvrage d’information : les biographies d’artistes ne retiennent donc que les éléments factuels de leur carrière, en dehors de toute subjectivité, autant que faire se peut. Seuls les éléments concrets ou les appréciations unanimement reconnues ont servi de guides, et il ne faut chercher aucune correspondance entre l’importance des biographies et la notoriété des artistes concernés. De très grands interprètes ont eu des vies sans événements majeurs, d’autres, moins notables, ont connu des carrières fertiles en événements.

*

L’exactitude des éléments biographiques est la préoccupation majeure des auteurs d’un dictionnaire. Si nous avons rencontré un excellent accueil auprès de la plupart des artistes, bureaux de concerts, attachés de presse ou autres organismes d’information, certains se sont refusés à communiquer les plus élémentaires données. Parfois, les biographes se sont transformés en détectives, vérifiant auprès de l’état-civil ou à d’autres sources dignes de foi ce que leur instinct mettait en doute : moisson fertile en erreurs séculaires à présent corrigées, coquetteries déjouées (non par indiscrétion mais par souci d’exactitude), oublis réparés (au moins partiellement).

Quant au choix des quelque trois mille interprètes recensés dans la première partie, il répond à des critères de notoriété et de cohérence, mais en aucun cas à des critères de qualité. Naturellement, il y a des oublis que les éditions successives s’efforcent de réparer. Certains noms sembleront inutiles à première lecture, mais cet ouvrage forme un tout dans lequel chaque biographie se justifie autant par l’activité de l’artiste concerné que par sa situation dans un contexte donné (écoles, générations, interférences d’activités…). Les grands pédagogues aux carrières éphémères ont ainsi leur place car ils jouent un rôle de trait d’union essentiel. De jeunes interprètes font leur entrée au fil des éditions lorsque le cocktail magique « talent-notoriété » semble se situer dans un rapport prometteur. C’est l’aspect le plus subjectif de l’ouvrage, qui n’a fait que s’amplifier avec les années tant la pression commerciale et médiatique cherche à créer de nouvelles stars à peine sorties de l’adolescence avec, en arrière-pensée, la ferme intention de les laisser retomber dans l’oubli si le retour sur investissement n’est pas assez rapide.

*

La modification récente des modes de vie, le développement des voyages, les contacts en temps réel ont contribué à transformer le monde de l’interprétation musicale en une spirale infernale dont les victimes sont souvent les interprètes eux-mêmes : rares sont ceux qui ont la force de résister aux sollicitations venant des quatre coins de l’univers. La longévité des carrières s’en ressent, usure prématurée, pas seulement pour les chanteurs. Les instrumentistes qui doivent se mettre au repos pendant une longue période pour guérir d’un excès de pratique sont de plus en plus nombreux. Rares sont ceux qui savent limiter leurs apparitions à l’image d’un Radu Lupu ou d’un Murray Perahia aujourd’hui, d’un Carlo Maria Giulini hier. La pression médiatique, celle des agents et des firmes discographiques, est trop forte. Bien souvent, l’interprète devient un fruit que l’on pressure avant de l’abandonner lorsqu’il n’a plus rien à donner. Monde ingrat où le talent est souvent relégué derrière les intérêts commerciaux. Et que dire des rapports humains ?

C’est cette dégradation qui a fait se rapprocher des musiciens plus soucieux de qualité artistique que de résultats commerciaux. Au fil des années, des festivals voient le jour, fondés et dirigés par des interprètes doués de l’esprit d’entreprise. De véritables familles se créent autour d’eux. Le modèle Kremer ou Argerich fait des émules. Prades rayonne dans le monde entier, l’Empéri, Annecy, Aix-les-Bains ont leurs habitués. La pratique des artistes en résidence qui construisent une programmation au sein de la saison d’un lieu donné se développe de plus en plus.

À l’heure de la mondialisation, l’univers de l’interprétation musicale est devenu une jungle où tous les coups semblent permis : les carrières se font aussi vite qu’elles se détruisent, la confiance, l’humanité, la transmission d’un héritage sont autant de valeurs qu’il faut chercher dans les recoins où elles se terrent, faute d’être en odeur de sainteté. Un seul critère subsiste : il faut durer. Pourtant, que de talents ignorés ou méprisés, que de carrières sérieuses et utiles méconnues du plus grand nombre… Puisse ce Dictionnaire permettre de réfléchir à la course à l’abîme dans laquelle s’est engouffré le monde de l’interprétation musicale !

Alain PÂRIS

SIGLES ET ABRÉVIATIONS

ARD

Arbeitsgemeinschaft der öffentlich-rechtlichen Rundfunkanstalten der Bundesrepublik Deutschland

BBC

British Broadcasting Corporation (radio britannique)

BRT

Radiotélévision belge d’expression flamande

CEE

Communauté économique européenne

CNRS

Centre national de la recherche scientifique

déd.

dédicataire

2e2m

Étude et expression des modes musicaux

INA

Institut national de l’audiovisuel

INR

Institut national belge de radiodiffusion

IRCAM

Institut de recherche et de coordination acoustique-musique

MDR

Mitteldeutscher Rundfunk (radio de Leipzig)

Met

Metropolitan Opera, New York

NBC

National Broadcasting Corporation (radio américaine)

NDR

Norddeutscher Rundfunk (radio de Hambourg et Hanovre)

NHK

Radiotélévision japonaise

ORTF

Office de radiodiffusion télévision française

ORF

Osterreichischer Rundfunk (radio autrichienne)

RAI

Radiotélévision italienne

RIAS

Radio berlinoise

ROC-GmbH

Rundfunk Orchester und Chöre GmbH (Société des orchestres et chœurs des radios de Berlin)

RTB

Radiotélévision belge

RTBF

Radiotélévision belge de la Communauté française

RTLN

Réunion des théâtres lyriques nationaux (Opéra et Opéra-Comique, Paris)

RTLMF

Réunion des théâtres lyriques municipaux de France

SACEM

Société des auteurs, compositeurs et éditeurs de musique

SDR

Süddeutscher Rundfunk (radio de Stuttgart)

SIMC

Société internationale de musique contemporaine

SWF

Südwestfunk (radio de Baden-Baden)

SWR

Südwestrundfunk (radio de Baden-Baden et Fribourg-en-Brisgau)

trad.

traduction

WDR

Westdeutscher Rundfunk (radio de Cologne)

PREMIÈRE PARTIE

Instrumentistes, chefs d’orchestre,
chanteurs

A

Abbado, Claudio

Chef d’orchestre italien, né à Milan le 26 juin 1933, mort à Bologne le 20 janvier 2014.

Dès l’âge de huit ans, il veut devenir musicien. Il fait ses études au Conservatoire Giuseppe Verdi : direction d’orchestre, composition, piano (jusqu’en 1955). Puis, il travaille à Vienne avec Hans Swarowsky (1957). Il chante dans les chœurs et juge cette expérience fondamentale. En 1958, il obtient le Prix Koussevitzky à Tanglewood, aux États-Unis. Il enseigne ensuite la musique de chambre au Conservatoire de Parme et, en 1960, débute à la Scala à l’occasion du tricentenaire d’Alessandro Scarlatti. En 1963, il remporte le 1er prix au Concours Mitropoulos à New York. Mais il refuse la direction d’un orchestre américain, préférant l’offre de Karajan : un concert à Salzbourg. Il dirige alors la Deuxième Symphonie de Mahler. C’est sa première rencontre avec l’Orchestre philharmonique de Vienne, dont il sera l’invité permanent à partir de 1971. Il débute à la Scala de Milan en créant l’opéra de Manzoni Mort atomique (1965). Il y revient deux ans plus tard pour diriger le spectacle d’ouverture de la saison, Capulets et Montaigus de Bellini (1967). Entre-temps, il a fait ses débuts avec l’Orchestre philharmonique de Berlin (1966). En 1968, il est invité au Festival de Salzbourg pour y conduire Le Barbier de Séville. La même année, il est nommé chef permanent à la Scala de Milan, où il devient directeur de la musique (1971-86) et directeur artistique (1977-79). En 1982, il fonde l’Orchestre philharmonique de la Scala, formation vouée au concert. Entre 1977 et 1990, il dirige également l’Orchestre des Jeunes de la Communauté européenne.

Homme de son temps, son alliance avec Paolo Grassi, Luigi Nono, Maurizio Pollini, Giorgio Strehler marque une époque très vivante à Milan. Répétitions publiques, concerts dans les usines et les écoles, fondation d’un atelier, Musica-Realta, avec l’appui du Parti communiste italien, à Reggio nell’ Emilia. Il passe également des commandes à de jeunes compositeurs.

En 1971, il reçoit la Médaille Mozart de la Mozartgemeinde de Vienne et commence une étroite collaboration avec l’Orchestre philharmonique de Vienne. Entre 1979 et 1988, il est chef permanent et directeur musical de l’Orchestre symphonique de Londres. En 1988-89, il reste directeur musical de cet orchestre qu’il quitte après une collaboration de dix ans. Entre 1986 et 1991, il est directeur musical de l’Opéra de Vienne, devenant également le principal chef de l’Orchestre philharmonique de Vienne. En 1987, il reçoit le titre de directeur général de la musique de la ville de Vienne. En 1986, pour compléter son action en faveur de la jeunesse européenne, il fonde et prend la direction de l’Orchestre des Jeunes Gustav Mahler, constitué d’instrumentistes provenant de pays n’appartenant pas à la CEE. En 1988, il fonde dans la capitale autrichienne un festival de musique contemporaine, Wien Modern. En 1990, il succède à Herbert von Karajan à la tête de l’Orchestre philharmonique de Berlin, poste qu’il conserve jusqu’en 2002. Cette période, qui suit la chute du mur de Berlin, est marquée par une ouverture sensible du répertoire de l’orchestre, une imagination nouvelle et la venue de nombreux instrumentistes du monde entier qui infléchissent et adaptent le style d’exécution dans le sens d’une plus grande polyvalence. Abbado est à l’origine d’un concours international de composition musicale qui se déroule à Vienne à partir de 1991. En 1992, il fonde, avec la violoncelliste Natalia Gutman, les Berliner Begegnungen, rencontres de musique de chambre entre artistes consacrés et jeunes talents, qui se déroulent en public. Entre 1994 et 2002, il est directeur artistique du Festival de Pâques à Salzbourg. Il fait ensuite revivre un orchestre dans le cadre du Festival de Lucerne, mais constitué, contrairement à son prédécesseur, de jeunes instrumentistes au seuil de leur carrière encadrés par des aînés prestigieux. En 2004, il prend la direction artistique d’un nouvel orchestre créé à Bologne, Orchestra Mozart, qui réunit à nouveau des chefs de pupitres des plus grands orchestres du monde et une élite de jeunes instrumentistes.

Il a créé des œuvres d’Anton Bruckner (Adagio de la Symphonie no 3, seconde version, 1980), György Kurtág (Samuel Beckett: What is the Word…, 1991), Giacomo Manzoni (Atomtod, 1965), Luigi Nono (Au grand soleil d’amour chargé, 1975), Matthias Pintscher (Herodiade-Fragmente, 1999), Wolfgang Rihm (Départ, 1988 ; In doppelter Tiefe, 1999), Franz Schubert/ Wolfgang Rihm (Der Wanderer, 1997), Herbert Willi (Der Froschmäusekrieg, 1989).

ÉCRITS : Je serai chef d’orchestre (1986).

Abbado, Roberto

Chef d’orchestre italien, né à Milan le 30 décembre 1954.

Fils du pianiste et compositeur Marcello Abbado (Milan, 7 octobre 1926), neveu de Claudio Abbado, il étudie le piano avec Paolo Bordoni et la composition avec Bruno Bettinelli au Conservatoire Giuseppe Verdi de Milan. Puis il travaille la direction d’orchestre à l’Académie Sainte-Cécile de Rome, avec Franco Ferrara. Il débute au Théâtre de la Fenice à Venise avant de diriger dans les principaux opéras italiens. Sa carrière s’étend à l’Allemagne (Opéra de Munich, Deutsche Oper Berlin), la France, l’Autriche (Opéra de Vienne). Il est chef permanent de l’Orquesta Filarmónica Municipal de Santiago (Chili) avant d’occuper la même fonction à la tête de l’Orchestre de la radio de Munich (1992-98). À partir de 2005, il travaille régulièrement avec l’Orchestre de chambre de Saint-Paul. Il a créé des œuvres de Niccolò Castiglioni (Les Harmonies, 1996), Lorenzo Ferrero (Charlotte Corday, 1989), Marco Tutino (Pinocchio, opéra, 1985 ; Vite immaginarie, opéra, version de concert, 1989), Fabio Vacchi (Canti d’ombre, 2005 ; Teneke, opéra, 2007), Charles Wuorinen (Flying to Kahani, 2006).

Abendroth, Hermann

Chef d’orchestre allemand, né à Francfort le 19 janvier 1883, mort à Iéna le 29 mai 1956.

Il fait ses études musicales à Munich, où il travaille le piano avec Anna Wirzel-Langenhan, la théorie et la composition avec Ludwig Thuille et la direction d’orchestre avec Felix Mottl. Il fait ses débuts avec l’Orchesterverein de cette même ville dont il est le directeur en 1903-04. Puis il est engagé à Lübeck comme chef d’orchestre par la Société des Amis de la Musique. En 1905, il devient premier chef à l’Opéra de cette même ville et reste à ce poste jusqu’en 1911. Pendant cette période, il fait ses débuts avec l’Orchestre philharmonique de Berlin en 1909 ; il sera invité régulièrement à diriger cet orchestre jusqu’en 1944. En 1911, il est nommé directeur de la musique à Essen puis chef des Concerts du Gürzenich de Cologne et directeur du Conservatoire (1915-34). En 1918, il devient directeur général de la musique et, en 1922, chef des Niederrheinischen Musikfestes. Simultanément (1922-23), il dirige les concerts symphoniques de l’Opéra de Berlin. Puis il est à la tête de l’Orchestre de la Beethovenhalle de Bonn (1930-33) avant de remplacer Bruno Walter au Gewandhaus de Leipzig (1934-45) et enseigne également au Conservatoire. En 1945, il est nommé directeur musical du Théâtre national et de la Musikhochschule de Weimar, poste qu’il conserve jusqu’en 1949 lorsqu’il prend la direction musicale de l’Orchestre de la radio de Leipzig. De 1953 à 1956, il dirige également l’Orchestre symphonique de la radio de Berlin-Est.

Il a dirigé Les Maîtres chanteurs au Festival de Bayreuth en 1943 et 1944. Il a créé des œuvres de Kurt Atterberg (Symphonie no 7 « Sinfonia romantica », 1943), Egon Wellesz (Mitte des Lebens, 1932).

Abravanel, Maurice de

Chef d’orchestre grec naturalisé américain (1943), né à Salonique le 6 janvier 1903, mort à Salt Lake City le 22 septembre 1993.

Il effectue ses études générales à Lausanne où sa famille se fixe en 1909. Sur la recommandation de Busoni, il travaille avec Kurt Weill (1922). Il se produit en Allemagne (Neustrelitz, Altenburg, Kassel, Opéra de Berlin), en Australie, à Paris (1934) et à Londres où il est directeur musical des ballets de la Compagnie Balanchine. Trois mois par an, il est chef invité à Sydney et Melbourne. Bruno Walter et Wilhelm Furtwängler l’incitent à gagner les États-Unis. Il fait sensation au Metropolitan Opera en 1936 en dirigeant, en neuf jours, sept représentations de cinq opéras. En 1940-41, il dirige à l’Opéra de Chicago. À Broadway, il défend notamment l’œuvre de Kurt Weill. Entre 1947 et 1979, il est chef permanent de l’Orchestre symphonique de l’Utah où il contribue fortement à une large diffusion de la musique du XXe siècle. Entre 1954 et 1980, il est également directeur artistique de la Musical Academy of the West à Santa Barbara (Californie). Il a réalisé de nombreux enregistrements, notamment l’intégrale des symphonies de Gustav Mahler. Il a créé des œuvres de Darius Milhaud (Les Songes, ballet, op. 124, 1933).

Accardo, Salvatore

Violoniste et chef d’orchestre italien, né à Turin le 26 septembre 1941.

Il obtient, en 1956, un 1er prix au Conservatoire de Naples après avoir étudié avec Luigi D’Ambrosio. Il se perfectionne ensuite à l’Académie Chigiana à Sienne, avec Yvonne Astruc. En 1955, il est lauréat du Concours international de Vercelli, en 1956 du Concours international de Genève ; il remporte deux ans plus tard le Concours international de violon à Gênes et le prix de la Radiodiffusion italienne. Il part alors en tournée en Europe et dans les deux Amériques. En 1968, il fonde à Turin l’Orchestra da Camera Italiana avant de devenir violon solo de l’ensemble I Musici (1972-77). Son répertoire va de Vivaldi et Bach à la musique d’aujourd’hui. C’est ainsi qu’à Sienne il a créé des œuvres contemporaines, dont les Caprices de Sciarrino, sans cesser de jouer pourtant les Vingt-Quatre Caprices de Paganini, musicien dont il a enregistré l’intégrale des concertos.

Il contribue au rayonnement de la musique de chambre italienne. Il joue avec l’Orchestre de chambre italien et enseigne à l’Académie Chigiana (1973-80). Plusieurs compositeurs ont écrit à son intention : Walter Piston (Fantasia pour violon et orchestre), Franco Donatoni (Argot pour violon seul, 1979), Iannis Xenakis (Dikhtas, 1980). En 1987, il aborde la direction d’orchestre en dirigeant à Pesaro L’Occasion fait le larron de Rossini. Il anime aussi les Semaines musicales internationales de Naples où il organise des concerts de musique de chambre dans un esprit analogue à celui de Prades ou de Lockenhaus. En 1993-94, il est directeur de la musique au Teatro San Carlo de Naples. En 1996, il fait revivre l’Orchestra da camera italiana, formation composée d’une trentaine de jeunes instrumentistes à cordes. Il a joué sur plusieurs instruments prestigieux qui ont fait partie, à un moment ou à un autre, de sa collection personnelle : plusieurs Stradivarius, l’ex-Reiffenberg de 1717 (sur lequel a joué aussi Jaime Laredo), l’Oiseau de feu de 1718 (qui a appartenu à Saint-Exupéry), le Zahn de 1719 (sur lequel ont joué ensuite Shlomo Mintz et Laurent Korcia), le Reynier de 1727 (sur lequel a joué ensuite Maxim Vengerov), le Hart de 1727 (qui a appartenu auparavant à Fritz Kreisler et à Zino Francescatti), ainsi qu’un Guarnerius del Gesù de 1733, le Lafont (qui a appartenu à Charles-Philippe Lafont), un Domenico Montagnana de 1742 et un G. B. Guadagnini.

ÉCRITS : L’arte del violino, Rusconi (Milan, 1987).

Achron, Joseph

Violoniste et compositeur lituanien naturalisé américain (1930), né à Lazdijai (Pologne) le 13 mai 1886, mort à Hollywood le 29 avril 1943.

Il entreprend ses études musicales au Conservatoire de Saint-Pétersbourg, avec Leopold Auer pour le violon, et Liadov pour la composition. En 1913, il se retrouve à Kharkov, où il dirige le département musical du Conservatoire. Puis, après avoir servi dans l’armée russe de 1916 à 1918, il devient le professeur de violon et de musique de chambre de l’Union des artistes de Leningrad. En 1925, il s’expatrie aux États-Unis où il débute, en 1927, avec la première américaine de son propre Concerto no 1, avec l’Orchestre symphonique de Boston. Plus connu comme compositeur que comme violoniste, Joseph Achron compose beaucoup pour son instrument, dont un second concerto commandé par Jascha Heifetz qui le crée à Los Angeles en 1939. Parmi les pages restées célèbres du musicien, il faut citer, outre trois concertos pour violon, la fameuse Mélodie hébraïque (1911), popularisée par le même Jascha Heifetz, et la suite Golem, de 1932.

Achucárro, Joaquín

Pianiste espagnol, né à Bilbao le 1er novembre 1932.

Après ses études au Collège Indachu de Bilbao, puis au Conservatoire de Madrid, il quitte l’Espagne pour aller se perfectionner à Sienne, à l’Académie Chigiana, puis à la Hochschule de Sarrebruck. En 1950, il fait sa première apparition en public à Masaven en Espagne. Lauréat du Concours Long-Thibaud (1951), il remporte ensuite le Prix Viotti (1953) et le Concours international de Liverpool (1958), qui lui ouvre les portes de l’Angleterre. Il remporte ensuite la Médaille Hariet Cohen du jeune artiste le plus talentueux. Entre 1966 et 1969, il anime le Festival de Cheltenham. Sa carrière prend un essor international considérable : en un demi-siècle, il a joué dans cinquante-six pays différents avec près de deux cents orchestres. Il se produit parfois en concerto en dirigeant lui-même du clavier. Il enseigne à l’Académie Chigiana de Sienne et, en 1989, il est nommé professeur à la Southern Methodist University de Dallas. En 1992, il reçoit le Premio Nacional de Musica, la plus haute récompense décernée en Espagne à un artiste.

Ackermann, Otto

Chef d’orchestre roumain naturalisé suisse, né à Bucarest le 18 octobre 1909, mort à Berne le 9 mars 1960.

Après avoir commencé ses études musicales au Conservatoire de Bucarest (1920- 25), il débute comme répétiteur et chef d’orchestre à l’Opéra de Bucarest (1925-26). Il poursuit sa formation à la Hochschule für Musik de Berlin (1926-28) où il travaille le piano et la direction d’orchestre avec Julius Prüwer, George Szell et Valeska Burgstaller. Il est engagé à l’Opéra de Düsseldorf comme corépétiteur et chef de ballet (1928-32), puis comme chef d’orchestre et directeur de l’Opéra de Brno (1932-35) et de l’Opéra de Berne (1935-47). Il est ensuite premier chef au Théâtre An der Wien (1947-53), directeur musical à l’Opéra de Cologne (1953-58) et à l’Opéra de Zurich (1958-59). Pendant toute sa carrière, il a mené une importante activité de chef invité, notamment à Bayreuth, Salzbourg, Vienne, Monte-Carlo, Lucerne… Au cours des années cinquante, Walter Legge avait fait appel à lui pour enregistrer notamment des opéras de Mozart et des opérettes viennoises.

Adam, Theo

Basse allemande, né à Dresde le 1er août 1926.

À dix ans, il fait partie du Dresdner Kreuzchor et acquiert une formation musicale. Instituteur après la guerre, il travaille avec Rudolf Dittrich et débute à l’Opéra de Dresde à vingt-trois ans. Knappertsbusch lui conseille de passer des emplois de basse à ceux de baryton héroïque. Il affermit sa voix et apprend le métier au théâtre. En 1953, il fait partie de la troupe de la Staatsoper de Berlin. Mais dès l’année précédente, Wieland Wagner l’engage à Bayreuth : il chante le Roi (Lohengrin), Amfortas, Hans Sachs, le Hollandais, Gurnemanz, le Voyageur et Wotan pendant vingt-huit saisons. Il apparaît en 1969 dans Le Chevalier à la rose, à Salzbourg avec Karl Böhm, et dans Les Maîtres chanteurs au Met de New York (Hans Sachs). Dès 1972, il se consacre aussi à la mise en scène : Les Noces de Figaro, Eugène Onéguine, Capriccio à Dresde, Berlin et Munich.

Sa voix de basse élevée explique la largeur de son répertoire : Verdi, Moussorgski, Berg, au total plus d’une centaine de rôles. Theo Adam passe des oratorios de Haendel à Wozzeck (Salzbourg, 1972), sans oublier Beethoven et Schubert. Il fait ses adieux à la scène en 2006 à l’Opéra de Dresde, dans le rôle de ses débuts, l’Ermite du Freischütz. Il a créé des œuvres de Friedrich Cerha (Baal, Salzbourg, 1981), Rainer Kunad (Klopstock-Ode, 1982).

ÉCRITS : Seht, hier ist Feder, Tinte. Papier… Aus der Wekrstatt eines Sängers, Hieber (Munich, 1981) ; Die Hundertste Rolle oder Ich mache einen neuen Adam, Sängerwerkstatt II, Hieber (Munich, 1986) ; Sprüche in der Oper. Erlebt und gesammelt während 50 Sängerjahren in aller Welt, Parthas (Berlin, 1999).

Adler, Kurt

Chef d’orchestre tchèque naturalisé américain, né à Neuhaus le 1er mars 1907, mort à Butler (New Jersey) le 21 septembre 1977.

À l’Académie de Vienne, il est l’élève de Ferdinand Foll (piano), Guido Adler et Robert Lach (écriture et composition). Engagé à la Staatsoper de Berlin, il est l’assistant d’Erich Kleiber (1927-29). Il dirige ensuite à l’Opéra allemand de Prague (1929-32), passe une nouvelle année à la Staatsoper de Berlin (1932) avant d’émigrer en URSS. Il est premier chef à l’Opéra de Kiev (1933-35) puis directeur de l’Orchestre philharmonique de Stalingrad (1935-37). En 1938, il se fixe aux États-Unis. Il se fait connaître comme pianiste et comme chef de chœur, dirigeant à New York une importante série de concerts consacrés à J. S. Bach (1938-43). En 1943, il est engagé comme chef assistant au Met où il est nommé chef de chœur (1945-73). À partir de 1951, il y est également chef permanent.

ÉCRITS : The Art of Accompanying and Coaching (1965) ; Phonetics and Diction in Singing (1967).

Adler, Kurt Herbert

Chef d’orchestre autrichien naturalisé américain, né à Vienne le 2 avril 1905, mort à Ross (Californie) le 9 février 1988.

Il fait ses études à l’Académie de musique puis à l’Université de Vienne. Il débute en 1925 au Théâtre Max Reinhardt puis à la Volksoper (1925-28) et à Prague (1928-37). Il assiste Toscanini à Salzbourg en 1936-37 et vient aux États-Unis en 1938 où il est engagé à l’Opéra de Chicago. Il participe aux destinées de l’Opéra de San Francisco en 1943, d’abord comme chef de chœur puis comme directeur artistique en 1953 et enfin comme directeur général (1956-81). Son activité a été marquée par le soin porté aux mises en scène et la découverte de jeunes talents.

Adler, Larry (Lawrence Adler)

Virtuose de l’harmonica américain, né à Baltimore le 10 février 1914, mort à Londres le 6 août 2001.

Il commence à jouer de l’harmonica et du piano dans différentes revues dès l’âge de treize ans. Ce n’est qu’en 1940 qu’il se décide à apprendre à lire la musique ! Il travaille avec Ernst Toch. Les compositeurs s’intéressent à lui et écrivent des œuvres pour harmonica : Milhaud (Suite pour harmonica et orchestre, 1942), Vaughan Williams (Romance, 1951), Hindemith, G. Jacob, M. Arnold (Concerto pour harmonica, 1954)…

En 1949 il quitte les États-Unis devant une campagne de presse qui le soupçonne d’activités procommunistes et se fixe en Angleterre pendant quelques années. Il est le premier virtuose de l’harmonica à avoir fait connaître son instrument dans le milieu de la musique classique.

Adni, Daniel

Pianiste israélien, né à Haïfa le 6 décembre 1951.

Il fait ses études à l’École supérieure de musique de Tel-Aviv jusqu’en 1968 et donne son premier récital à l’âge de douze ans. En 1968-69, il est l’élève de Vlado Perlemuter au Conservatoire de Paris (1er prix en 1969). Il travaille également avec Géza Anda à Zurich (1970). Il débute à Londres en 1970 et joue un an plus tard sous la direction d’Otto Klemperer. Sa carrière se développe très rapidement. En 1976, il est lauréat des Young Concert Artists International Auditions à New York et est engagé par la plupart des grands orchestres américains. En 1981, il reçoit le Prix Phillip M. Faucett. Il donne des cours d’interprétation au Japon, en Finlande et dans différentes universités américaines.

Adorján, András

Flûtiste hongrois naturalisé danois, né à Budapest le 26 septembre 1944.

Après l’insurrection de 1956, sa famille se réfugie au Danemark. Il entreprend à Copenhague des études de chirurgien-dentiste qu’il terminera, avec un diplôme d’excellence, en 1968. Parallèlement, il poursuit l’étude de la flûte, notamment avec Jean-Pierre Rampal et Aurèle Nicolet. En cette même année 1968, il remporte le Prix Jacob Gade (Danemark), et celui du Concours international de flûte à Montreux. En 1971, il obtient le 1er prix au Concours international de flûte de Paris. Il est flûte solo à l’Opéra de Stockholm (1970-72), au Gürzenich de Cologne (1972-73), au Südwestfunk de Baden-Baden (1973-74) et à la radio bavaroise à Munich (1974-88).

Au cours d’une brillante carrière de soliste international, il redécouvre et édite un Concerto pour deux flûtes de Franz Doppler qu’il enregistre avec Jean-Pierre Rampal. À partir de 1971, il enseigne à l’Académie internationale d’été de Nice. En 1988, il est nommé professeur de flûte à la Musikhochschule de Fribourg-en-Brisgau. Il a créé des œuvres d’Edison Denisov (Concert pour flûte, harpe et orchestre, avec Marielle Nordmann, 1996), Sven-Erik Werner (Ground, concerto pour flûte, déd., 1981).

Aeschbacher, Adrian

Pianiste suisse, né à Langenthal le 10 mai 1912, mort à Zurich le 9 novembre 2002.

Jusqu’à l’âge de dix-sept ans, il étudie le piano avec son père Carl. Au Conservatoire de Zurich, il a pour professeurs Emil Frey et Volkmar Andreae. Il complète sa formation à Berlin, avec Artur Schnabel. Sa carrière débute réellement en 1934, par une tournée de concerts qui le mène un peu partout en Europe. Il constitue peu à peu un répertoire essentiellement fondé sur la musique classique et romantique. Entre 1965 et 1977, il est professeur à l’Académie de musique de Sarrebruck. Il a créé de nombreuses œuvres contemporaines de compositeurs suisses tels que Arthur Honegger, Othmar Schoeck et Heinrich Sutermeister (Concertos pour piano no 1, 1944, et no 2, 1954).

Afanassiev, Vladimir

Pianiste russe naturalisé belge (1974), né à Moscou le 8 septembre 1947.

Au Conservatoire de Moscou, il est l’élève de Yakov Zak et d’Emil Guilels. Premier prix aux concours internationaux Bach de Leipzig (1969) et Reine Élisabeth de Belgique (1972), il quitte l’URSS en 1974 et s’installe à Bruxelles puis à Versailles. Sa carrière prend rapidement un essor international. Artiste totalement imprévisible, il est capable de présenter des visages radicalement différents de son art, tout en évoluant dans un répertoire relativement restreint (Mozart, Beethoven et la musique romantique allemande). Il joue régulièrement en sonate avec le violoniste Gidon Kremer. Également écrivain, il a publié La Disparition et La Chute de Babylone.

ÉCRITS : Lettres sonores, José Corti (Paris, 1995).

Afkham, David

Chef d’orchestre allemand, né à Fribourg-en-Brisgau le 20 octobre 1983.

De père iranien et de mère allemande, il commence ses études musicales à l’âge de six ans. En 1998, il entre à la Hochschule für Musik de sa ville natale où il travaille le piano avec James Avery et remporte le concours Jugend Musiziert en 2002. Puis il travaille la direction d’orchestre à Weimar avec Nicolás Pasquet (diplômé en 2007). En 2008, il remporte le 1er prix au Concours international Donatella Flick à Londres, ce qui lui permet d’être assistant de Valery Gergiev à l’Orchestre symphonique de Londres. Puis il est chef assistant de l’Orchestre des Jeunes Gustav Mahler (2010-12) et se perfectionne avec Bernard Haitink. Sa carrière se développe rapidement dans toute l’Europe et, en 2014, il devient chef permanent de l’Orchestre national d’Espagne.

Agosti, Guido

Pianiste et compositeur italien, né à Forti le 11 août 1901, mort à Milan le 2 juin 1989.

Au Conservatoire de Bologne il suit l’enseignement de Benvenuti, de Busoni et de Mugellini. Parallèlement il étudie la littérature à l’université de la ville. Il commence sa carrière en 1921 tout en se consacrant à l’enseignement : il est professeur aux conservatoires de Venise (1934-40) et de Rome (1941-45) avant d’être chargé des cours de perfectionnement à l’Académie Sainte-Cécile de Rome (1945) et à l’Académie Chigiana de Sienne (1947-63). Puis il enseigne à la Franz Liszt Hochschule de Weimar (1963-69) et à l’Académie Sibelius d’Helsinki (à partir de 1970). En 1967, il forme un trio avec le flûtiste Severino Gazzelloni et le violoncelliste Enrico Mainardi. En 1976, il est nommé vice-président de l’Académie Sainte-Cécile de Rome.

Ses compositions comptent surtout des œuvres pour clavier et voix. Il s’est aussi attaché à la transcription de nombreuses compositions pour clavier. Ernest Bloch lui a dédié sa Sonate pour piano.

Aguessy, Frédéric

Pianiste français, né à Paris le 3 avril 1956.

Jacqueline Evstigneef-Roy lui fait commencer l’étude du piano à l’âge de quatre ans. Et un an plus tard, lauréat du Concours du Royaume de la Musique, il joue pour la première fois en concert avec orchestre. En 1968, il est admis au Conservatoire de Paris où il travaille avec Monique de La Bruchollerie, Yvonne Lefébure, Pierre Barbizet, Dominique Merlet et Geneviève Joy. Il remporte des 1ers prix de piano (1973), musique de chambre (1974) et contrepoint (1981) ainsi que des prix d’harmonie (1978) et d’analyse (1979). Il remporte la médaille d’argent au Concours international de Genève, le 2e prix aux concours de Naples, Budapest et Santander (1976) avant de recevoir le 1er prix au Concours Long-Thibaud à Paris (1979).

Sa carrière se développe rapidement, dans laquelle la musique contemporaine occupe une place appréciable. Il joue notamment en Amérique du Sud et au Japon. Entre 1986 et 1990, il est professeur assistant au Conservatoire national supérieur de Paris. Il est aussi professeur au Conservatoire de Caen (1988-89) puis au Conservatoire de Rouen (1989-93). Il a créé des œuvres d’Ahmed Essyad (Le Temps rebelle pour flûte et piano, avec Pierre-Yves Artaud, 1983), Anthony Girard (Trois Études pour piano, déd., 1994), André Jolivet (Deux Mouvements pour piano, 1990), Max Pinchard (Poème-Concerto pour piano et orchestre, déd., 1991).

Ahlersmeyer, Matthieu

Baryton allemand, né à Cologne le 29 juin 1896, mort à Garmisch-Partenkirchen le 23 juillet 1979.

Il étudie dans sa ville natale avec Karl Niemann et débute à Mönchengladbach en 1929 (Wolfram). Il chante à la Kroll Oper de Berlin en 1930-31, puis à Hambourg jusqu’en 1934 et enfin à Dresde jusqu’en 1944. Après la guerre, il appartient de nouveau à l’Opéra de Hambourg de 1946 à 1973. À Dresde, il participe aux créations de La Femme silencieuse de R. Strauss (le Barbier) en 1935, et de Die Hochzeit des Jobs de Haas (Hieronymous Jobs). À Berlin, à la Staatsoper, il crée le rôle-titre du Peer Gynt de W. Egk. À Salzbourg, où il chante Almaviva en 1941, il partage la création de La Mort de Danton de G. von Einem avec Paul Schöffler en 1947. Son répertoire comporte entre autres Don Giovanni, Rigoletto, Iago, Scarpia, Sachs et Mathis.

Ahlgrimm, Isolde

Claveciniste autrichienne, née à Vienne le 31 juillet 1914, morte à Vienne le 11 octobre 1995.

Enfant, elle étudie d’abord le piano puis complète sa formation à l’Académie de Vienne où elle est l’élève de Viktor Ebenstein, Franz Schmidt et Emil von Sauer. En 1935, elle opte pour le clavecin, travaillant par elle-même les traités d’interprétation des XVIIe et XVIIIe siècles. Elle se produit à l’échelle internationale et enregistre de nombreux disques, notamment consacrés à la musique autrichienne, l’œuvre de Johann Fux par exemple. Richard Strauss écrit à son intention en 1944 une suite pour clavecin tirée de son opéra Capriccio. À partir de 1945, elle enseigne à l’Académie de Vienne en dehors des années cinquante-huit à soixante-deux où elle est professeur au Mozarteum de Salzbourg.

Ahnsjö, Claes-Håkam

Ténor suédois, né à Stockholm le 1er août 1942.

Ayant obtenu son baccalauréat, il se destine à l’enseignement, et ce n’est qu’après avoir réussi tous ses examens universitaires qu’il opte pour le chant et entre à l’École de l’Opéra de Stockholm, en 1967. Deux années plus tard, il chante Tamino (La Flûte enchantée) pour ses débuts à l’Opéra royal de Stockholm, où il est engagé comme membre permanent. En 1973, il entre dans la troupe de l’Opéra de Munich, où il tient tous les emplois du répertoire mozartien (Belmonte, Ferrando, Ottavio, Idamantes, Tamino). En 1977, l’État bavarois lui confère le titre de Kammersänger. Il poursuit une double carrière de chanteur d’opéra et de concertiste, tant en Allemagne que dans son pays d’origine et le reste de l’Europe. Les États-Unis et le Japon font bientôt appel à lui. Son répertoire comprend Ernesto (Don Pasquale), Armand (Boulevard Solitude de Henze), Des Grieux (Manon), Nicias (Thaïs), Almaviva (Le Barbier de Séville), Leukippos (Daphné), David (Les Maîtres chanteurs), le duc (Rigoletto), Tom (The Rake’s Progress), Fenton (Falstaff)… Il chante Don Ottavio à l’Opéra de Paris en 1982. Il a participé à la création de l’opéra de Krzysztof Penderecki, Ubu Rex (1991). En 2000, il prend la direction de l’Opéra royal de Stockholm.

Ahronovitch, Yuri

Chef d’orchestre russe naturalisé israélien, né à Leningrad le 13 mai 1932, mort à Cologne le 31 octobre 2002.

Après des études musicales au Conservatoire de sa ville natale, il étudie la direction avec Nathan Rakhlin et Kurt Sanderling. En 1956, il devient chef de l’Orchestre de Saratov puis de Yaroslavl, enfin de l’Orchestre symphonique de la radio de Moscou (1964). En 1972, il quitte l’URSS et se fixe en Israël dont il dirige l’Orchestre philharmonique. Dès lors il entame une carrière internationale. De 1975 à 1986, il succède à Günter Wand à la tête de l’Orchestre du Gürzenich de Cologne et, de 1982 à 1987, il est à la tête de l’Orchestre philharmonique de Stockholm.

Aïche, Philippe

Violoniste et chef d’orchestre français, né à Antony le 10 décembre 1962.

Il commence à étudier le violon à l’âge de huit ans, travaille avec Antoine Goulard au Conservatoire de Versailles puis entre, en 1979, au Conservatoire de Paris où il est l’élève de Christian Ferras et Jean Hubeau. En 1983, il remporte des 1ers prix de violon et de musique de chambre. Il se perfectionne avec Michèle Auclair, Jean Mouillère et Roland Pidoux. Lauréat des concours internationaux Tibor Varga de Sion et Lipizer (Italie), il entre à l’Orchestre de Paris en 1985 et devient premier violon solo en 1990. Il mène parallèlement une carrière de soliste et joue régulièrement au sein du Quatuor Kandinsky (avec piano) avec lequel il a été couronné aux concours internationaux de Florence et de Melbourne. En 2001, il est nommé professeur au Conservatoire à rayonnement régional de Paris et, en 2003, professeur assistant puis responsable, en 2011, de l’Orchestre des lauréats. En 2014, il est professeur de direction d’orchestre au Conservatoire national supérieur de Paris. Il joue sur un violon de Landolfi fils. Il a créé des œuvres de Marc-André Dalbavie (Trio pour piano, violon et cor, 2004), Éric Tanguy (Concerto pour violon no 2, 1997).

Aimard, Pierre-Laurent

Pianiste français, né à Lyon le 9 septembre 1957.

À l’âge de sept ans, il entre au Conservatoire de Lyon où il obtient un 1er prix de piano en 1969. Il poursuit ses études au Conservatoire de Paris avec Yvonne Loriod (piano), Geneviève Joy (musique de chambre), Jean-Claude Henry (contrepoint) et obtient des 1ers prix de piano (1972) et de musique de chambre (1973). Cette même année, il remporte le Concours international Olivier Messiaen à Royan. Il se perfectionne avec Maria Curcio à Londres et commence une carrière internationale. En 1976, il remporte un 2e prix au Concours international de Genève. La même année, il est engagé comme pianiste au sein de l’Ensemble Intercontemporain, poste qu’il conserve jusqu’en 1995. Il est alors nommé professeur de musique de chambre au Conservatoire national supérieur de Paris. À son répertoire figurent de nombreuses œuvres contemporaines de Messiaen à Boulez, de Berio à Stockhausen. Au fil des années, la musique du XIXe siècle prend davantage d’importance dans ses programmes. Il enregistre notamment les cinq concertos de Beethoven avec Nikolaus Harnoncourt. Très recherché comme partenaire de musique de chambre et comme accompagnateur, il a été notamment le partenaire de Jessye Norman, Yvonne Minton, Felicity Lott et Gabriel Bacquier. Il joue régulièrement avec sa sœur, la violoncelliste Valérie Aimard (Lyon, 1969). En 2009, il devient professeur associé au Collège de France. Il est directeur artistique du Festival d’Aldeburgh (à partir de 2009) et enseigne à la Hochschule für Musik de Cologne.

Il a créé des œuvres de Jean-Pascal Beintus (Concerto pour piano, 1998), George Benjamin (Shadowlines pour piano et orchestre, déd., 2003 ; Duet pour piano et orchestre, 2008), Harrison Birtwistle (Responses pour piano et orchestre, 2014), Peter Eötvös (CAP KO, pour piano et orchestre, 2006), György Ligeti (Études pour piano no 11, 13, 14, 15 & 18, 1993-2001), Philippe Manoury (La Partition du ciel et de l’enfer, 1989), Tristan Murail (Concerto pour piano, 2012), Johannes Maria Staud (Im Licht pour deux pianos et orchestre, 2008), Marco Stroppa (Concerto pour piano, 1996), Michel Tabachnik (Concerto pour piano, 1990).

Ajmone-Marsan, Guido

Chef d’orchestre italien naturalisé américain, né à Turin le 24 mars 1947, mort à Londres le 19 novembre 2014.

Après avoir étudié la clarinette, il travaille la direction d’orchestre à l’Eastman School of Music de Rochester (jusqu’en 1968) et à l’Accademia di Santa Cecilia de Rome (avec Franco Ferrara, 1968-71). Il suit également des cours à Salzbourg, Venise et Sienne. En 1969, il remporte le 1er prix au Concours AIDEM de Florence et la médaille d’or au Concours Guido Cantelli à la Scala de Milan. Puis il obtient le 1er prix au Concours Mitropoulos à New York (1970) et au Concours de la Fondation Rupert à Londres (1973). Il est engagé comme assistant d’André Previn auprès de l’Orchestre symphonique de Londres, puis commence une carrière internationale après avoir remporté (1973) le 1er prix au Concours Georg Solti à Chicago. En 1982, il est nommé directeur musical de l’Orchestre de l’Illinois, à Chicago. Il dirige simultanément le Gelders Orchestra à Arnhem, aux Pays-Bas (1982-86). En 1985, il est nommé directeur musical à l’Opéra d’Essen.

Akl, Walid

Pianiste libanais, né à Bikfaya le 13 juillet 1945, mort à Paris le 25 septembre 1997.

Il s’établit en France en 1963, où il fréquente l’Académie Marguerite Long, le Conservatoire et l’École Normale de Musique, travaillant avec Yvonne Lefébure, Germaine Mounier et Jacques Février. Une brillante carrière le conduit dans les principaux pays occidentaux. Il a enregistré l’intégrale des œuvres pour piano de Haydn et Borodine, ainsi que la transcription par Liszt de la Symphonie héroïque de Beethoven.

Alagna, Roberto

Ténor français, né à Clichy-sous-Bois le 7 juin 1963.

D’ascendance sicilienne, il fait ses études musicales à Paris et chante des cabarets pour gagner sa vie. Un disque de chansons paraît chez Barclay en 1985. Puis il remporte, en 1988, le Concours international Luciano Pavarotti à Philadelphie. Il débute la même année au Festival de Glyndebourne (Touring) dans Alfredo (La Traviata), rôle qu’on l’invite immédiatement à chanter sur les principales scènes européennes, notamment à la Scala de Milan (1990). En 1992, il débute à Covent Garden dans Rodolfo (La Bohème). La France le découvre en 1993 dans Roméo, au Capitole de Toulouse. L’année suivante, il aborde Faust à l’Opéra de Montpellier et reprend Roméo à l’Opéra-Comique. Il chante Rigoletto à Milan, Lucia di Lammermoor à l’Opéra-Bastille (1995), et se produit au Teatro Colón et au Met (débuts dans Rodolfo en 1996). En 1996, il incarne Don Carlos sur la scène du Châtelet, à Paris. À partir de 1998, il est invité à Orange chaque année. Parmi ses principaux rôles, Don José, Werther, Canio, Manrico (qu’il aborde en 2001), Hoffmann, Turiddu,… En 2000, il chante Cavaradossi dans la version filmée de Tosca, réalisée par Benoît Jacquot. En 2006, il crée à Montpellier l’opéra de Lalo Fiesque et un an plus tard, à l’Opéra de Marseille, Marius et Fanny de Vladimir Cosma. En 2010, il tourne dans le film de Jean-Louis Guillermou, Wagner et Lili. En 2011, il chante pour la première fois Le Cid (Massenet), en 2012 Calaf (Turandot) à Orange, en 2014 Otello, toujours à Orange. Au disque et en récital, il pratique volontiers le mélange des genres, allant du répertoire de Luis Mariano aux chants populaires siciliens. Entre 1996 et 2013, il a été marié à la soprano roumaine Angela Gheorghiu avec laquelle il s’est fréquemment produit, formant un duo légendaire. Il partage ensuite la vie de la soprano polonaise Aleksandra Kurzak (Brzeg Dolny, 7 août 1977).

ÉCRITS : Je ne suis pas le fruit du hasard, Grasset (Paris, 2007).

Alain, Marie-Claire

Organiste française, née à Saint-Germain-en-Laye le 10 août 1926, morte au Pecq le 26 février 2013.

Fille du compositeur Albert Alain et sœur de Jehan et Olivier Alain, elle fait ses études au Conservatoire de Paris où elle remporte de nombreux prix. Elle y est notamment l’élève d’Yves Nat, Marcel Dupré et Maurice Duruflé. En 1950, elle remporte un 2e prix au Concours international de Genève. Elle se perfectionne avec Gaston Litaize et André Marchal. Ses tournées de récitals la mènent dans le monde entier, où elle passe pour être l’une des plus grandes interprètes de Bach.

Pédagogue très recherchée, elle fonde ses cours – comme ses interprétations d’ailleurs – sur des études musicologiques approfondies, pas uniquement dans le domaine de la littérature organistique mais, d’une manière générale, dans l’exécution de la musique ancienne, française ou étrangère.

Marie-Claire Alain, que les Américains surnomment « The First Lady of the Organ », docteur honoris causa des universités du Colorado et du Texas, reste très attachée à l’orgue classique, sans pour autant mépriser l’orgue néoclassique. Mais elle se consacre aussi volontiers au répertoire romantique (notamment Franck ou Widor) et à la musique de son frère Jehan Alain qu’elle fait connaître dans le monde entier. Après deux enregistrements intégraux de l’œuvre pour orgue de Jean-Sébastien Bach (1958-68, puis 1978, plus sélectif), elle entreprend un nouveau cycle consacré aux pièces majeures du cantor pour tenir compte de l’évolution de l’interprétation, de l’édition et des progrès réalisés dans le domaine de la restauration des orgues anciens. Au total, elle enregistre plus de 260 disques vendus à plus de quatre millions d’exemplaires. Professeur au Conservatoire national de région de Rueil Malmaison (1978-94) puis à celui de Paris (1994-2000), elle enseigne dans de nombreuses académies du monde entier, notamment à Haarlem et à Saint-Donat, festival qu’elle a fondé elle-même. Parmi les organistes qui ont travaillé avec elle figurent Anton Heiller, Gustav Leonhardt, Luigi Ferdinando Tagliavini, Daniel Roth, Jacques Taddei, George C. Baker, Edward Higginbottom, Charles Benbow, Yves Devernay, Gillian Weir, Peirre Perdigon, Kei Koito. Elle continue à se produire en public jusqu’en 2010.

Elle est dédicataire d’œuvres de Charles Chaynes (Concerto pour orgue, 1966), Jean Langlais (Poem of Life, 1965 ; Esquisse romane, op. 186 no 1, 1975), Gaston Litaize (Diapason, 1990).

Alarie, Pierrette

Soprano canadienne, née à Montréal le 9 novembre 1921, morte à Vancouver le 10 juillet 2011.

Elle commence ses études vocales avec Jeanne Maubourg, Albert Roberval et Salvator Issaurel (1938-43). Puis elle travaille au Curtis Institute de Philadelphie avec Elisabeth Schumann (1943-46). Après avoir fait ses débuts scéniques à Montréal dans Barberine, sous la direction de Sir Thomas Beecham (1943), elle est invitée au Metropolitan Opera de New York en 1945 pour chanter Oscar dans Un bal masqué sous la direction de Bruno Walter. Elle y revient, en 1946, pour Les Contes d’Hoffmann (Olympia) et L’Enlèvement au sérail (Blonde). La même année, elle épouse le ténor Léopold Simoneau. Tous deux chantent régulièrement à l’Opéra-Comique (à partir de 1950) : Le Barbier de Séville, Lakmé, Les Pêcheurs de perles, Les Indes galantes, Les Fêtes d’Hébé. En 1951, elle débute au Festival de Glyndebourne dans Don Giovanni (Zerline). La même année, elle est invitée à Aix-en-Provence (Le Mariage secret). Elle y chante Zerline en 1952 et se produit dès lors sur les principales scènes françaises. Elle paraît également à l’Opéra de Vienne, à Salzbourg et à la Scala de Milan. En Amérique du Nord, elle chante à Montréal et à Toronto. Elle donne la première nord-américaine de La Voix humaine en 1959. Elle se retire en 1966 et continue à chanter au concert jusqu’en 1970. Elle se consacre alors à l’enseignement. Soprano léger à la sonorité très fine qui gagnait à s’exprimer dans des nuances délicates, sa voix s’adaptait particulièrement bien à un petit nombre de rôles autour desquels elle a construit sa carrière (Juliette, Mireille, Micaëla, Rosine, Lakmé, Leïla…).

Albanese, Licia

Soprano italienne naturalisée américaine (1945), née à Bari le 22 juillet 1909, morte à New York le 15 août 2014.

Elle étudie d’abord au Conservatoire de Bari, puis avec Giuseppina Baldassare-Tedeschi avant de débuter au Théâtre municipal de Bari (sous le nom d’Alicia Albanese) comme Mimi, dans La Bohème. Son talent s’affirme déjà, en 1935, au Festival des Arènes de Vérone, un peu plus tard à la Scala de Milan, où elle est surtout présentée comme la partenaire de Benjamino Gigli.

Après une grande carrière en Italie, le Met l’appelle et elle y débute en 1940 dans Madame Butterfly. Elle y connaîtra deux ans plus tard son plus grand succès, comme Traviata. Elle restera plus de vingt ans pensionnaire du Met, tout en étant invitée en Europe et en Amérique. En 1951, elle chante à nouveau Madame Butterfly à la Scala de Milan. Soprano lyrique à l’intense musicalité, elle connaîtra ses plus grands succès dans les grands rôles de Puccini et de Verdi qu’elle enregistre sous la direction de Toscanini.

Albani, dame Emma (Marie-Louise Cécile Emma Lajeunesse)

Soprano canadienne, née à Chambly (Québec) le 1er novembre 1847, morte à Kensington (Londres) le 3 avril 1930.

Ses parents sont tous deux musiciens, ce qui explique la carrière précoce de l’enfant qui, à neuf ans, fait sa première apparition publique comme pianiste et chanteuse, au Mechanics’ Hall de Montréal. La famille ayant émigré aux États-Unis, Emma est engagée comme soliste, organiste puis chef de chorale à l’église Saint-Joseph d’Albany (New York). L’évêque d’Albany réunit les fonds nécessaires pour qu’elle se rende en Europe. À Paris, elle étudie avec Duprez (1868), puis à Milan avec Lamberti (1869). Elle débute, en 1870, à l’Opéra de Messine, comme Amina de La Somnambule. Elle remporte des triomphes à Florence et à Malte dans Le Barbier de Séville, Martha, Robert le diable, L’Africaine et Lucia di Lammermoor. En 1871, elle travaille Mignon à Paris avec Ambroise Thomas et triomphe dans cet opéra à Florence. En 1872, elle débute à Covent Garden dans La Somnambule. On la compare à la Patti. Elle chantera sur cette scène presque chaque saison, jusqu’en 1896. En 1873, elle triomphe à Moscou et à Saint-Pétersbourg, et chante à Londres pour la reine Victoria, dont elle devient l’amie et la confidente. Elle se rend aux États-Unis où elle aborde pour la première fois le répertoire wagnérien (Lohengrin, puis Tannhäuser en 1876 à Nice). En 1877, elle triomphe au Théâtre-Italien de Paris. En 1878, elle revient à Paris pour y aborder La Traviata et créer Alma l’incantatrice que Flotow a composé pour elle. La même année, elle épouse à Londres Ernest Gye, le fils du directeur de Covent Garden qui succède à son père peu après. En 1880, après de beaux débuts à la Monnaie de Bruxelles, elle est engagée à la Scala de Milan où elle connaît le seul échec de sa carrière. Deux ans plus tard, elle crée Rédemption de Gounod, sous la direction du compositeur. Il écrit ensuite pour elle l’oratorio Mors et Vita qu’elle crée au Festival de Birmingham, en 1885. La même année, sous la direction de Dvořák, elle chante La Fiancée du fantôme, en 1886 elle chante à Londres en présence de Liszt son oratorio Sainte Élisabeth. À Berlin, elle chante Lohengrin et Le Vaisseau fantôme en allemand (1887). Elle effectue des tournées dans toute l’Europe, retourne de nombreuses fois en Amérique du Nord, au Canada et aux États-Unis où elle est engagée au Metropolitan Opera : elle y chantera pour la première fois Donna Anna de Don Giovanni (1893). Elle quitte la scène en 1896 mais continue à chanter en oratorio jusqu’à ses adieux définitifs en 1911. Elle se consacre alors à l’enseignement.

ÉCRITS : 40 Years of Song (« 40 ans de chant »), autobiographie (1911).

Albert, Eugen D’

Voir à D’Albert, Eugen.

Alberth, Rudolph

Chef d’orchestre allemand, né à Francfort le 25 mars 1918, mort à Munich le 29 mai 1992.

Il fait ses études musicales au Conservatoire de sa ville natale puis occupe successivement des postes de chef d’orchestre à Francfort (1945) (Hessischer Rundfunk), Baden-Baden (1948) (SWF) et Munich (radio bavaroise) jusqu’en 1964, date à laquelle il devient chef de l’Orchestre philharmonique de Basse-Saxe à Hanovre. Il dirige pour la première fois à Paris l’Orchestre national en 1954 (Turangalîla-Symphonie de Messiaen). Il a assuré un grand nombre de premières mondiales dans le cadre des concerts du Domaine Musical et à la tête des différents orchestres des radios allemandes. Habitué des jurys de concours internationaux, il a siégé notamment à Besançon à partir de 1968. Il est également compositeur. Il a créé des œuvres d’Olivier Messiaen (Oiseaux exotiques, 1956), Egon Wellesz (Vision, op. 99, 1972).

Albin, Roger

Violoncelliste et chef d’orchestre français, né à Beausoleil le 30 septembre 1920, mort à Strasbourg le 1er juin 2001.

À six ans, il commence le violoncelle avec Umberto Benedetti à Monte-Carlo. Il perfectionne son instrument au Conservatoire de Paris (classe de Bazelaire, 1er prix en 1936) ainsi que l’écriture (Noël Gallon), la composition (Büsser, Milhaud) et l’analyse (Messiaen). Il débute comme violoncelliste à Monte-Carlo puis à l’Opéra de Paris et à la Société des Concerts du Conservatoire. De 1949 à 1957, il fait duo avec le pianiste Claude Helffer et entame une carrière de chef d’orchestre, conseillé par Roger Désormière, Carl Schuricht et Hans Rosbaud. Il débute en 1957 comme chef des chœurs de l’Opéra-Comique puis fait carrière en province à Nancy (1960), à Toulouse (1962) et surtout à la tête de l’Orchestre de la radio de Strasbourg (1966-75) où il crée un grand nombre d’ouvrages contemporains. À la dissolution de cet orchestre, lors de l’éclatement de l’ORTF (1975), il reprend son violoncelle en tant que membre de l’Orchestre national de France de 1978 à 1981, et comme membre du Sextuor à cordes de l’ONF. Il est ensuite professeur de musique de chambre au Conservatoire de Strasbourg (1981-87). Il est également compositeur. Il a créé des œuvres d’André Boucourechliev (Faces, 1972), Philippe Capdenat (Le Silence de l’oiseau et de la paix, 1976), Ivo Malec (GAM(m)Es, 1971), Henri Martelli (Rapsodie pour violoncelle, 1967), Tolia Nikiprowetzky (La Fête et les Masques, opéra, 1973).

Albrecht, George Alexander

Chef d’orchestre allemand, né à Brême le 15 février 1935.

Il se consacre d’abord à l’étude du violon, du piano et de la composition (1942-54). De 1948 à 1956, il est premier violon de l’Orchestre de chambre Hermann Grevesmühl. Ses débuts de chef d’orchestre remontent à 1949. En 1954, il obtient le prix d’excellence de l’Académie Chigiana de Sienne. De 1958 à 1961 il est premier chef à l’Opéra de Brême avant d’occuper le même poste à l’Opéra de Hanovre (1961-65). Entre 1965 et 1992, il occupe les fonctions de directeur général de la musique à l’Opéra de Hanovre et de professeur au conservatoire de cette ville. Il mène parallèlement une carrière de chef invité qui lui permet de diriger, entre autres, la Staatskapelle de Dresde et l’Orchestre philharmonique de Berlin. Entre 1992 et 1996, il est à la tête de la Philharmonia Hungarica (Marl) puis directeur général de la musique de l’Opéra de Weimar et chef permanent de la Staatskapelle de cette ville (1996-2002). Il a créé des œuvres de Wilhelm Killmayer (Symphonie no 1, 1971), Michael Obst (Caroline, opéra, 1999), Wolfgang Rihm (Symphonie no 1, 1984), Manfred Trojahn (Berceuse, 1980), Isang Yun (Silla, légende pour orchestre, 1992).

ÉCRITS : Die Symphonien von Gustav Mahler. Eine Einführung, Verlag C. W. Niemeyer (Hameln, 1992).

Albrecht, Gerd

Chef d’orchestre allemand, né à Essen le 19 juillet 1935, mort à Berlin le 2 février 2014.

Fils du musicologue allemand Hans Albrecht (1902-61). Après des études à Kiel et à Hambourg, il gagne le prix de Besançon (1957) puis celui d’Hilversum (1958). Il occupe successivement les postes de chef assistant à l’Opéra de Stuttgart (1958-61) et de premier chef à l’Opéra de Mayence (1961-63), à l’Opéra de Lübeck (1963-66) et à l’Opéra de Kassel (1966-72). De 1972 à 1974, il est directeur musical à la Deutsche Oper de Berlin. Ensuite, il est à la tête de l’Orchestre de la Tonhalle de Zurich (1975-81). Il est amené à diriger dans les principaux théâtres lyriques et est nommé directeur général de la musique à l’Opéra de Hambourg en 1988. En 1990, il reçoit le titre de professeur. Entre 1994 et 1996, il est directeur musical de la Philharmonie tchèque, à Prague. Entre 1998 et 2004, il est directeur musical de l’Orchestre symphonique de la radio danoise, à Copenhague. Entre 1998 et 2007, il est en outre principal chef d’orchestre du Yomiuri Nippon Symphony Orchestra, à Tokyo.

Il a créé des œuvres de Harrison Birtwistle (Machaut à ma manière, 1990), Boris Blacher (Rondo pour orchestre, 2002), Hans-Jürgen von Bose (Labyrinth I, 1987 ; Love after Love, 1991), Petr Eben (Improperia, 1995), Wolfgang Fortner (Elisabeth Tudor, 1972), Bernd Franke (Approaching Mahler, 2005), Sofia Goubaïdoulina (Stufen, première version, 1972), Hans Werner Henze (Telemanniana, 1967 ; Barcarola, 1980 ; Sieben Boleros, 2000 ; Appassionatamente plus, 2003), Paul Hindemith (Lustige Sinfonietta, 1980), Klaus Huber, Maki Ishii (Illusion and Death, 2003), Milko Kelemen, Volker David Kirchner (Requiem-Messa di pace, 1990 ; Hortus magicus, 1994), Helmut Lachenmann (Tableau, 1989), Rolf Liebermann (Medea, 1990 ; Freispruch für Medea, opéra, 1995 ; Enigma pour grand orchestre, 1995), György Ligeti (Requiem, 1965), Misato Mochizuki (Météorites, 2002), Detlev Müller-Siemens (Maïastra, 1997), Aribert Reimann (Variationen, 1976 ; Lear, opéra, 1978 ; Troades, 1986 ; Ein apokalyptisches Fragment, 1987 ; Sieben Fragmente, 1988), Wolfgang Rihm (Umriβ, 1986 ; Symphonie fleuve, 1995), Peter Ruzicka (Fünf Bruchstücke, 1988 ; Metamorphosen über ein Klangbild von Joseph Haydn, 1990), Alfred Schnittke (Sinfonisches Vorspiel, 1994 ; Idée fixe, 1995 ; Historia von D. Johann Fausten, opéra, 1995), Erwin Schulhoff (Menscheit, 1999), Wolfgang von Schweinitz (Messe, op. 21, 1981), Manfred Trojahn (Symphonie no 4, 1992), Viktor Ullmann (Die Weise von Liebe und Tod des Cornets Christoph Rilke, 1995 ; Don Quixote tanzt Fandango, ouverture, 1995), Ruth Zechlin (Stufe für Orchester, 1993).

ÉCRITS : Wie eine Opernaufführung zustande kommt (Zurich, 1988).

Albrecht, Marc

Chef d’orchestre allemand, né à Hanovre le 15 mars 1964.

Fils du chef d’orchestre George Alexander Albrecht, il fait ses études à Hanovre et à Vienne. Lauréat des concours internationaux de Salzbourg et de Berlin (Prix Ferenc Fricsay), il est nommé assistant à l’Opéra de Hambourg puis à celui de Dresde. Claudio Abbado l’appelle à ses côtés comme assistant à l’Orchestre des Jeunes Gustav Mahler. Puis il devient directeur musical de l’Opéra de Darmstadt (1995-2001). Entre 2001 et 2004, il est principal chef invité à la Deutsche Oper de Berlin. Il s’affirme dans le domaine lyrique et est invité dans les principales maisons d’opéra allemandes. Il débute à l’Opéra national de Paris en 2002 puis à Bayreuth (Le Vaisseau fantôme) et à Salzbourg en 2003. Entre 2006 et 2011, il est directeur musical de l’Orchestre philharmonique de Strasbourg. En 2011, il devient directeur musical de l’Opéra néerlandais et de l’Orchestre philharmonique néerlandais à Amsterdam. En 2012, il fait ses débuts à la Scala de Milan. Il a créé des œuvres de Matthias Pintscher (Thomas Chatterton, opéra, 1998).

Aldulescu, Radu

Violoncelliste roumain, né à Piteasca-Pasares le 17 septembre 1922, mort à Nice le 19 mars 2006.

Il fait ses études musicales au Conservatoire de Bucarest, où il est notamment l’élève du grand Dinicu. Il débute à la radio de Bucarest en 1941 et commence sa carrière de soliste en 1943. Il remporte de nombreux prix aux concours internationaux de Genève (1946), Prague (1950) et Berlin (1951). Il est nommé soliste d’État auprès de la Philharmonie Georges Enesco de Bucarest et développe une importante carrière internationale. À partir de 1964, il est l’assistant de Gaspar Cassadó à Saint-Jacques-de-Compostelle. En 1969, il quitte la Roumanie pour l’Italie et se produit régulièrement à l’Académie Sainte-Cécile de Rome. Il donne des concerts de musique de chambre avec Yehudi Menuhin, Wolfgang Schneiderhan, Sándor Végh, Mstislav Rostropovitch… Il enseigne aux conservatoires de Bâle, de Maastricht, à l’Académie internationale Yehudi Menuhin de Gstaad, et donne des cours de perfectionnement dans le monde entier. En 1972, il forme avec Salvatore Accardo et Luigi Bianchi le Trio d’archi di Roma. Il joue régulièrement en sonate avec Carlo Zecchi. En 1995, il est nommé professeur de violoncelle au Conservatoire européen de musique de Paris. Il dirige également le Centre d’études musicales et le cours international d’interprétation musicale de Torroella de Montgrí, en Espagne. Ses principaux instruments ont été un Ferdinando Gagliano (Naples, 1775) et un Antonio Guadagnini (Turin, 1864). Il a créé des œuvres d’Antoni Besses (3 Contrastes pour violoncelle seul, 1988), Jordi Cervellò (Sonate pour violoncelle seul à la mémoire de Pablo Casals, 1988), Ludovic Feldman (Sonata concertante pour violoncelle et orchestre, 1962), Martin Goleminov (Concerto pour violoncelle, 1961).

Aler, John

Ténor américain, né à Baltimore le 4 octobre 1949.

Après avoir été soprano dans les chœurs de son église, il suit les cours de l’Université catholique de Washington et étudie à la Juilliard School of Music de New York. Il débute sa carrière en France au Festival d’Aix-en-Provence (Les Boréades) en 1982 et y revient pour La Finta Giardiniera. À Paris, il chante dans La Cenerentola au Châtelet (1986). Spécialiste du chant mozartien et du bel canto italien du XIXe siècle, il ne dédaigne pas le répertoire léger français de la même époque, ainsi que l’opérette offenbachienne. Il s’est produit sur de nombreuses scènes américaines (New York City Opera, San Diego, Saint Louis, Santa Fe, Baltimore, Washington) ainsi qu’à Toronto. En Europe, il chante à Covent Garden (Anna Bolena avec Sutherland), à la Monnaie de Bruxelles, à Lyon, Glyndebourne, Genève, Vienne, Munich et Hambourg. Il débute au Festival de Salzbourg en 1988 (Don Ottavio).

Alessandrini, Rinaldo

Chef d’orchestre, claveciniste et organiste italien, né à Rome le 25 janvier 1960.

Après des études de piano et d’orgue, il se consacre à la musique des XVIIe et XVIIIe siècles à l’âge de dix-huit ans. Il reçoit les conseils de Ton Koopman. En 1984, il fonde l’ensemble Concerto italiano qui donne son premier concert à Rome. Il se consacre dans un premier temps à l’opéra et à la musique religieuse baroque, principalement au répertoire italien, avant d’étendre son répertoire à la musique instrumentale. À partir de la fin des années quatre-vingt-dix, il mène une carrière de chef invité dans les grandes maisons d’opéra où il est sollicité pour des productions d’opéras de Haendel, Monteverdi, Vivaldi, Mozart, etc. En 2004, il est nommé Accademico della Filarmonica Romana. Il a créé des œuvres de Paolo Arcà (Tutto il di piango, 2004), Michele dall’Ongaro (Ohime’ il bel viso, 2004).

ÉCRITS : Monteverdi, Actes Sud (Arles, 2004).

Alexanian, Diran

Violoncelliste arménien, né à Constantinople le 2 avril 1879, mort à Chamonix le 27 juin 1954.

Il est l’élève de Grützmacher qui le présente à Brahms et à Joachim avec lesquels il fait de la musique de chambre. Il commence sa carrière à l’âge de dix-sept ans. En 1901, il vient à Paris, où il enseigne plus tard à l’École Normale de Musique (1921-37). Il s’installe ensuite aux États-Unis. Remarquable pédagogue, il a été le maître de nombreux violoncellistes, notamment Maurice Eisenberg, Adolfo Odnoposoff et Antonio Janigro. Avec Casals, il a édité un Traité théorique et pratique du violoncelle (1922). Il a également réalisé une édition critique des suites pour violoncelle seul de Bach (1929). Il a créé des œuvres de Georges Enesco (Sonate pour violoncelle et piano no 2, avec le compositeur, 1936), Arthur Honegger (Sonate pour violoncelle et piano, 1921).

Alexeev, Dmitri

Pianiste russe, né à Moscou le 10 août 1947.

Il fait ses études au Conservatoire de Moscou dont il sort à l’âge de dix-huit ans. Puis il se perfectionne avec Dmitri Bachkirov. En 1969, il remporte le 2e prix au Concours international Marguerite Long-Jacques Thibaud à Paris. L’année suivante, il obtient le 1er prix au Concours international Georges Enesco à Bucarest, en 1974 au Concours Tchaïkovski à Moscou et, en 1975, au Concours de Leeds. Sa carrière commence alors à se développer en Europe occidentale. En 1976, il fait ses débuts aux États-Unis, à Chicago, sous la direction de Carlo Maria Giulini, dix ans plus tard à l’Orchestre philharmonique de Berlin et au Concertgebouw d’Amsterdam. Il joue souvent en duo avec sa femme, la pianiste Tatiana Sarkissova, et il accompagne également Barbara Hendricks.

Alix, René

Chef de chœur, organiste et compositeur français, né à Sotteville-lès-Rouen le 14 septembre 1907, mort à Paris le 30 décembre 1966.

Élève de Lanquetuit, Caussade et Bertelin, René Alix commence sa carrière comme organiste en l’église Saint-Michel du Havre, où il reste de 1929 à 1939. Après la guerre, en 1945, il est nommé directeur des chœurs de la RTF et, en 1954, codirecteur de l’École César Franck. Comme compositeur, il laisse des mélodies, des pages pour orgue, pour piano, plusieurs motets, des messes, un quatuor à cordes, un oratorio : Les Saintes Heures de Jeanne d’Arc (1954), des poèmes symphoniques (dont Les Revenants, Danses et Confidences) ; il nous laisse également une Grammaire musicale du plus haut intérêt. Il a créé des œuvres d’Alfred Desenclos (Requiem, 1965), Georges Migot (L’Annonciation, 1946 ; Saint-Germain d’Auxerre, 1948 ; La Passion, 1957).

Allard, Maurice

Bassoniste français, né à Sin-le-Noble le 25 mai 1923, mort à Lunel (Hérault) le 5 mai 2004.

Son oncle a été premier basson, pendant vingt-cinq ans, à l’Orchestre symphonique de Boston. Après un 1er prix de basson au Conservatoire de Paris en 1940, il est premier soliste des Concerts Lamoureux et des Concerts Oubradous en 1942. Puis il remporte le 1er prix du Concours international de Genève (1949). Cette même année, il entre à l’Orchestre de l’Opéra de Paris. Entre 1957 et 1988, il est professeur au Conservatoire national supérieur de Paris. Président-fondateur de l’association Les Amis du basson français, il joue un rôle déterminant pour défendre la facture nationale de son instrument lorsque le Fagott allemand commence à s’imposer dans les orchestres français. Il a créé des œuvres de Charles Brown, Ida Gotkowsky, André Jolivet (Concerto pour basson, 1954), Marcel Landowski (Concerto pour basson, 1958), Henri Martelli (Sonate pour basson et piano, avec Henriette Puig-Roget, 1946 ; 15 Études pour basson, 1956), Marcel Mihalovici (Sonate pour basson et piano, avec Henriette Puig-Roget, 1959), Jean Rivier (Concerto pour basson, 1964), Antoine Tisné et Henri Tomasi (Concerto pour basson, déd., 1961).

Alldis, John

Chef de chœur anglais, né à Londres le 10 août 1929, mort à Londres le 20 décembre 2010.

Il fait ses études musicales au King’s College de Cambridge avec Boris Ord (1949-52) avant de se spécialiser dans la direction chorale dont il devient vite l’un des chefs de file de l’école britannique. En 1962, il crée le John Alldis Choir à Londres, un ensemble professionnel de seize chanteurs qui aborde aussi bien le répertoire contemporain que les grands ouvrages lyriques et qui peut se flatter d’avoir compté en ses rangs des chanteurs comme Philip Langridge, Ian Partridge ou John Shirley-Quirk. C’est ce même chœur qui crée et enregistre en 1970 l’album des Pink Floyd Atom Heart Mother. Il dirige également le London Symphony Chorus (1966-69) dont il est le fondateur et, de 1969 à 1982, le London Philharmonic Choir avec lequel il obtient en 1974 le prix de la meilleure manifestation chorale de l’année. Entre 1966 et 1977, il enseigne à la Guildhall School of Music de Londres. Puis il est à la tête du Chœur de la radio danoise (1972-77). Il dirige ensuite le Groupe vocal de France (1979-83). Puis il dirige l’American Choral Symposium à Manhattan, dans le Kansas (1978-87). Entre 1985 et 1998, il est chef invité permanent du Chœur de chambre néerlandais. Il est ensuite directeur musical des Cameran Singers en Israël (1989-90), chef invité du Tokyo Philharmonic Chorus et de la Central Philharmonic Society of China à Pékin (1989-97). Entre 1971 et 2004, il dirige en outre le Wimbledon Symphony Orchestra. Il a créé des œuvres de Hans Werner Henze (Orpheus Behind the Wire, 1985), Emmanuel Nunes (Minnesang, 1981).

Allemandi, Antonello

Chef d’orchestre italien, né à Milan le 20 mars 1957.

Au Conservatoire de Milan, il reçoit une formation de pianiste, de chef d’orchestre (avec Gianluigi Gelmetti) et de compositeur. Il travaille ensuite avec Franco Ferrara à Rome avant de se perfectionner au Mozarteum de Salzbourg et à Tanglewood avec Leonard Bernstein et Seiji Ozawa. Il débute en dirigeant la création d’Actus III d’Azio Corghi au Mai musical florentin. Claudio Abbado l’engage comme assistant pour différents ouvrages à la Scala où il dirige à ses côtés Prometeo de Luigi Nono en 1985. Il est aussitôt invité par les principaux orchestres et théâtres lyriques italiens et dirige régulièrement en France. Entre 1992 et 1997, il est directeur musical de l’Orchestre Colonne à Paris. Il a créé des œuvres d’Azio Corghi (Actus III, 1978).

Allen, sir Thomas

Baryton anglais, né à Seaham Harbour (Durham) le 10 septembre 1944.

Après des études de chant et d’orgue au Royal College of Music de Londres (1964-68), il débute dans les chœurs du Festival de Glyndebourne, puis au Welsh National Opera en 1969 (Figaro du Barbier de Séville). En 1971, il chante à Covent Garden (Donald de Billy Budd) et en rejoint la troupe l’année suivante. En 1973, il paraît à Glyndebourne en tant que soliste (Papageno), débute à la Scala de Milan en 1976 et à l’Opéra de Paris en 1982 (Ford).

À son répertoire, on trouve les barytons mozartiens (le Comte, Figaro, Guglielmo, Don Giovanni, Papageno), mais aussi Belcore (L’Élixir d’amour), Marcello (La Bohème), Valentin (Faust), Pelléas, Oreste (Gluck). Son rôle le plus marquant reste celui de Don Giovanni qu’il chante notamment à Glyndebourne en 1982, à Munich en 1986 et à la Scala de Milan en 1987.

Il participe à la création mondiale de The Voice of Ariadne de Thea Musgrave au Festival d’Aldeburgh en 1974 (Valerio) et à celle du Retour d’Ulysse dans sa patrie de Monteverdi-Henze au Festival de Salzbourg en 1985. Il a également créé des œuvres de John Casken (Still Mine, 1992).

Allers, Franz

Chef d’orchestre tchécoslovaque naturalisé américain, né à Carlsbad le 6 août 1905, mort à Las Vegas le 26 janvier 1995.

Au Conservatoire de Prague, il étudie le violon avec J. Mařák puis à Berlin avec Havemann. Il travaille également la direction d’orchestre avec Prüwer. Pendant un an, il est violoniste à l’Orchestre philharmonique de Berlin. Mais il commence à diriger les principaux orchestres allemands. L’été, il est assistant à Bayreuth. Chef permanent à l’Opéra de Wuppertal (1926-33), il devient directeur général de la musique à Aussig (1933-38). Il émigre en 1938 et dirige les Ballets russes de Monte-Carlo : tournées en Amérique du Sud, au Canada, en Angleterre jusqu’en 1945. Fixé aux États-Unis, il dirige à Broadway et pour la télévision. Il se produit à nouveau en Europe en 1954. À partir de 1963, il est invité régulièrement au Met. De 1973 à 1977, il est directeur général de la musique au Théâtre de Gärtnerplatz à Munich. Puis il reprend sa carrière de chef invité, effectuant notamment deux tournées avec le Niederösterreichisches Tonkünstler Orchester de Vienne en 1978 et 1980.

Alliot-Lugaz, Colette

Soprano française, née à Notre-Dame-
de-Bellecombe le 20 juillet 1947.

Dès ses quinze ans elle aborde l’étude du chant à Bonneville. Elle se perfectionne ensuite à Genève avec Magda Fonay-Besson. Elle achève sa formation au Centre Lyrique de Genève et à l’Opéra-Studio de Paris sous la direction de René Koster et Vera Rosza. Elle obtient un 1er prix de chant et un 1er prix Mozart au Concours international de l’UFAM, ainsi qu’une médaille d’or d’art lyrique au Conservatoire de Lyon. Elle est révélée au public dans Pamina (La Flûte enchantée, que produit l’Opéra-Studio). Tout en gardant une particulière tendresse pour Mozart (Pamina, Chérubin, Zerline), elle élargit intelligemment son répertoire à des œuvres de Messager (Véronique), Rossini (Rosine), Monteverdi, Haydn, Rameau, Weber (Ännchen). On la remarque dans le rôle de Mélisande à l’Opéra de Lyon (1980), et elle voit s’ouvrir devant elle une carrière internationale autour de ce rôle fétiche. Elle chante à l’Opéra de Paris, à la Monnaie de Bruxelles (où elle crée La Passion de Gilles de Philippe Boesmans en 1983), aux Festivals d’Aix-en-Provence, Glyndebourne et Salzbourg. Elle débute à New York, à Carnegie Hall, dans Mignon d’Ambroise Thomas (1984), puis à la Scala de Milan dans Le Martyre de saint Sébastien (1986). Son répertoire va de Monteverdi (Le Retour d’Ulysse, Le Couronnement de Poppée, Orfeo), à Berio (Opera), avec une nette prédilection pour les ouvrages français (David et Jonathas de Marc-Antoine Charpentier, L’Étoile de Chabrier, Les Troyens à la Bastille en 1990, Alceste de Lully au Théâtre des Champs-Élysées en 1991). Elle incarne aussi Chérubin et la Comtesse des Noces de Figaro.

Almeida, Antonio de

Chef d’orchestre français, né à Neuilly-sur-Seine le 20 janvier 1928, mort à Pittsburgh le 17 février 1997.

De père portugais et de mère américaine, c’est en Argentine qu’il fait ses études musicales avec Alberto Ginastera (théorie et composition) et Washington Castro (violoncelle). Il est également diplômé de l’Université de Yale où il étudie notamment avec Paul Hindemith. À Tanglewood, il travaille deux saisons avec Serge Koussevitzky puis avec George Szell. En 1945, fondateur du MIT Symphony à Boston et, en 1947, de l’Orchestre de chambre de New Haven, on le retrouve au Mexique puis directeur du département d’opéra de l’Université occidentale de Los Angeles (1953). Il dirige l’Orchestre symphonique de la radio de Lisbonne (1957-60), l’Orchestre philharmonique de Stuttgart (1963-64), puis il est nommé à l’Opéra de Paris (1965-67) avant d’être premier chef invité de l’Orchestre symphonique de Houston (1969-71). De 1976 à 1978, il est directeur général de la musique à Nice. En 1993, il est nommé directeur musical de l’Orchestre symphonique de Moscou. Sa carrière le révèle comme un ardent défenseur de la musique française. Il a également édité l’intégrale des symphonies de Boccherini et réalisé un catalogue thématique de l’œuvre de Jacques Offenbach. Il a créé l’Éloge de la folie (1966) et Chaconne et Marche militaire (1968) de Marius Constant.

Alonso, Odón

Chef d’orchestre espagnol, né à La Bañeza (León) le 28 février 1925, mort à Madrid le 21 février 2011.

Il fait ses études musicales au Conservatoire de Madrid et à l’Université des lettres et de philosophie. Il travaille également à Sienne, puis à Vienne. En 1952, il est nommé directeur des Solistes de Madrid, ensemble spécialisé dans les œuvres de la Renaissance et de l’époque baroque. En 1956-57 il est directeur du Théâtre de la Zarzuela à l’occasion de sa réouverture officielle. À partir de 1960, il devient directeur de l’Orchestre philharmonique de Madrid. Il dirige alors sur un plan international à la Volksoper de Vienne, au City Center de New York, au Liceo de Barcelone et au Festival d’opéra de Madrid. Entre 1968 et 1984, il est directeur musical de l’Orchestre symphonique de la radio-télévision espagnole. Il est ensuite nommé directeur musical de l’Orchestre symphonique de Porto Rico (1986-92) et du Festival Casals. Il est également principal chef invité de l’Orquesta Ciudad de Málaga.

Alsop, Marin

Chef d’orchestre américaine, née à New York le 16 octobre 1956.

Violoniste de formation, elle fait ses études à l’Université de Yale et à la Juilliard School of Music de New York (diplômes en 1977 et 1978), puis à Tanglewood où elle travaille avec Leonard Bernstein, Seiji Ozawa et Gustav Meier. Elle y remporte le Prix Koussevitzky en 1989 puis le Concours international Stokowski à New York. Dès 1984, elle a fondé l’ensemble de chambre Concordia avec lequel elle joue des œuvres de compositeurs américains, souvent en première audition. En 1992, elle est nommée à la direction musicale du Cabrillo Music Festival, en Californie, et de l’Oregon Festival of American Music. Elle dirige l’Orchestre symphonique d’Eugene, dans l’Oregon (1989-96), l’Orchestre philharmonique de Long Island (1990-96). Entre 1993 et 2003, elle est directrice musicale de l’Orchestre symphonique du Colorado, à Denver, qu’elle redresse après une crise importante. Pendant la même période, elle est principal chef invité du Royal Scottish National Orchestra et se fait connaître comme invitée à la tête des principaux orchestres britanniques. Entre 2002 et 2008, elle assure la direction musicale de l’Orchestre symphonique de Bournemouth. En 2007, elle devient directrice musicale de l’Orchestre symphonique de Baltimore. Elle prend en outre la direction musicale de l’Orchestre symphonique de São Paulo en 2012. Dans ses programmes, elle réserve une place importante à la musique américaine et à la musique contemporaine. Elle a créé des œuvres de Michael Daugherty (Ghost Ranch, 2006), Phil Glass (Frans Lanting’s LIFE: A Journey Through Time, 2006), Tristan Murail (Les Sept Paroles, 2010), Christopher Rouse (Concerto pour orchestre, 2008).

Altenburger, Christian

Violoniste autrichien, né à Heidelberg le 7 septembre 1957.

Il commence l’étude du violon à l’âge de quatre ans avec son père puis travaille avec Ernst Morawec à la Musikhochschule de Vienne dont il sort diplômé à seize ans. Il part ensuite pour New York où il est l’élève de Dorothy DeLay à la Juilliard School of Music (jusqu’en 1978). Sa carrière commence très rapidement : après des débuts remarqués au Musikverein de Vienne en 1976, il joue sous la direction de Claudio Abbado, Karl Böhm, Zubin Mehta… Parmi ses partenaires de musique de chambre, on trouve James Levine et Lynn Harrell. Il enseigne à l’Université de musique de Vienne. Il joue sur un Stradivarius de 1680. Il a créé des œuvres de Gerhard Schedl (Concerto pour violon no 2, 1990), Helmut Schmidinger (Concerto pour violon no 2, 1996), Kurt Schwertsik (Concerto pour violon no 2, 2000).

Altinoglu, Alain

Chef d’orchestre français, né à Paris le 9 octobre 1975.

Issu d’une famille d’origine arménienne, il fait ses études musicales au Conservatoire national supérieur de Paris et remporte deux 1ers prix d’accompagnement vocal et de piano. En tant que pianiste, chef de chant ou assistant, il collabore avec Pierre Boulez, Esa-Pekka Salonen, James Conlon, Denis Russell Davies, David Robertson, John Nelson, Jean-Claude Malgoire ou Michel Plasson. Attiré par la mélodie et le lied, il forme un duo avec la mezzo-soprano Nora Gubisch, son épouse à la ville. Pendant une dizaine d’années, il enseigne au Conservatoire national supérieur de Paris d’abord comme assistant des classes de chant puis, à partir de 2000, comme professeur de la classe d’ensemble vocal. Comme chef d’orchestre, il débute dans le domaine lyrique notamment avec les grands opéras de Mozart. Son répertoire s’élargit rapidement et il est vite sollicité par les plus grandes maisons, à Montpellier, Toulouse, au Festival d’Aix-en-Provence. À l’Opéra national de Paris, il débute avec Salomé (2009), à celui de Chicago et au Met avec Carmen (2010), aux Chorégies d’Orange avec Mireille (2010), à l’Opéra de Vienne avec Roméo et Juliette (2011). Sa carrière s’élargit au concert et, en 2007-08, il devient premier chef invité de l’Orchestre national de Montpellier Languedoc-Roussillon. En 2014, il devient professeur de direction d’orchestre au Conservatoire national supérieur de Paris. Il a créé des œuvres d’Hector Berlioz (La Nonne sanglante, opéra inachevé, 2007), José Luis Campana (Toi-tu, 2e version, 2006), Édith Canat de Chizy (Omen, 2006), Marc-André Dalbavie (Charlotte Salomon, opéra, 2014), Richard Dubugnon (Les Arcanes symphoniques, 2006 ; Les Chants de Guernesey, 2007), Pascal Dusapin (Musique pour un film d’Anne Fontaine, 2003 ; Perelà, 2003), René Koering (Scènes de chasse, 2009 ; Penthisilea, 2010), Édouard Lalo (Fiesque, opéra, 2006), Bruno Mantovani (Concerto pour deux pianos, 2012), Jérémie Rhorer (Le Cimetière des enfants, 2008), Lu Wang (Siren Song, 2013).

Altmeyer, Jeannine

Soprano américaine (suisse par son mariage), née à Pasadena le 2 mai 1948.

Elle étudie le chant avec Martial Singher, Lotte Lehmann et Luigi Ricci. En 1971, elle remporte le 1er prix du concours de chant du Met où elle est engagée. Pour sa première saison (1971-72), elle chante la Première Dame (La Flûte enchantée), la première Fille-Fleur (Parsifal) et Frasquita (Carmen). En 1972, elle chante Freia (L’Or du Rhin) à Chicago. Elle interprète ce même rôle l’année suivante au Festival de Pâques de Salzbourg, sous la direction de Karajan. Cette même année, elle est engagée à l’Opéra de Zurich, où elle chante Eva (Les Maîtres chanteurs). En 1974, elle reprend ce même rôle ; elle chante également celui d’Elisabeth (Tannhäuser) et participe aux productions du Freischütz et de Lohengrin. En 1975, elle est engagée à l’Opéra de Stuttgart, où elle interprète le rôle-titre de Salomé, dans la mise en scène de Ponnelle. Dès lors, elle est invitée dans toutes les grandes capitales musicales. Elle chante Sieglinde (La Walkyrie) à Stuttgart puis au Festival de Bayreuth, ainsi que Gutrune (Le Crépuscule des dieux) dans la mise en scène de Patrice Chéreau et sous la direction de Pierre Boulez. Elle participe également à la production filmée de L’Or du Rhin, sous la direction de Karajan. Durant la saison 1979-80, elle aborde le rôle de Chrisothémis (Elektra) à Stuttgart et chante Sieglinde dans la nouvelle production du San Carlo de Naples. De retour au Met à partir de 1986, elle y chante les principaux rôles wagnériens.

Altmeyer, Theo

Ténor allemand, né à Eschweiler (Aix-
la-Chapelle) le 16 mars 1931, mort à Hanovre le 28 juillet 2007.

Après ses études à Cologne, avec Clemens Glettenberg, il remporte le 2e prix du Concours de chant organisé par la radio bavaroise, en 1955. Engagé à l’Opéra de Berlin (1956-60), il y chante, entre autres, le rôle principal du Journal d’un fou (Humphrey Searle) lors de sa création en 1958. En 1960, il est engagé comme premier ténor lyrique par l’Opéra de Hanovre, où il brille tout particulièrement dans les opéras de Mozart, Lortzing et Rossini. Son grand succès demeure le rôle-titre de Palestrina (Pfitzner) qu’il va chanter en 1958 à Stuttgart, puis en 1969 à Vienne. Plus importante encore que son activité scénique est sa carrière de concertiste qui l’entraîne en France, en Autriche, en Suisse, en Angleterre, en Italie, en Belgique, en Hollande… Deux grandes tournées de concerts en Amérique du Nord le consacrent comme un des maîtres de l’interprétation des mélodies, voire des cantates du passé comme des créations contemporaines. À partir de 1974, il enseigne au Conservatoire de Hanovre.

Alva, Luigi (Luis Ernesto Alva Talledo)

Ténor péruvien, né à Lima le 10 avril 1927.

Il travaille sa voix avec Rosa Mercedes, à Lima, où il se produit en concert dès 1949. Il fera ses débuts sur scène, à l’Opéra de sa ville natale, dans le rôle d’Alfredo de La Traviata. Il poursuit ensuite ses études en Italie et y chante pour la première fois, en 1954, au Teatro Nuovo de Milan. Deux ans plus tard, il triomphe sur la scène de la Scala où, depuis lors, il est fréquemment invité. En 1957 et 1958, il est Fenton de Falstaff au Festival de Salzbourg. En 1960, il est engagé au Festival d’Aix-en-Provence, et, en 1961, à l’Opéra de Vienne. Sa carrière n’est alors qu’une suite de succès, sur les plus grandes scènes d’Europe et des deux Amériques. Entre 1964 et 1976, il chante régulièrement au Met (Almaviva, Tamino, Lindoro…). Nommé directeur artistique de la Fundación Pro Arte Lírica (Fupal) à Lima en 1982, il aborde la mise en scène et cesse progressivement de chanter pour se retirer définitivement en 1989. À partir de 1986, il donne également des cours d’interprétation. Son élégance naturelle, le charme de sa présence en scène en font un des ténors légers les plus recherchés pour le répertoire de Rossini, de Cimarosa et parfois de Mozart. Son lyrisme très pur et sa grande culture musicale en ont fait un artiste exigeant, connaissant parfaitement ses limites et refusant de les dépasser. Son meilleur rôle demeure le comte Almaviva du Barbier de Séville de Rossini qu’il a chanté plus de trois cents fois en plus de trente ans. Il est considéré par certains critiques comme le successeur de Tito Schipa.

Álvarez, Marcelo

Ténor argentin, né à Córdoba le 27 février 1962.

Il fait des études universitaires avant d’étudier le chant. Il travaille alors dans une fabrique de meubles. Il se fixe à Buenos Aires pour perfectionner sa technique vocale, puis en Italie. Il fait ses débuts en 1995 dans La Somnambule (Elvino) à la Fenice de Venise. Rapidement, il est engagé à Hambourg, à Gênes (1996), au Met (1998), à Orange (1999), à Berlin, à Vienne pour chanter Alfredo (La Traviata), le duc de Mantoue (Rigoletto), Werther ou Arturo (Les Puritains). Il débute à la Scala de Milan dans Linda di Chamounix et chante Fenton (Falstaff) sous la baguette de Claudio Abbado à Berlin. À l’Opéra national de Paris, il se produit pour la première fois en 1998 dans Alfredo, puis il incarne le Duc de Mantoue et le Chevalier Des Grieux. Il aborde le rôle-titre de Faust en 2000 à Munich et Hoffmann à Covent Garden au cours de la même saison. En 2001, il chante Nemorino (L’Élixir d’amour) à Toulouse. En 2004, il aborde Riccardo (Un bal masqué) à Covent Garden et Roméo (Gounod) à l’Opéra de Munich. En 2009, il chante pour la première fois Andrea Chénier de Giordano à l’Opéra national de Paris. Parmi ses autres rôles figurent Edgardo (Lucia di Lammermoor), Gennaro (Lucrèce Borgia), Raoul (Les Huguenots), Rodolfo (La Bohème).

Amaducci, Bruno

Chef d’orchestre suisse, né à Lugano le 5 janvier 1925.

Il travaille à l’École Normale de Musique à Paris, puis au Conservatoire de Milan. En 1960, il remporte à Trieste un prix au Concours national italien des Chefs d’orchestre d’opéra. Il mène une carrière de chef invité consacrée essentiellement à l’art lyrique et à la musique ancienne. Il dirige au Met, à l’Opéra de Paris, de Vienne et de Berlin… Jusqu’en 1989, il est chef des programmes musicaux à la radio-télévision suisse italienne (Lugano).

ÉCRITS : L’Amfiparnaso de Orazio Vecchi (1951) ; Walter Jesinghaus (1970) ; Music of the Five Composers of the Puccini Dynasty (1973) ; La Musica nella Svizzera Italiana e la presenza della Radiorchestra (1973).

Amar, Licco (Liko Amar)

Violoniste hongrois, né à Budapest le 4 décembre 1891, mort à Fribourg-en-Brisgau le 19 juillet 1959.

Issu d’une famille juive d’origine grecque, il travaille d’abord à l’Académie nationale de musique de Budapest avec Emil Bare (jusqu’en 1911) avant de devenir l’élève de Henri Marteau à la Hochschule de Berlin ; il fait partie de son quatuor comme second violon à partir de 1912. Puis il est violon solo de l’Orchestre philharmonique de Berlin (1916-20) et de l’Orchestre du Nationaltheater de Mannheim (1920-23). Il fonde en 1921 le quatuor qui porte son nom, à l’origine pour une simple exécution du Deuxième Quatuor de Hindemith. Cette formation deviendra l’une des plus illustres des années vingt avec Walter Kaspar, Paul et Rudolf Hindemith puis Maurits Frank, surtout spécialisée dans la musique du début du XXe siècle. Le quatuor se produit à Donaueschingen où Amar donne lui-même des cours d’interprétation. En 1929, le quatuor cesse ses activités après la nomination de Hindemith comme professeur à Berlin et, en 1933, Licco Amar doit quitter l’Allemagne devant la montée du nazisme. Il se réfugie d’abord à Paris puis, l’année suivante, en Turquie où il est nommé professeur au Conservatoire d’Ankara en 1935. Il reviendra en Allemagne en 1957 pour enseigner à la Musikhochschule de Fribourg-en-Brisgau. Il a créé le Concerto pour violon, op. 36/3 (1925) de Paul Hindemith.

Amato, Pasquale

Baryton italien, né à Naples le 21 mars 1878, mort à Jackson Heights (New York) le 12 août 1942.

Il fait ses études musicales dans sa ville natale, au Conservatoire San Pietro a Majella, et débute au Teatro Bellini en 1900 (Germont de La Traviata). Sa carrière se développe rapidement : il chante à Covent Garden, Leipzig, Odessa, Monte-Carlo et participe à la création en Italie de Pelléas et Mélisande (Golaud) à la Scala sous la direction d’Arturo Toscanini (1908). Il débute au Met la même année dans Germont et y chante régulièrement jusqu’en 1921. Il participe à la création de La Fanciulla del West de Puccini (1910) et de Madame Sans-Gêne de Giordano (1915). Il y incarne également Amonasro, Tonio, di Luna… En 1913, il chante le rôle-titre de Falstaff à Busseto pour le centenaire de la naissance de Verdi. Par la suite, il enseigne à New York et chante sur les principales scènes américaines, au Colón, au San Carlo…

Ambrosini, Jean-Claude

Pianiste français, né à Oujda (Maroc) le 7 mai 1916, mort à Paris le 4 août 1984.

Après des études de piano commencées au Maroc à l’âge de six ans, il vient se perfectionner à Paris avec Vlado Perlemuter qui lui conseille de mener une carrière de pianiste. En 1937 il entre au Conservatoire dans la classe de Lazare Lévy. Mobilisé en 1939 après avoir obtenu un second prix, il reprend ses études avec Marcel Champi en 1940. Premier prix en 1942, il quitte la France clandestinement pour l’Algérie. Engagé volontaire, il est gravement blessé lors de la campagne d’Italie. C’est Robert Casadesus qui le fait travailler dès la fin de la guerre, puis Jacques Février. En 1948 on lui décerne un 1er prix de musique de chambre dans la classe de Joseph Calvet. Il effectue de nombreuses tournées pour les Jeunesses Musicales avant d’être nommé professeur au Conservatoire de Bobigny. Passionné par la musique de chambre, Pierre Fournier, Christian Ferras et Luben Yordanoff sont ses partenaires les plus fréquents.

Il accompagne également Boris Christoff, Régine Crespin, Ernst Haefliger et Mady Mesplé.

Ameling, Elly (Elisabeth Ameling)

Soprano néerlandaise, née à Rotterdam le 8 février 1934.

Elle est l’élève de Jo Bollekamp et de Jacoba Dresden-Dhont. En 1956, elle gagne le Prix Noordewier au Concours de chant de ’s Hertogenbosch et, deux ans plus tard, le 1er prix du Concours international de Genève. Elle poursuit ses études chez Pierre Bernac à Paris, et dès lors aborde avec beaucoup de bonheur le concert et l’oratorio. Elle s’impose comme une des grandes interprètes de Bach mais chante également avec succès Haendel, Mozart, Mendelssohn et surtout la littérature baroque. Elle aborde enfin le répertoire du lied allemand et de la mélodie française, réalisant avec Gérard Souzay le premier enregistrement intégral des mélodies de Fauré. En 1959, elle crée Le Mystère de la nativité de Frank Martin et, au Festival de Salzbourg, chante la partie de soprano de la Symphonie no 4 de Mahler, sous la direction de Kubelík. En 1968, elle fait des débuts fort remarqués au Lincoln Center (New York). En 1973, elle fait ses débuts à l’Opéra d’Amsterdam dans le rôle d’Ilia d’Idoménée de Mozart, rôle qu’elle reprend lors du Festival Mozart du Kennedy Center, à Washington. Elle fonde un prix qui porte son nom dans le cadre du Concours international de chant de ’s Hertogenbosch. Elle met fin à sa carrière en 1995.

Amoyal, Pierre

Violoniste français, né à Paris le 22 juin 1949.

Attiré très tôt par la musique, il entre au Conservatoire de Paris où il obtient son 1er prix à l’âge de douze ans, en 1961. Un peu plus tard, il est entendu par Jascha Heifetz qui, séduit par le jeu et l’intelligence du jeune homme, l’invite à venir travailler avec lui aux États-Unis. Il y restera cinq ans, assimilant ses conseils techniques et artistiques, issus directement de l’école russe de Leopold Auer. Malgré son intimité avec l’illustre violoniste russo-américain, Pierre Amoyal n’en a jamais été la copie. À son retour des États-Unis en 1971, sa carrière démarre très rapidement. Il est professeur au Conservatoire national supérieur de Paris entre 1977 et 1986, il se fixe ensuite en Suisse et enseigne au Conservatoire de Lausanne jusqu’en 2014. Parmi ses élèves figurent Raphaël Oleg et Tedi Papavrami. Il pratique la musique de chambre avec le pianiste Mikhaïl Rudy, notamment. Il a fondé en 2002 la Camerata de Lausanne, ensemble à cordes qui réunit des jeunes instrumentistes au seuil de leur carrière professionnelle et qu’il dirige du violon. Il a joué d’abord sur un Stradivarius de 1707 avant d’acquérir le Kochanski (1717), qui lui a été volé en Italie en 1987 (il fut retrouvé à Turin en 1991). Il a possédé entre-temps (1990) un autre Stradivarius, le Milanollo (1728), qui avait été l’un des instruments de Viotti, de Paganini et de Christian Ferras.

Il a créé des œuvres de Charles Chaynes (Concerto pour violon « Le Temps retrouvé », déd., 1996), Alun Hoddinott (Sonate pour violon et piano no 4, 1976), René Koering (Concerto pour violon « Allegria Kochansky », 1992 ; Fragment de songe, 1993).

ÉCRITS : Pour l’amour d’un Stradivarius, Robert Laffont (Paris, 2004) ; Dans la lumière de Heifetz, entretiens avec Antonin Scherrer, La Bibliothèque des Arts (Lausanne, 2014).

Amy, Gilbert

Chef d’orchestre et compositeur français, né à Paris le 29 août 1936.

Attiré par la philosophie, l’architecture et la littérature dans sa jeunesse, il fait ses études musicales au Conservatoire de Paris où il est notamment l’élève de Darius Milhaud et d’Olivier Messiaen. En 1965, il suit les cours de Pierre Boulez à Bâle et, de 1967 à 1972, prend sa succession à la tête du Domaine Musical. Il mène alors parallèlement une activité de compositeur et de chef d’orchestre. En 1973, il devient directeur des programmes musicaux de l’ORTF et, de 1976 à 1981, il prend la direction du Nouvel Orchestre philharmonique de Radio France. Son passage à l’Odéon – directeur de la musique adjoint, à la demande de J.-L. Barrault – lui a révélé les liens entre le théâtre et la musique. Il dirige en France et à l’étranger, consacrant une part importante de ses programmes à la musique du XXe siècle et créant de nombreuses œuvres nouvelles de Carlos Roqué Alsina (Funktionen, 1966 ; Schrichten, 1971 ; Cantata, 1977 ; Études, 1979), Jorge Antuñes (Catastrophe ultra-violette, 1974), Davide Anzaghi (Ausa, 1974), Jean Barraqué (Le Temps restitué, 1968), Charles Chaynes (Pour un monde noir, 1978), Aldo Clementi (Blitz, 1973), Lorenzo Ferrero (Siglied, 1975), Graciane Finzi (Trames, 1981), Roman Haubenstock-Ramati (Nocturnes, 1981), Philippe Hersant (Stances, 1979 ; Aztlan, 1983), Betsy Jolas (Lassus Ricercare, 1971), François-Bernard Mâche (Canzone II, 1963), Philippe Manoury (Puzzle, 1975), Gérard Masson (Ouest I, 1968 ; Dans le deuil des vagues II, 1968 ; Ouest II, 1971 ; Hymnopsie, 1974), Serge Nigg (Mirrors for William Blake, 1978), Luis de Pablo (A modo de concierto, 1978 ; Latidos, 1981). Entre 1984 et 2001, il est directeur du Conservatoire national supérieur de Lyon. Il est également (1993-99) président de l’Académie Maurice Ravel de Saint-Jean-de-Luz.

Ančerl, Karel

Chef d’orchestre tchèque, né à Tučapy le 11 avril 1908, mort à Toronto le 3 juillet 1973.

Il étudie le violon, la direction d’orchestre et la composition au Conservatoire de Prague avec J. Křička et A. Hába (1925-29) et devient l’élève de Václav Talich et d’Hermann Scherchen. Celui-ci le prend comme assistant (1929-31) à Berlin puis à Munich. À son retour en Tchécoslovaquie, il dirige le Théâtre Libéré (1930-33) puis l’Orchestre symphonique de la radio de Prague (1933-39). La guerre brise sa vie. Déporté dans plusieurs camps de concentration, il échappe à la mort et demeure affaibli. Chef à l’Opéra de Prague (1945-48), premier chef de l’Orchestre symphonique de la radio de Prague (1947-50), professeur à l’Académie des arts de Prague (1948-52), il redonne vie à la Philharmonie tchèque (1950-68). Après les événements de 1968 à Prague, il s’exile et se fixe au Canada où il prend la direction de l’Orchestre symphonique de Toronto (1969-73).

Il a créé des œuvres de Miroslav Kabeláč (Symphonie no 5, 1961), Serge Nigg (Pour un poète captif, 1951).

Anda, Géza

Pianiste hongrois naturalisé suisse (1955), né à Budapest le 19 novembre 1921, mort à Zurich le 14 juin 1976.

Il naît dans un milieu musical amateur mais passionné. Après des études au Conservatoire de sa ville natale, il remporte le Prix Franz Liszt. Ernst von Dohnányi le prend alors comme élève. En 1941 il donne ses premiers concerts, puis il se fixe à Berlin l’année suivante, où il joue avec l’Orchestre philharmonique de Berlin sous la direction de Wilhelm Furtwängler. Dès 1943, il se réfugie en Suisse. Clara Haskil le remarque et enregistre avec lui. Il sera en quelque sorte son héritier, notamment pour l’interprétation des œuvres de Mozart. Il enregistre avec Ferenc Fricsay les concertos pour piano de Bartók qui constitueront longtemps une version de référence. Il enseigne à Lucerne (1959-68) puis à Zurich (à partir de 1969) : ses cours sont suivis par de jeunes pianistes venus du monde entier.

À la fin de sa vie, il se consacre surtout aux concertos de Mozart qu’il enregistre intégralement en dirigeant du piano la Camerata Academica du Mozarteum de Salzbourg. Il a créé la Sonate pour piano (1951) de Rolf Liebermann.

Anders, Peter

Ténor allemand, né à Essen le 1er juillet 1908, mort à Hambourg le 10 septembre 1954.

Il abandonne la comptabilité pour étudier le chant à la Berliner Hochschule, auprès de Ernst Grenzebach. Il débute en 1932 au Théâtre de Heidelberg. Il est engagé successivement au Landestheater de Darmstadt (1933-35), à l’Opéra de Cologne (1935-36), puis à celui de Hanovre (1937-38). Remarqué par Clemens Krauss, il joue à la Staatsoper de Munich (1938-40) puis à celle de Berlin (1940-48) et achève sa brève carrière à l’Opéra de Hambourg, disparaissant prématurément dans un accident d’automobile. Après avoir tenu les rôles bouffes (Pedrillo, Jaquino), il s’est orienté, sur les conseils de la contralto Lula Mysz-Gmeiner, vers les emplois de ténor lyrique et le répertoire mozartien (il est un Tamino remarqué à Salzbourg en 1943), puis vers les rôles de caractère.

L’intelligence du mot, une diction parfaite et un panache sans pathos en font également un grand chanteur de lieder…

Anderson, June

Soprano américaine, née à Boston le 30 décembre 1952.

Elle fait ses études à l’Université de Yale (chant et musicologie) et débute à la scène au New York City Opera dans le rôle de la Reine de la nuit (La Flûte enchantée) en 1978, rôle qu’elle reprendra pour le film de Miloš Forman Amadeus. Sa carrière se développe rapidement autour de rôles comme Rosine, Gilda ou Lucia. Elle fait ses débuts européens à l’Opéra de Rome en 1982 (Semiramide) puis à la Scala en 1985 (Amina de La Sonnambula). Les plus grandes scènes font alors appel à elle : Munich, Paris (Robert le diable, 1985), Covent Garden (1986), Chicago (Lucia), la Fenice… Elle fait ses débuts au Met en 1989 dans Rigoletto et reçoit peu après le Bellino d’oro pour sa contribution au rayonnement de l’œuvre de ce musicien. Elle chante pour la première fois Desdémone en 1991, à Saint-Pétersbourg. Elle aborde ensuite le rôle-titre de Norma (Chicago, 1997) et Léonore du Trouvère (Met, 1998). Elle s’impose par son aisance dans le bel canto et a enregistré plusieurs ouvrages méconnus de ce répertoire. Elle chante La Traviata un peu partout dans le monde et élargit son répertoire à certains ouvrages de R. Strauss comme Capriccio (Naples, 2002) ou Daphné (Venise, 2005). En 2010, elle chante Madame Lidoine (Dialogues des Carmélites) à Nice et, en 2012, Nixon en Chine au Châtelet.

Anderson, Marian

Contralto américaine, née à Philadelphie le 17 février 1897, morte à Portland le 8 avril 1993.

Élève à New York d’Agnès Reifsneider, de Giuseppe Boghetti et de Frank La Forge, elle remporte le 1er prix d’un concours de chant organisé par l’Orchestre philharmonique de New York. Elle se produit à partir de 1925 aux États-Unis et fait ses débuts européens à Berlin en 1930. Elle fait deux importantes tournées en Scandinavie (1930-32 et 1933-34), se produit à Paris en 1934 et donne son premier récital new-yorkais en 1936. Interdite en 1939 à Washington, elle y chante le 9 avril suivant devant 7 500 personnes, grâce à l’appui de Mme Roosevelt. Elle est la première chanteuse noire à être engagée par le Metropolitan Opera de New York pour y chanter, en 1955, Ulrica du Bal masqué. Elle met au service du lied schubertien une voix opulente et veloutée (la voix du siècle pour Toscanini), prenante malgré des problèmes de justesse.

Elle a créé en 1942 un Prix Marian Anderson.

ÉCRITS : My Lord, What a Morning, an Autobiography (New York, 1956, trad. française, Paris, 1961).

Anderszewski, Piotr

Pianiste polonais, né à Varsovie le 4 avril 1969.

Son père est polonais, sa mère hongroise. Il commence à étudier le piano à l’âge de six ans. Il travaille aux conservatoires de Lyon et de Strasbourg, à l’Université de Californie du Sud et à l’Académie Chopin de Varsovie. Ses maîtres s’appellent John Perry, Georges Cziffra et Amadeus Webersinke. En 1991, il fait ses débuts au Wigmore Hall de Londres et démarre une carrière brillante en Grande-Bretagne et dans le reste de l’Europe. À partir de 1992, il joue régulièrement avec la violoniste Viktoria Mullova puis avec Frank Peter Zimmermann. Il reçoit le Prix Gilmore en 2002.

Andia, Rafaël

Guitariste français, né à Mont-de-Marsan le 30 novembre 1942.

Dès l’âge de six ans, il reçoit une formation musicale classique : solfège, violon, harmonie, orchestre. Mais c’est la guitare qui l’attire : à dix-huit ans il parcourt l’Espagne et s’initie au flamenco. Sous l’influence d’Alberto Ponce et plus tard d’Emilio Pujol, il revient à la guitare classique et concilie les deux domaines. Il obtient la licence de concert à l’École Normale de Musique de Paris et présente une thèse de physique expérimentale à la Sorbonne. Professeur à l’École Normale de Musique dès 1971, il commence sa carrière de concertiste en 1973, après avoir remporté le 2e prix au XVe Concours international de l’ORTF. En 1974, il enregistre une anthologie pour guitare et, en 1976, crée une classe de guitare baroque à l’École Normale de Musique de Paris (la première en France). Responsable d’une collection de musique contemporaine pour guitare aux éditions musicales Transatlantiques, il a créé, entre autres, Solfegietto de Claude Ballif (œuvre qui lui est dédiée), Tellur de Tristan Murail et Tombeau de R. de Visée, d’André Jolivet. Il joue sur une guitare classique espagnole Ramirez.

ÉCRITS : La Guitare baroque (Les Goûts réunis, 1977) et Le Flamenco (Le Guide de la guitare, 1981).

Andrade, Francisco d’

Baryton portugais, né à Lisbonne le 11 janvier 1859, mort à Berlin le 8 février 1921.

Il commence une carrière d’amateur, puis étudie avec Miraglia et Ronconi, avant de débuter à San Remo en 1882 (Amonasro). Sa carrière s’internationalise vite, de Londres (1886-90) à Saint-Pétersbourg, mais c’est à la Hofoper de Berlin (1906-19) qu’il connaît la gloire. Son Don Giovanni, qu’il interprète à Salzbourg en 1906 et qui inspire les fameux tableaux de Slevogt, demeure célèbre. Sa personnalité fantasque, la fascination qu’il exerçait en scène et son art du chant sont restés légendaires.

André, Franz

Chef d’orchestre belge, né à Forest (Bruxelles) le 10 juin 1893, mort à Woluwe-Saint-Lambert (Bruxelles) le 20 janvier 1975.

Après des études musicales au Conservatoire de Bruxelles (violon avec César Thomson) et à la Hochschule de Berlin (avec Weingartner), il est nommé à dix-neuf ans professeur adjoint de violon au Conservatoire de Bruxelles. Après la guerre, il participe activement à la création de la radio belge (1920) : il est membre du Trio de la Station et commence à diriger régulièrement. En 1935, il fonde l’Orchestre de l’INR (Institut national belge de radiodiffusion) qui deviendra le Grand Orchestre symphonique de la RTB. Il restera à la tête de cette formation jusqu’en 1958. De 1940 à 1944, il enseigne la direction d’orchestre au Conservatoire de Bruxelles.

Franz André a joué un rôle considérable dans la vie musicale belge en faisant connaître beaucoup de musique de son temps. Karl Amadeus Hartmann lui a dédié sa Symphonie no 1. Il a créé des œuvres d’André Jolivet (Psyché, 1947 ; Concerto pour percussion, 1959), Charles Koechlin (Le Livre de la jungle, 1946 ; Symphonie no 1, 1946 ; Le Buisson ardent, 1957), Darius Milhaud (Les Euménides, 1949 ; Symphonie no 7, 1955), Henri Sauguet (Symphonie no 1 « Expiatoire », 1947 ; no 3 « INR », 1955 ; Le Cornette, avec Doda Conrad, 1951), Alexandre Tansman (Deux Pièces, 1934 ; Concerto pour orchestre, 1955 ; Suite baroque, 1958).

Comme compositeur, il a écrit plusieurs poèmes pour violon et orchestre dans la tradition d’Ysaÿe, des musiques de scène et des musiques radiophoniques.

André, Maurice

Trompettiste français, né à Rochebelle (Alès) le 21 mai 1933, mort à Bayonne le 25 février 2012.

Son premier maître est Léon Barthélémy, professeur au Conservatoire de Nîmes qui l’initie au cornet. À quatorze ans, Maurice André descend dans la mine et entreprend, durant le même temps, l’étude de la trompette avec son père Marcel-Jean André. Il fait preuve de tels dons qu’il peut entrer peu après (1951) au Conservatoire de Paris dans la classe de Raymond Sabarich où il reçoit, en première année, le 1er prix d’honneur, non pas de trompette mais de cornet. Il n’obtiendra un 1er prix de trompette qu’un an plus tard. Il enregistre son premier disque en 1953 avec l’Orchestre de Jean-François Paillard, début d’une série de plus de 250 enregistrements (dont une trentaine de concertos) qui vont révéler un univers alors totalement inconnu, le répertoire de la trompette soliste, principalement la musique du XVIIIe siècle et celle du XXe. Parallèlement, il joue dans des orchestres de variétés aux côtés de Charles Trenet ou d’Henri Salvador. Il est successivement trompette solo des Concerts Lamoureux (1953-60), de l’Orchestre philharmonique de l’ORTF (1953-62) et de l’Orchestre de l’Opéra-Comique (1962-67).

Après avoir triomphé au Concours international de Genève (1955) puis à celui de Munich (1963), il entreprend une carrière de concertiste qui le mènera d’Allemagne en Angleterre, dans les pays scandinaves, puis en Amérique du Nord et en Amérique du Sud. Entre 1964 et 1978, il est professeur au Conservatoire national supérieur de Paris où il introduit la petite trompette pour le répertoire baroque. Il y forme plus d’une centaine de trompettistes, notamment Bernard Soustrot, Éric Aubier, Thierry Caens et Guy Touvron. Son fils Lionel et son petit-fils Nicolas sont également trompettistes. Il donne son dernier concert en 2008. Un concours international de trompette qui porte son nom a été fondé à Paris en 1979, qui a consacré notamment David Guerrier. Il cesse d’exister après l’édition de 2006.

Maurice André a enrichi le répertoire de son instrument de nombreuses transcriptions, des airs d’opéra (la plus inattendue, l’air des clochettes de Lakmé de Léo Delibes) à La Mère Michel, des chansons 1900 à Michel Legrand ; il a également suscité des œuvres nouvelles (plus d’une trentaine) dont il a assuré la création : Boris Blacher (Concerto pour trompette, 1971), Claude Bolling (Toot Suite, 1981), Charles Chaynes, Jean-Claude Éloy (Fluctuance-immuable, 1977), Henri Gagnebin (Concertino pour trompette et orgue), Raymond Gallois-Montbrun, Harald Genzmer (Sonate pour trompette et orgue, 1971), André Jolivet (Arioso barocco, 1968 ; Heptade), Bernhard Krol, Marcel Landowski (Cahier pour quatre jours, 1978), Jean Langlais (Chorals pour trompette et orgue), Raymond Loucheur, Antoine Tisné (Héraldiques, 1976), Henri Tomasi (Semaine sainte à Curzo, 1960), Julien-François Zbinden (Dialogue pour trompette et orgue, 1973).

Andreae, Marc

Chef d’orchestre suisse, né à Zurich le 8 novembre 1939.

Petit-fils de Volkmar Andreae, fils du pianiste et claveciniste Hans Andreae et de la pianiste Lis Andreae-Keller, il obtient en 1962 le diplôme de chef d’orchestre et de pianiste au Conservatoire de Zurich. Pendant deux ans (1960-62) il est le chef de l’Orchestre Pro Arte de Zurich. Il travaille ensuite la composition et la direction avec Nadia Boulanger à Paris (1962-63). De 1964 à 1968 il étudie à l’Académie Sainte-Cécile de Rome (avec Franco Ferrarra) et à l’Académie Chigiana de Sienne. En 1966, il remporte le 1er prix du Concours national suisse à Zurich. Sa carrière internationale date du début des années soixante. Entre 1969 et 1991, il est chef permanent de l’Orchestre de la radio-télévision suisse italienne, à Lugano. Puis il prend la direction artistique de l’Orchestre de l’Angelicum de Milan (1990-92). Marc Andreae a dirigé de nombreuses créations parmi lesquelles on peut citer des pages de Sylvano Bussotti (Rosso, 1984), Conrad Beck, Vinko Globokar, Heinz Holliger (Ostinato funebre, 1991), Salvatore Sciarrino (Autoritratto della notte, 1983), Gerhard Wimberger (Concertino per orchestra, 1982).

Il se livre par ailleurs à la composition et à des recherches musicologiques qui lui ont permis d’exhumer ou d’enregistrer pour la première fois des œuvres oubliées de Schumann (Symphonie en sol mineur, version originale du Concerto pour piano), Schubert (Grand Duo orchestré par Joachim), Moussorgski ou Rossini.

Andreae, Volkmar

Chef d’orchestre suisse, né à Berne le 5 juillet 1879, mort à Zurich le 18 juin 1962.

Il fait ses études musicales à Berne avec Munzinger et à Cologne avec Wüllner (1897- 1900). Après une saison passée à l’Opéra de Munich comme répétiteur (1900-01), il se fixe à Zurich où il prend la direction du Gemischten Chor (1902-49). Il dirige également le Winterthur Stadtsängerverein (1902-04) puis le Zurich Männerchor (1904-19). En 1906, il est nommé à la tête de l’Orchestre de la Tonhalle où il restera jusqu’en 1949. Il sera également directeur du Conservatoire de Zurich (1914-39), chef du Studentengesangverein (1914-16) et directeur de la musique à l’Université (1915). Tout au long de sa carrière, il restera fidèlement attaché à Zurich malgré de nombreux déplacements à l’étranger : tournées régulières avec l’Orchestre philharmonique de Berlin ou l’Orchestre philharmonique de Vienne, dont il est l’invité permanent. En 1911, lorsque Mahler quitte New York, il refuse sa succession qu’on lui offre. Fervent défenseur de Reger et de Mahler, c’est surtout vers Bruckner qu’il se tourne le plus volontiers. Il jouera un rôle décisif dans la diffusion de sa musique. C’est lui qui dirigera pour la première fois la Passion selon saint Matthieu en Italie (Milan, 1911).

Andreescu, Horia

Chef d’orchestre roumain, né à Braşov le 18 octobre 1946.

Issu d’une famille de musiciens, il commence ses études au Lycée musical de Braşov puis est l’élève de Constantin Bugeanu (direction d’orchestre) et de Ștefan Niculescu (composition) au Conservatoire de Bucarest. Une bourse Herder lui permet de travailler avec Hans Swarowsky et Karl Österreicher à l’Académie de musique de Vienne. Il se perfectionne avec Sergiu Celibidache à Bucarest, Trier et Munich. Il est lauréat des concours internationaux de Copenhague et de Genève. Entre 1974 et 1987, il est à la tête de l’Orchestre philharmonique de Ploieşti avant d’être nommé, en 1987, chef permanent à la Philharmonie Georges Enesco de Bucarest. Il exerce en outre les fonctions de directeur artistique adjoint de cet orchestre entre 1987 et 1991. Entre 1992 et 2011, il est directeur musical et chef permanent de l’Orchestre national de la radio-télévision roumaine. Il poursuit également une importante carrière de chef invité. En 1988, il est nommé professeur de direction d’orchestre au Conservatoire de Bucarest. En 1989, il fonde les Virtuoses de Bucarest, dont il assure la direction. En 2011, il devient l’un des chefs permanents de la Philharmonie Georges Enesco de Bucarest. Il a créé des œuvres de Pascal Bentoiu (Symphonie no 8, 1990), Dan Dediu (Verva, 2003 ; Ouverture sur des thèmes saxons, 2007), Ștefan Niculescu (Requiem, 2006), Kurt Schwertsik (Uluru, 1992), Anatol Vieru (Symphonie no 6, 1995).

Andrésen, Ivar

Basse norvégienne, né à Oslo le 27 juillet 1896, mort à Stockholm le 24 novembre 1940.

Il étudie à l’École de l’Opéra royal de Stockholm, où il débute en 1919 (le Landgrave). Il reste attaché à cette scène cinq ans durant, développant rapidement un répertoire de grande basse noble, avant de devenir membre de la troupe de l’Opéra de Dresde, où il demeurera jusqu’en 1934. Dès 1927, il chante à Bayreuth. Il y apparaîtra jusqu’en 1936, alternant Gurnemanz, Titurel, Pogner, Marke, le Landgrave, Hunding, Fasolt. Il chante à Covent Garden de 1928 à 1931 (les opéras de Wagner, Sarastro), au Met de 1930 à 1932, à Glyndebourne en 1935 (Osmin, Sarastro). Il chante à Berlin dès 1931 (il sera membre de la Staatsoper de 1934 à 1936), et apparaît au Liceo, à Vienne, Munich et Hambourg en tant qu’invité. Il est considéré, à l’égal d’Emanuel List, Alexander Kipnis et Ludwig Hofmann, comme l’une des plus grandes basses wagnériennes de son temps.

Andsnes, Leif Ove

Pianiste norvégien, né à Karmøy le 7 avril 1970.

Il fait ses études musicales au Conservatoire de Bergen, où il est l’élève de Jiří Hlinka. Il travaille également avec Jacques de Tiège. En 1987, il remporte le Prix Hindemith à Francfort et commence une carrière internationale avec les principaux orchestres européens et américains. Son répertoire, centré sur la musique romantique, accorde une large place aux œuvres des compositeurs scandinaves. Il se consacre beaucoup à la musique de chambre, notamment avec le violoniste Christian Tetzlaff et le baryton Matthias Goerne, et il assure la direction artistique du Festival de musique de chambre de Risør. Il est professeur à l’Académie de musique de Norvège (Oslo) et enseigne régulièrement au Conservatoire royal de Copenhague. Il a créé des œuvres de Marc-André Dalbavie (Concerto pour piano, 2005), Bent Sørensen (Exit Music pour piano et orchestre, 2007 ; La Mattina pour piano et orchestre, 2009), Mark-Anthony Turnage (True Life Stories, 1999).

Anfuso, Nella

Soprano italienne, née à Alia (Palerme) le 5 octobre 1942.

Après des études classiques, elle suit parallèlement les cours de l’université et du Conservatoire Cherubini de Florence. Docteur ès lettres, elle perfectionne sa voix auprès de Guglielmina Rosati Ricci à l’Académie Sainte-Cécile de Rome et travaille au Centre national de recherche de la même ville. Pour sa première apparition publique (1971), elle donne au Palazzo Vecchio de Florence un récital consacré à Caccini. Elle en devient la spécialiste et poursuit une double activité de musicologue-interprète dans toute l’Europe, d’abord à travers le réseau universitaire, puis de plus en plus comme interprète reconnue du public : ses ouvrages sur l’art musical du XVe au XVIIIe siècle, et particulièrement sur la virtuosité vocale en Italie à l’époque de la naissance de l’opéra, comme ses interprétations personnelles et ses enregistrements remettent en question toutes les théories admises. Peu intéressée elle-même par la scène (elle ne s’y produit qu’une fois, en 1974, en Suisse : Il Combatimento de Monteverdi), elle travaille à la création d’une compagnie théâtrale basée à Florence qui, à partir de 1985, puisse assurer la mise en application de ses recherches sur un plan interprétatif plus vaste. Elle est également professeur de littérature poétique et dramatique au Conservatoire Boccherini de Lucques.

Angelich, Nicholas

Pianiste américain, né à Cincinnati le 14 décembre 1970.

Fils d’un violoniste et d’une pianiste, il entre au Conservatoire national supérieur de Paris à l’âge de treize ans et remporte des 1ers prix de piano (1987), musique de chambre (1988) et accompagnement (1989) dans les classes d’Aldo Ciccolini, Yvonne Loriod et Michel Béroff. Il travaille également avec Marie-Françoise Bucquet. Il remporte le 2e prix au Concours international Robert Casadesus à Cleveland (1989) et le 1er prix au Concours international Gina Bachauer à Salt Lake City (1994). En 2000, il est nommé professeur de piano au Conservatoire national supérieur de Paris. Son répertoire, très large, va de Bach à la musique contemporaine, qu’il travaille en étroite collaboration avec des compositeurs comme Olivier Messiaen, Pierre Boulez ou Karlheinz Stockhausen. Il joue en trio avec les frères Capuçon. Il a créé des œuvres de Pierre Henry (Concerto sans orchestre), Bruno Mantovani (Suonare, 2006).

Angelici, Marta

Soprano française, née à Cargese le 22 mai 1907, morte à Ajaccio le 11 septembre 1973.

Des circonstances familiales la conduisent à faire ses études musicales à Bruxelles sous la direction d’Alfred Mahy et de son épouse. Elle remporte des 1ers prix de solfège, de chant et d’art lyrique, ainsi que la médaille du gouvernement belge.

Dès 1933, sa voix particulièrement phonogénique lui vaut de flatteurs engagements aux radios belge, luxembourgeoise et hollandaise. En 1934, elle donne son premier concert public au Kursaal d’Ostende. Début 1936, elle paraît pour la première fois sur une scène : à Marseille, dans le rôle de Mimi, aux côtés de Gaston Micheletti. Puis c’est, en 1936, la création aux Concerts Pasdeloup, sous la direction d’Albert Wolff, des Chants de Cyrnos d’Henri Tomasi. Jacques Rouché l’engage en 1937. Pendant quelques mois, elle se rode Salle Favart dans de petits rôles, puis, début 1938, elle est Mimi. En 1939, elle part avec la troupe de l’Opéra-Comique en tournée au Brésil. Elle rentre sur un bateau italien. Mais tandis que le paquebot cingle vers l’Europe, l’Italie déclare la guerre à la France, et c’est grâce à un torpilleur français que Marta ne se retrouve pas derrière des barbelés. Elle restera quatorze ans membre de la troupe de l’Opéra-Comique, y chantant Mimi, Nedda, Leïla, Baucis, Micaëla, Mireille, Sophie, Yniold… En 1953, elle entre à l’Opéra pour y chanter Xénia de Boris Godounov. Elle y restera sept ans, chantant Obéron, Les Indes galantes, Pamina – peut-être le rôle préféré de cette artiste très croyante, qui aimait la montée finale vers la lumière –, Le Martyre de saint Sébastien, Tanit-Zerga de L’Atlantide d’Henri Tomasi – rôle dont elle avait été la créatrice à Mulhouse en 1954 –, et, bien sûr, Micaëla. Ambassadrice du chant français (et des chants corses, qui lui valent des triomphes), elle se produit beaucoup à l’étranger, notamment à la Scala de Milan où elle est Micaëla, sous la direction de Karajan. Simple, modeste et généreuse, elle fuyait la publicité, même au détriment de sa carrière.

Angerer, Paul

Chef d’orchestre autrichien, né à Vienne le 16 mai 1927.

Il effectue ses études musicales à l’Académie de musique et au Conservatoire de Vienne puis remporte une médaille au Concours international de Genève (1948) ; il entre à l’Orchestre de la Suisse romande (1949-52) puis à celui de la Tonhalle de Zurich. De 1953 à 1956, il est alto solo à l’Orchestre symphonique de Vienne. Il dirige ensuite l’Orchestre de chambre de Vienne (1956-63). Invité permanent de l’Orchestre symphonique de Bolzano et Trente (1960), il dirige successivement au Wiener Burgtheater (1960-70), à l’Opéra de Bonn (1964-66), au Théâtre d’Ulm (1966-68), au Landestheater de Salzbourg (1967-72). Il est aussi directeur artistique au Hellbrunner Spiele (1970-71). En 1971, il est nommé directeur musical du Südwestdeutsches Kammerorchester à Pforzheim qu’il dirige jusqu’en 1986. Il a créé des œuvres de Frank Michael Beyer (Concertino a tre, 1974), Boris Blacher (Divertimento pour cordes, 1977), Wilhelm Killmayer (Französisches Liederbuch, 1980), Egon Wellesz (Musik für Streichorchester, 1986).

Anido, María Luisa

Guitariste argentine, née à Moron (Buenos Aires) le 25 janvier 1907, morte à Tarragone le 4 juin 1996.

Elle fait ses études musicales au Conservatoire de Buenos Aires et travaille avec Domingo Prat et Miguel Llobet. Elle commence une carrière d’enfant prodige et forme avec M. Llobet le premier duo de guitares qui se produise sur le plan international, tout en jouant également seule.

Surnommée « la Grande Dame de la guitare », elle enseigne pendant plus d’un demi-siècle au Conservatoire de Buenos Aires, où elle forme notamment le duo Pomponio-Sarate. Elle compose et arrange de nombreuses pièces pour son instrument. À la fin de sa vie, elle se retire à Barcelone.

Anievas, Agustin

Pianiste américain, né à New York le 11 juin 1934.

Son père et sa mère sont respectivement espagnol et mexicaine. Dès l’âge de quatre ans, sa mère lui enseigne le piano. Il suit les cours de Steuermann et d’Olga Samaroff. Après quelques apparitions en public, en tant qu’enfant prodige, on le retrouve dans la classe d’Adele Marcus, à la Juilliard School of Music (1953-58). En remportant le Concert Artists Guild Award, il fait ses débuts à New York par la même occasion, en 1959. Puis il remporte un prix au Concours Reine Élisabeth de Belgique (1960). En 1964, il s’installe en Belgique. Il y restera dix ans avant qu’une proposition de poste d’enseignant au Collège de Brooklyn ne le ramène aux États-Unis.

Anosov, Nikolaï

Chef d’orchestre russe, né à Borissoglebsk le 18 février 1900, mort à Moscou le 2 décembre 1962.

Figure marquante de la direction d’orchestre soviétique, il est le père de Guennadi Rojdestvenski. Il a enseigné son art au Conservatoire de Moscou de 1940 à 1962 et a été chef permanent de l’Orchestre symphonique de Moscou dès la fin des années quarante. Il a créé des œuvres de Serge Rachmaninov (Scherzo en ré mineur, 1945 ; Prince Rostislav, 1945).

Ansermet, Ernest

Chef d’orchestre suisse, né à Vevey le 11 novembre 1883, mort à Genève le 20 février 1969.

Ses parents sont l’un et l’autre musiciens amateurs. Il se sent donc attiré très jeune par la musique et étudie successivement la clarinette, le violon et même tous les instruments de cuivre qui composent une fanfare, ce qui lui permettra plus tard d’écrire un certain nombre de marches (militaires… à l’intention des fanfares de l’armée suisse) auxquelles il n’attachait aucune importance ! Or, s’il se passionne pour la musique, il n’en suit pas moins des cours très poussés de mathématiques et reçoit, en 1903, la licence ès sciences mathématiques et physiques, à l’Université de Lausanne. Il enseigne jusqu’en 1906 au Collège de Lausanne, mais tient à poursuivre ses études en Sorbonne, ce qui lui permet de suivre des cours au Conservatoire de Paris. De retour en Suisse, il réussit le concours pour devenir professeur de mathématiques au Collège classique de Lausanne. Mais il n’y enseignera qu’une année car il décide enfin de se vouer totalement à la musique.

Le poste de chef d’orchestre du Kursaal de Montreux étant vacant, il l’obtient après concours. Lié d’amitié avec Ramuz, il rencontre Igor Stravinski qui habite Clarens. Il assiste ainsi à l’écriture du Sacre du printemps, de Petrouchka et de L’Histoire du soldat, de Noces et de Renard. La rencontre avec Diaghilev, à Genève, est décisive. C’est l’époque où l’Orchestre des Concerts d’abonnement de Genève lui propose d’en être le chef attitré. En même temps, Diaghilev lui offre de diriger l’Orchestre des Ballets russes. Ainsi le 20 décembre 1915, au Grand-Théâtre de Genève, lors d’un gala pour la Croix-Rouge, Ansermet dirige pour la première fois un spectacle des Ballets russes, au cours duquel est créé Soleil de nuit, réglé par Massine sur des pages de Rimski-Korsakov. Lors de cette même soirée, Stravinski dirige pour la première fois un orchestre en public, la suite de L’Oiseau de feu. En 1916, il se rend aux États-Unis avec les Ballets russes et commence ainsi une double carrière, entre Genève et les tournées de ballet qui imposent son nom, en une suite ininterrompue de succès. En 1918, il crée L’Histoire du soldat, en 1920, Le Chant du rossignol et Pulcinella, en 1922, Renard, en 1923, Noces. Ainsi l’amitié qui lie le compositeur et le chef a-t-elle un tel prolongement sur scène que les deux noms paraissent longtemps indissociables. Mais Ansermet dirige d’autres créations : Parade de Satie (1917), Le Tricorne de Falla (1919), Chout de Prokofiev (1923), Capriccio pour piano (1929) et la Messe (1948) de Stravinski…

Établi à Genève depuis 1915, il cumule le travail de trois Chefs d’orchestre : outre les Ballets russes il anime la vie musicale de la Suisse romande, tout en créant un orchestre national argentin à Buenos Aires. Pendant dix ans, il passera l’hiver à Genève et l’été en Argentine. Mais les plus grands théâtres et surtout les capitales musicales, tout particulièrement aux États-Unis, le réclament. Il refuse ainsi une carrière qui l’aurait porté au pinacle de la gloire musicale internationale. Karl Böhm du reste le reconnaît quand, pour contrebalancer son style de direction au service de la musique germanique, il choisit le style d’Ansermet pour symboliser le plus pur style de direction française ! Reconnu par ses pairs comme un des plus grands pour le répertoire français et russe, il préférera se heurter à la petitesse, à l’étroitesse d’esprit de certains politiciens suisses dans le but de créer, de fonder réellement dans son pays une tradition musicale. En 1918, il crée un premier Orchestre romand (OR) de 63 musiciens à Genève. Il réussit, en 1932, à ce que soit signée une convention avec Radio-Genève assurant la diffusion de tous les concerts de l’OR. Mais, trois ans plus tard, la Société suisse de radiodiffusion fixe l’orchestre à Lausanne. Ansermet réunit tant bien que mal un nouvel orchestre à Genève, dont l’existence est précaire. Et il lui faudra trois ans de démarches pour que la SSR fixe enfin à Genève un orchestre de 84 musiciens, assurant les concerts de Genève, de Lausanne, les services du Grand-Théâtre et les concerts radiophoniques. Cet ensemble débute réellement en 1940. Jusqu’à sa mort, en 1969, il dirigera tout le travail de l’OSR en Suisse et à l’étranger (États-Unis, Pologne, Grèce et Japon) où il remporte de fabuleux succès. En même temps, il invite les meilleurs chefs de l’heure et lui-même dirige plus de 450 concerts dans la salle du studio de la Radio à Genève qui désormais porte son nom.

Comme compositeur, son nom est surtout associé à celui de Debussy dont il a orchestré plusieurs pages pour piano, comme Les Épigraphes antiques. Défenseur de la musique suisse, il impose Arthur Honegger et Frank Martin. Il a reçu en dédicace des œuvres de Jean Binet (Quatre Chansons sur des textes de Ramuz, 1927), Luigi Dallapiccola (Invocazione di Boezio, 1940), Arthur Honegger (Pacific 231, 1924), Frank Martin (Les Quatre Éléments, 1963), Georges Migot (Trois Épigrammes pour petit orchestre, 1923), Albert Moeschinger (Chant sans paroles, 1968), Igor Stravinski (Trois Pièces pour quatuor à cordes, 1914 ; L’Oiseau de feu, suite, 1919 ; Quatre Études pour orchestre, 1928).

Il a créé des œuvres de Conrad Beck (Innominata, 1931), Ernest Bloch (La Voix dans le désert, 1937 ; Évocations, 1949), Benjamin Britten (Le Viol de Lucrèce, 1946 ; Cantata misericordium, 1963), Pierre Capdevielle (Symphonie no 3 « da camera », 1954), Aaron Copland (Symphonie no 1, 1931), Manuel de Falla (Le Tricorne, 1919), Arthur Honegger (Horace victorieux, 1921 ; Chant de joie, 1923 ; Rugby, 1928 ; Christophe Colomb, 1940 ; Jour de fête suisse, 1945 ; Prélude, Fugue et Postlude, 1948 ; Saint François d’Assise, 1949), Henri Gagnebin (Symphonie en fa, 1922 ; Saint François d’Assise, 1935), Hans Haug (La Magie des sons, 1966 ; Dies Irae, 1967), Émile Jaques-Dalcroze (Rythmes de danses, 1922), Witold Lutosławski (Per humanitatem ad pacem, 1963), André-François Marescotti (Prélude au Grand Meaulnes, 1934), Frank Martin (Rythmes, 1927 ; Concerto pour piano no 1, 1935 ; Symphonie, 1938 ; Ballade pour piano, 1941 ; Ballade pour trombone, 1942 ; In terra pax, 1945 ; Petite Symphonie concertante, 1946 ; Ouverture en hommage à Mozart, 1955 ; La Tempête, 1956 ; Ouverture en rondeau, 1958 ; Psaumes de Genève, 1959 ; Le Mystère de la nativité, 1959 ; Monsieur de Pourceaugnac, 1963 ; Inter arma caritas, 1963 ; Les Quatre Éléments, 1964), Bohuslav Martinů (Sonata da camera pour violoncelle et orchestre, 1943), Serge Prokofiev (Chout, ballet, 1923), Ottorino Respighi (La Boutique fantasque, 1919 ; Astuce féminine, 1920), Erik Satie (Parade, 1917), Henri Sauguet (Le Plumet du colonel, 1924), Armin Schibler (Concert pour le temps présent, 1962), Igor Stravinski (L’Histoire du soldat, 1918 ; Le Chant du rossignol, 1920 ; Pulcinella, 1920 ; Renard, 1922 ; Noces, 1923 ; Capriccio pour piano et orchestre, 1929 ; Quatre Études pour orchestre, 1930 ; Messe, 1948), Roger Vuataz (Deuxième Suite sur des thèmes populaires, 1939), William Walton (Sinfonia Concertante, 1928), Éric Westberg (Symphonie no 2, 1935), Pierre Wissmer (Divertissement sur un choral, 1939 ; Naïades, 1942 ; Le Beau Dimanche, ballet, 1944 ; La Mandrellina, 1952).

ÉCRITS : « Le Geste du chef d’orchestre », in Géa Augsbourg, Ernest Ansermet et l’Orchestre de la Suisse romande, L’Abbaye du livre (Lausanne, 1943 ; rééd. Delachaux et Niestlé, Neuchâtel, Paris, 1965) ; Entretiens sur la musique, avec Jean-Claude Piguet, La Baconnière (Neuchâtel, 1964, rééd. 1983) ; Les Fondements de la musique dans la conscience humaine, La Baconnière (Neuchâtel, 1961, rééd. Robert Laffont, coll. « Bouquins », 1989) ; Ernest Ansermet, Écrits sur la musique, publiés par Jean-Claude Piguet, La Baconnière (Neuchâtel, 1971, rééd. 1983) ; Ernest Ansermet et Frank Martin, Correspondance 1934-1968, publiée par Jean-Claude Piguet, La Baconnière (Neuchâtel, 1976) ; Correspondance Ernest Ansermet-Aloys Mooser 1915-1969, Georg (Genève, 1983) ; Les Compositeurs et leurs œuvres, publié par Jean-Claude Piguet, La Baconnière (Neuchâtel, 1989).

Ansseau, Fernand

Ténor belge, né à Boussu-Bois (Mons) le 6 mars 1890, mort à Bruxelles le 1er mai 1972.

Il fait ses études au Conservatoire de Mons, puis à celui de Bruxelles avec Désiré Demest, envisageant d’abord de chanter comme baryton, puis comme ténor. Il débute à Dijon en 1913, dans le rôle de Jean (Hérodiade). Sa carrière, réduite par la guerre, se limite à Bruxelles. Il participe au gala de réouverture de la Monnaie en 1918, et y chante, entre 1918 et 1920, Tosca, Aïda, Paillasse, Rigoletto, Samson et Dalila, Roméo et Juliette, Hérodiade, Alceste. Il est invité au Covent Garden en 1919, puis à l’Opéra-Comique en 1920 (Werther, Carmen, Tosca, Louise, Manon), où il reprend la version pour ténor de l’Orphée de Gluck. Il paraît ensuite à Chicago en 1923-24, et partage alors ses saisons entre Los Angeles, San Francisco, Chicago, Bruxelles et Paris. À partir de 1930, il restreint sa carrière à la Belgique et à la France, et se retire en pleine possession de ses moyens en 1939 pour se consacrer, de 1942 à 1944, au professorat au Conservatoire de Bruxelles. Il est considéré comme l’un des meilleurs ténors de l’entre-deux-guerres.

Antonacci, Anna Caterina

Mezzo-soprano italienne, née à Ferrare le 5 avril 1961.

Elle fait ses études musicales au Conservatoire G.B. Martini de Bologne et débute dans le rôle de Rosine à Arezzo en 1986. En 1987, elle remporte le concours Verdi de Parme, puis l’année suivante, les concours Maria Callas et Luciano Pavarotti. En 1990 (à nouveau en 2005), la critique italienne lui décerne le Prix Abbiati, sa carrière internationale prend dès lors son envol. Des emplois de soprano à ceux de mezzo, elle aborde tous les répertoires : Monteverdi (Le Couronnement de Poppée, Le Combat de Tancrède et de Clorinde), Purcell (Didon et Énée), Haendel (Rodelinda, pour ses débuts à Glyndebourne, Agrippina), Mozart (Dorabella et Donna Elvira). En 1996, elle participe à l’ouverture de la saison de la Scala de Milan avec Armide de Gluck. Elle se fait ensuite une spécialité de Rossini (La Cenerentola, Le Barbier de Séville, Semiramide, Elisabetta regina d’inghilterra, Mosè in Egitto, La donna del lago…). Elle chante également Bellini (Adalgisa dans Norma, Roméo dans Capulets et Montaigus), Donizetti (Maria Stuarda pour ses débuts au Festival d’Édimbourg), Verdi (Un jour de règne), Bizet (Carmen), Massenet (Don Quichotte, Werther), Berlioz (Cassandre des Troyens au Châtelet 2003), Cherubini (Médée au Châtelet et à Toulouse, 2005), Fauré (Pénélope au Théâtre des Champs-Élysées, 2013). En 2006, elle aborde Carmen à Covent Garden, peut-être son rôle le plus marquant, qu’elle reprend ensuite à Toulouse, Copenhague, à l’Opéra national de Paris… Elle a créé des œuvres de Marco Tutino (Vita, rôle titre), Fabio Vacchi (Tre Veglie, Salzbourg, 2000).

Appia, Edmond

Chef d’orchestre suisse, né à Turin le 7 mai 1894, mort à Genève le 12 février 1961.

Il étudie le violon à Genève (avec Henri Marteau), à Paris (avec Lucien Capet) puis à Bruxelles, au Conservatoire royal de Belgique, dont il sort en 1920 avec un 1er prix. Violon solo de l’Orchestre de l’Opéra de Genève dès 1920, il fonde la Société des Musiciens professionnels de Genève (1925) dont il est le premier président (1920-35). Professeur aux conservatoires de Lausanne (1924-43) et de Genève (1934-61), il fait une carrière internationale de concertiste (1932-35). Violon solo de l’Orchestre de la Suisse romande (OSR), il se sent de plus en plus attiré vers la direction d’orchestre et est engagé (1935) comme second chef de l’Orchestre de Radio-Lausanne. Dès 1938, il est chef attitré et permanent de l’Orchestre de Radio-Genève. Il dirige en outre plus de cinquante orchestres, en Europe, en Afrique et en Amérique. Son répertoire est immense, mais sa culture raffinée l’attire spécialement vers la musique française et italienne des XVIIe et XVIIIe siècles. Il s’intéresse également à la musique contemporaine et servira grandement la cause des compositeurs suisses. Parmi ses très nombreuses créations : Concerto pour violon (Wladimir Vogel, 1948), Concerto pour piano (Raffaele d’Allessandro, 1950), Aspect d’une série de 12 sons (Vogel, 1951), Concerto pour piano no 2 (Frank Martin, 1960), Symphonie no 2 (Pierre Wissmer, 1963). Correspondant des revues musicales de Paris, de Londres, il a introduit en Suisse les Jeunesses musicales.

ÉCRITS : De Palestrina à Bartók. Études musicologiques (Paris, 1965).

Aragall, Giacomo (Jaime Arajall)

Ténor espagnol, né à Barcelone le 6 juin 1939.

Il attend sa vingtième année pour entreprendre des études de chant auprès de Francesco Puig à Barcelone. En 1962, il obtient le second prix au Concours de chant de Bilbao et une bourse pour poursuivre ses études avec Vladimiro Badiali, à Milan. En 1963, il est engagé à la Scala de Milan, après avoir remporté le Concours Verdi, à Busseto. Le succès est si grand qu’aussitôt une carrière internationale s’offre à lui. En 1966, il chante Rodolpho dans La Bohème, mise en scène par Zeffirelli, à l’Opéra de Vienne. En 1967, il chante I Lombardi de Verdi à Venise puis au Théâtre Massimo de Palerme, au San Carlo de Naples, à Rome, Turin et Bologne. Il apparaît aux Arènes de Vérone, retourne au Liceo de Barcelone, est invité à Berlin, à Hambourg et à Covent Garden. Enfin, en 1968, il est invité au Met. À l’Opéra de Paris, il chante La Bohème. Un grand talent de comédien, soutenu par une réelle beauté physique, tout chez Aragall est mis au service d’une voix puissante, chaude et rayonnante. C’est évidemment dans le répertoire italien qu’il remporte ses plus grands succès.

Araiza, Francisco

Ténor mexicain, né à Mexico le 4 octobre 1950.

Après des études à l’Université de cette ville, il étudie le chant au conservatoire local avec Irma Gonzales et débute à vingt ans à l’Opéra de Mexico (Jaquino dans Fidelio). En 1974, il se rend en Europe pour étudier à la Musikhochschule de Munich avec Richard Holm et Erik Werba, et appartient successivement aux opéras de Karlsruhe et de Zurich où il développe son répertoire mozartien. Les étapes de sa carrière internationale passent par Aix-en-Provence (Così en 1977 et 1980, Idrène dans Sémiramis en 1980), Bayreuth (le Pilote du Vaisseau fantôme en 1978 et 1979), les opéras de Stuttgart, Munich, Vienne et Paris (Sémiramis en 1981), ainsi que Salzbourg (Così en 1982). Il débute à San Francisco en 1982 puis au Met en 1984 dans Belmonte (L’Enlèvement au sérail). Il s’oriente alors vers des rôles plus lourds : Des Grieux (Vienne, 1983), Rigoletto (Zurich, 1985), Faust (Vienne, 1985), Alfredo (Chicago, 1985). En 1989, il chante Alfredo à Versailles lors des représentations commémoratives du bicentenaire de la Révolution française. On le voit ensuite incarner Lohengrin (Fenice de Venise, 1991), Stolzing (Met, 1992), Riccardo (Un bal masqué), Werther avant de chanter Hoffmann au Châtelet en 1991. Il consacre une part importante de ses activités au lied.

Arányi, Jelly d’

Violoniste hongroise naturalisée anglaise, née à Budapest le 30 mai 1893, morte à Florence le 30 mars 1966.

Petite-nièce de Joseph Joachim, Jelly d’Arányi fait ses études musicales auprès de Jenö Hubay à l’Académie royale de Budapest. Elle débute à Vienne en 1909 et commence une carrière internationale qui la mènera, entre autres pays, en Angleterre où elle se fixe, à Londres. Elle y donne la première audition anglaise des deux sonates pour violon et piano de Bartók (qui lui sont dédiées), en compagnie du compositeur, en 1922 et 1923. Elle reçoit également en dédicace la Sonate pour violon seul d’Egon Wellesz, Tzigane de Maurice Ravel et le Concerto pour violon de Ralph Vaughan Williams qu’elle crée respectivement en 1923, 1924 et 1925, ainsi que le Double Concerto de Holst écrit pour elle et sa sœur, Adila Fachiri.

Elle a joué en trio, avec Guilhermina Suggia et Fanny Davies, avec Felix Salmond et Myra Hess, cette dernière étant, pendant plus de vingt ans, sa partenaire en sonate. Elle a joué sur un Carlo Bergonzi et sur un Stradivarius de 1667 qui porte à présent son nom.

Arbós, Enrique Fernandez

Chef d’orchestre, violoniste et compositeur espagnol, né à Madrid le 24 décembre 1863, mort à San Sebastián le 2 juin 1939.

Après avoir travaillé au Conservatoire de Madrid avec Jesús de Monasterio, il passe quatre ans à Bruxelles où il est l’élève de Vieuxtemps pour le violon et de Gevaert pour la composition. Puis il séjourne trois ans à Berlin où il se perfectionne avec Joachim et Herzogenberg. Il est nommé professeur au Conservatoire de Hambourg et débute, en 1889, comme violon solo de l’Orchestre de Glasgow. Pendant quelque temps, il occupera les mêmes fonctions à l’Orchestre philharmonique de Berlin et à l’Orchestre symphonique de Boston. De retour en Angleterre, il est nommé professeur de violon au Royal College of Music (1894-1916). Il se tourne alors vers la direction d’orchestre et est nommé à la tête du nouvel Orchestre symphonique de Madrid dont il sera le chef permanent jusqu’à la guerre civile (1904-36). Il enseigne au Conservatoire de Madrid et est nommé maître de musique de la chapelle royale d’Espagne. Fervent défenseur de la musique contemporaine, il dirige des créations de Manuel de Falla (Nuits dans les jardins d’Espagne, 1916), Joaquín Turina (La procesión del Rocío, 1913 ; Sinfonia sevillana, 1920). Il dirige également la première exécution espagnole du Sacre du printemps (1932). Président de la section espagnole de la SIMC, il organise la session de 1936 à Barcelone où est notamment créé le Concerto à la mémoire d’un ange de Berg. On lui doit plusieurs œuvres, dont un opéra-comique, El Centro de la Tierra (1895) et l’orchestration de plusieurs fragments d’Iberia d’Albéniz.

Arco, Annie d’

Pianiste française, née à Marseille le 28 octobre 1920, morte à Paris le 5 mars 1998.

Elle travaille d’abord le piano au Conservatoire de Marseille avec la mère du flûtiste Alain Marion puis avec Marguerite Long qui l’invite à venir étudier avec elle à Paris. Elle entre au Conservatoire dans sa classe en 1934 et obtient un 1er prix en 1938. Entre 1938 et 1943, elle est accompagnatrice du violoniste Jules Boucherit au Conservatoire et accompagne également les élèves des classes de chant et d’instruments à vent. Remarquée par Eugène Bigot, elle donne son premier concert sous sa direction à l’Orchestre Lamoureux. Elle se produit alors avec les autres formations parisiennes ainsi qu’à l’étranger. En 1946, elle est lauréate du Concours de Genève. Parallèlement à sa carrière de soliste, elle accompagne régulièrement les grands solistes français et étrangers Henryk Szeryng, André Navarra, Jean-Pierre Rampal, Pierre Pierlot… De 1959 à 1966 elle est collaboratrice de Jean Doyen au Conservatoire de Paris. À partir de 1966, elle enseigne à l’École Normale de Musique. Elle était mariée avec le corniste Gilbert Coursier.

Arena, Maurizio

Chef d’orchestre italien, né à Messine le 13 mars 1935.

Il fait ses études à Palerme puis à Pérouse où il est l’élève de Franco Ferrara. Il travaille également comme assistant de Tullio Serafin et d’Antonino Votto. De 1963 à 1969, il est directeur du Théâtre Massimo de Palerme. À partir de 1969, il dirige en Italie les grands orchestres et les grandes scènes lyriques. Depuis 1968, il assure la création de l’œuvre primée au concours de composition de Trieste. Il dirige pour la radio-télévision italienne des opéras peu connus d’Anton Rubinstein, Ricardo Zandonai et Italo Montemezzi.

Arens, Rolf-Dieter

Pianiste allemand, né à Zinnwald le 16 février 1945.

Élève d’Oswin Kellet (1950-60), il travaille entre 1963 et 1968 à la Musikhochschule de Leipzig avec Heinz Vogler (piano) et Ludwig Schuster (musique de chambre). En 1966, il est lauréat du Concours international de Budapest, en 1968 du Concours Bach de Leipzig et, en 1971, du Concours international Marguerite Long-Jacques Thibaud à Paris. Il travaille à Vienne avec Paul Badura-Skoda. En 1970, il est nommé assistant à la Hochschule für Musik de Leipzig et, en 1973, Oberassistent. Il occupe la même fonction à la Franz-Liszt-Hochschule de Weimar à partir de 1976 où il est nommé Dozent en 1979 puis Ordente-Professor en 1986. En 1989, il occupe le même poste à la Musikhochschule de Leipzig et s’impose comme l’un des principaux représentants de l’école de piano est-allemande.

Argenta, Atáulfo

Chef d’orchestre espagnol, né à Castro Urdiales (Santander) le 19 novembre 1913, mort à Los Molinos (Madrid) le 21 janvier 1958.

Au Conservatoire de Madrid, où il entre à l’âge de treize ans, il travaille le piano, le violon et les écritures. Il obtient le Prix Kristina Nilsson qui lui permet de poursuivre ses études en Belgique. De retour à Madrid, il est répétiteur puis second chef à l’Opéra (1933). Lors de la guerre civile, il est mobilisé dans l’armée de Franco et ne reprend ses activités qu’en 1939. Il donne alors une série de récitals de piano en Allemagne et rencontre Carl Schuricht qui l’incite à poursuivre ses études. Pendant quatre ans, il suit ses conseils et commence à enseigner à Kassel. En 1944, il fonde l’Orchestre de chambre de Madrid et, en 1947, il est nommé chef permanent de l’Orchestre national d’Espagne.

Sa carrière se développe très rapidement. Il est l’invité privilégié de la Société des Concerts à Paris et de l’Orchestre de la Suisse romande à Genève. Ansermet voit même en lui son successeur mais sa carrière est interrompue par un accident. Argenta possédait une présence étonnante. Il tirait profit de ses origines méditerranéennes et de sa formation germanique avec beaucoup de subtilité. Son répertoire, tourné d’abord vers l’Espagne, était ouvert à la musique contemporaine.

Argerich, Martha

Pianiste argentine et suisse, née à Buenos Aires le 5 juin 1941.

À l’âge de quatre ans, elle donne son premier concert. À huit ans, elle travaille avec Vincente Scaramuzza et joue ensuite chaque année en public. Elle veut devenir médecin, mais la musique ne la lâche pas. Elle vient en Europe avec sa famille en 1955 pour étudier à Vienne avec Friedrich Gulda et à Genève avec Madeleine Lipatti et Nikita Magaloff. En 1957, elle remporte les concours de Bolzano et de Genève et commence une carrière internationale qu’elle interrompt en 1960, ne se sentant pas assez mûre. Elle épouse le compositeur Robert Chen en 1963. Revenue en Amérique, elle ne reprendra sa vie de pianiste qu’en 1964 (cours avec Stefan Askenase et sa femme). Lauréate au Concours Chopin de Varsovie (1er prix en 1965), elle épouse – en secondes noces – le chef d’orchestre Charles Dutoit (1969). Horowitz et Michelangeli (qui lui a donné des leçons) l’estiment. Un enregistrement du Troisième Concerto de Prokofiev sous la direction de Claudio Abbado (1967) la rend soudain célèbre. Sa carrière se développe rapidement, mais elle est interrompue par des périodes de silence. Son tempérament fougueux cache une personnalité inquiète, qui a besoin d’être entourée, rassurée. Parallèlement à sa carrière en soliste, elle s’investit dans la musique de chambre : elle joue à deux pianos avec Stephen Kovacevich (son troisième mari). Au début des années quatre-vingt, elle trouve en Gidon Kremer un partenaire qui l’entraîne dans de nouvelles découvertes musicales, notamment au Festival de Lockenhaus. Puis c’est le pianiste Alexandre Rabinovitch qui dialogue avec elle à deux pianos. Elle joue également avec Nelson Freire et James Galway. Elle fonde des festivals dans lesquels se côtoient collègues (Natalia Gutman, Nobuko Imai, Mischa Maisky) et jeunes instrumentistes qu’elle veut aider, d’abord à Buenos Aires en 1999 (concours et festival), puis à Nimègue (Pays-Bas), et à Lugano (Suisse) en 2002. Ses apparitions se font de plus en plus rares, émaillées de concerts annulés lorsqu’elle craint de ne pouvoir livrer le meilleur d’elle-même. Nature pleine de contradictions, dotée d’un charisme d’exception, son approche de la musique repose sur l’instinct et la perpétuelle remise en cause. « J’aime vraiment jouer du piano, dit-elle, mais j’ai horreur d’être pianiste. » Une légende qui ne cesse de surprendre. Elle a créé des œuvres de Rodion Chtchedrine (Double Concerto pour piano et violoncelle « L’Offrande romantique », 2011).

Argiris, Spiros

Chef d’orchestre grec, né à Athènes le 24 août 1948, mort à Nice le 19 mai 1996.

Il fait ses études classiques à Genève et travaille le piano avec Alfons Kontarsky. Puis il aborde la direction d’orchestre avec Hans Swarowsky et travaille également avec Nadia Boulanger à Paris. Il débute sa carrière en Allemagne fédérale où il réside et s’impose notamment dans le domaine lyrique et dans la musique contemporaine (opéras de Berlin, Hambourg, Cologne, WDR…). Invité à la Biennale de Venise et au Mai musical florentin, il est nommé en 1986 directeur musical du Festival des Deux Mondes de Spoleto, poste qu’il conserve jusqu’en 1992. Il est également chef permanent au Teatro Verdi de Trieste (1987-91). En 1988, il est pendant quelque temps directeur musical de l’Opéra de Nice et de l’Orchestre philharmonique de Nice. En 1991, il est nommé directeur artistique du Teatro Massimo Bellini de Catane. En 1994, il prend la direction musicale du Festival des Deux Mondes de Charleston (Caroline-du-Sud).

Il a créé des œuvres de Hans Jürgen von Bose (Die Nacht aus Blei, 1981), Alberto Bruni Tedeschi (Secondatto, opéra, 1987), Aldo Clementi (Adagio cantabile, 1989), Hans Werner Henze (El Rey de Harlem, 1980), Dimitris Terzakis (Passionen).

Arié, Raphael

Basse bulgare, naturalisé israélien, né à Sofia le 22 août 1920, mort à Saint-Moritz le 16 février 1988.

Il veut d’abord étudier le violon mais découvre sa voix grâce au baryton Cristo Brambaroff. En 1939, il débute dans Le Messie de Haendel, à Sofia, où il est engagé à l’Opéra, en 1945. L’année suivante, il obtient le 1er prix au Concours international de Genève, ce qui lui ouvre les portes de la Scala de Milan, en 1947. Le très grand succès qu’il y remporte incite la direction à renouveler son contrat d’année en année. Entre-temps, il se produit à Vérone, à Aix-en-Provence, au Mai musical de Florence, ainsi que dans les plus grands théâtres lyriques d’Allemagne, de France et d’Amérique du Nord. Le 11 septembre 1951, il participe à la création à Venise du Rake’s Progress de Stravinski avec Schwarzkopf et Kraus. En 1953, il chante, à Salzbourg, le Commandeur de Don Giovanni, en 1960 le Grand Inquisiteur de Don Carlos et en 1962, pour la réouverture du Grand-Théâtre de Genève, Philippe II.

Sa puissante voix de basse lui a permis d’être un exceptionnel Boris Godounov mais aussi de s’imposer aussi bien dans le répertoire italien que dans la littérature contemporaine.

ÉCRITS : Sbirciando tra le quinte, Azzali (Parme, 1989).

Arkhipova, Irina

Mezzo-soprano russe, née à Moscou le 2 décembre 1925, morte à Moscou le 11 février 2010.

Elle étudie d’abord l’architecture en suivant, de 1948 à 1953, les cours de l’Institut d’architecture de Moscou. Ayant opté pour les études de chant, elle entre au Conservatoire dans la classe de Safwranski. Elle fait ses débuts à l’Opéra de Sverdlovsk (1954-56), puis c’est le Bolchoï de Moscou qui l’appelle, lui offrant le rôle de Carmen, pour ses débuts. Le succès est immédiat et elle se voit offrir les rôles les plus divers, de Ljubascha (La Fiancée du tsar de Rimski-Korsakov), Marina (Boris Godounov), Marfa (Khovanchtchina), Eboli (Don Carlos), Charlotte (Werther), à Hélène (Guerre et Paix de Prokofiev), ainsi que plusieurs rôles dans des ouvrages russes contemporains. Invitée dans le monde entier, partout ses succès la consacrent comme l’alto russe la plus importante de notre époque. Les grands moments de sa carrière se situent à la Scala de Milan : en 1967 comme Marfa et en 1971 comme Marina. En 1972, elle est invitée à San Francisco pour y tenir le rôle d’Amneris (Aïda). Sa voix prenante, chaude et ensorcelante a su vaincre la lourdeur d’un certain vibrato traditionnel de l’école russe. Son abattage scénique, son rayonnement en font davantage une cantatrice d’opéra que de concert.

Armengaud, Jean-Pierre

Pianiste français, né à Clermont-Ferrand le 17 juin 1943.

Il aborde la musique dès l’âge de cinq ans et travaille avec Marcel Jacquinot et Pierre Sancan puis, avec Jean Micault, à l’École Normale de Musique de Paris, où il reçoit, en 1966, sa licence de concert. Il avait été, l’année précédente, diplômé de l’Institut d’études politiques de Paris tout en terminant à la Sorbonne un doctorat de musicologie. Il suit des cours de perfectionnement avec Guido Agosti (Sienne), Jacques Février et Reine Gianoli (Paris) et reçoit des diplômes aux concours de Vercelli et Pozzolli (Italie). Il développe rapidement une carrière de conférencier, de producteur d’émissions à la radio et de pianiste au répertoire électrique, avec un goût marqué pour la musique du XXe siècle.

Fondateur des Fêtes musicales de la Sainte-Baume, il y réalise de nombreuses créations. En 1975, il est nommé délégué régional à la musique du ministère de la Culture en Provence-Côte d’Azur. Il est ensuite nommé conseiller culturel à l’ambassade de France en Suède, à Stockholm (1982-85) puis en Grèce, à Athènes (1985-88). Entre 1990 et 1996, il est conseiller technique à Radio France, puis il est chargé de cours à l’Université de Paris IV-Sorbonne. En 2003, il prend la direction du Centre culturel de l’Ouest à l’Abbaye royale de Fontevraud.

ÉCRITS : Erik Satie, Fayard (Paris, 2009).

Arming, Christian

Chef d’orchestre autrichien, né à Vienne le 18 mars 1971.

Fils d’un des présidents de la Deutsche Grammophon Gesellschaft, il passe son enfance à Hambourg où il commence ses études musicales. Puis il travaille la direction d’orchestre à Vienne avec Leopold Hager. Seiji Ozawa le prend sous son aile et il le suit à Tanglewood et à Tokyo entre 1992 et 1998. Sa carrière prend vite un essor international. Entre 1995 et 2002, il est à la tête de l’Orchestre philharmonique d’Ostrava, en République tchèque. Puis il dirige l’Orchestre symphonique de Lucerne (2001-04). Dans le domaine lyrique, il débute à Salzbourg en 1997. Puis il est invité par les opéras de Trieste, Vérone, Strasbourg, Francfort. Entre 2003 et 2013, il est directeur musical du New Japan Philharmonic Orchestra. En 2011, il prend la direction musicale de l’Orchestre philharmonique de Liège.

Armstrong, Karan

Soprano américaine, née à Dobson (Montana) le 14 décembre 1941.

Elle étudie le piano et la clarinette au Concordia College Moorhead (Minnesota), puis le chant avec Lotte Lehmann, Fritz Zweig et Tilly de Garmo. Elle remporte le 1er prix du Concours de l’Opéra de San Francisco, et débute au Met puis au New York City Opera, et enfin en Europe. C’est Salomé qu’elle chante à Francfort, Strasbourg, Hambourg, Toulouse, Oslo et Berlin qui contribue à l’y rendre célèbre, ainsi que ses incarnations des héroïnes contemporaines : Lulu, Marie (Wozzeck), qu’elle chante à Covent Garden, Zurich… Elle crée le rôle de « die Tödin » du Jesu Hochzeit de G. von Einem à Vienne en 1980, et le rôle-titre de Lou Salomé de Sinopoli à Munich en 1981. Au répertoire de ses débuts (Norina, Adina, Musetta, Gilda…) elle a ajouté Nedda, Mimi, Manon Lescaut, Butterfly, Tosca, Eva, Elsa, qu’elle chante à Bayreuth à partir de 1979, Mélisande qu’elle chante à l’Opéra de Paris en 1980, Katia Kabanová (Paris et Berlin), Jocaste dans Œdipe de Georges Enesco (Berlin, 1996)… Elle a épousé le metteur en scène et directeur de l’Opéra de Berlin Götz Friedrich.

Elle a créé des œuvres de Gottfried von Einem (Jesu Hochzeit, 1980), York Höller (Der Meister und Margarita, 1989), Giuseppe Sinopoli (Lou Salomé, 1981).

Armstrong, Sheila

Soprano anglaise, née à Ashington (Northumberland) le 13 août 1942.

Après des études effectuées à la Royal Academy of Music de Londres, elle remporte en 1965 le Prix K. Ferrier et le Prix Mozart. Elle débute alors aussitôt au Sadler’s Wells (Despina) et entre en 1966 dans les chœurs du Festival de Glyndebourne, où elle chantera plus tard en soliste (Pamina, Zerline, Fiorilla du Turc en Italie). En 1973, elle débute à Covent Garden et à New York aux concerts de l’Orchestre philharmonique. En 1970, elle crée au Three Choirs Festival le Notturni ed alba de John McCabe qui lui est dédié et, en 1989, Black Beauty de Marco Tutino.

Arndt, Günther

Chef d’orchestre allemand, né à Berlin-Charlottenburg le 1er avril 1907, mort à Berlin le 25 décembre 1976.

Il fait ses études musicales à l’Académie de Berlin, de 1925 à 1930, tout en suivant des cours de musicologie à l’Université. De 1932 à son appel sous les drapeaux, il enseigne la musique et la direction chorale à la Volkshochschule du Grand Berlin (1932-40), où il fonde et dirige la Chorale Heinrich Schütz. Après la guerre, il se voit confier la responsabilité du département musique de chambre à la radio berlinoise. Il est nommé en 1949 rapporteur du département musique symphonique au RIAS. Il en dirige, entre 1954 et 1972, le chœur de chambre, ainsi que le Berliner Motettenchor qu’il fonde en 1949, ensemble qu’il abandonne en 1964 pour prendre en main le département musical du RIAS. Il dirige également depuis 1965 la section musique de la Freie und Technische Hochschule de Berlin.

À la tête du chœur de chambre du RIAS, qu’il a fait mondialement connaître, Arndt a créé de nombreuses œuvres, signées Henze, Křenek, Schoenberg, Reimann, Milhaud…, et contribué, par de ferventes interprétations, à faire redécouvrir les prédécesseurs de Bach, Schütz en particulier.

Aronowitz, Cecil

Altiste anglais, né à King William’s Town (Afrique du Sud) le 4 mars 1916, mort à Ipswich le 7 septembre 1978.

De parents russes lituaniens, il travaille au Royal College of Music de Londres avec Vaughan Williams, G. Jacob et, pour le violon, avec A. Rivarde. Il ne se tourne vers l’alto qu’après la guerre. Il joue dans la plupart des orchestres londoniens, étant alto solo de l’Orchestre de chambre Boyd Neel, des London Mozart Players et de l’English Chamber Orchestra. Il participe à la fondation du Melos Ensemble auquel il appartient (1950). Il s’associe fréquemment à l’Amadeus Quartet pour des séances de quintette. Pédagogue important, il enseigne au Royal College of Music de Londres (1950-75), à celui de Manchester (1975-77) et à la Snape Maltings School (1977-78).

Arrau, Claudio

Pianiste chilien naturalisé américain (1979), né à Chillán le 6 février 1903, mort à Mürzzuschlag (Autriche) le 9 juin 1991.

À cinq ans, enfant prodige, il donne son premier récital dans sa ville natale. Il a onze ans quand il donne son premier concert à Berlin. Le gouvernement chilien l’envoie parfaire ses études musicales en Allemagne. Il devient, de 1913 à 1918, l’élève de Martin Krause, lui-même l’un des derniers élèves de Liszt. À la mort de son maître (1918), Claudio Arrau travaillera sans professeur. Ce qui ne l’empêchera pas de remporter deux années de suite (1919-20) le Prix Liszt qui n’avait pas été décerné depuis quarante-cinq ans… C’est le commencement d’une grande carrière internationale. Ses débuts américains datent de 1924. En 1925 il est nommé professeur au Conservatoire Stern de Berlin où il enseigne jusqu’en 1940. À la même époque, il enregistre son premier disque (1926). En 1927 il obtient le 1er prix au Concours international de Genève devant un jury où figurent Cortot et Rubinstein. Il donne son premier concert avec l’Orchestre philharmonique de Berlin en 1928. En 1935, il donne à Berlin l’œuvre de Bach pour clavier en douze concerts. L’année suivante, il joue l’œuvre de Mozart et, en 1937, se consacre à Schubert. Il épouse la cantatrice Ruth Schneider et fait d’innombrables tournées – plus de cent concerts par an – offrant un répertoire très vaste, de Bach aux compositeurs contemporains, avec cependant une très nette prédilection pour la musique romantique. En 1941, il se fixe aux États-Unis, un pays qui l’avait pourtant mal accueilli lors de ses premières tournées, Arrau ayant toujours refusé de faire la moindre concession au succès dans ses programmes. En 1967, il renonce à son passeport chilien pour protester contre la situation politique dans son pays natal. Il obtient la nationalité américaine en 1979 et ne revient au Chili qu’en 1984, après dix-sept ans d’absence. On l’y considère alors comme un héros national et une rue de sa ville natale porte son nom.

Il réalise de très nombreux disques parmi lesquels plusieurs intégrales des sonates pour piano et des concertos de Beethoven. En 1967 il crée le Fonds Claudio Arrau pour les jeunes musiciens. Il entreprend, pour les Éditions Peters, une nouvelle édition des sonates de Beethoven, dont le premier volume paraît en 1973. En 1978 l’Orchestre philharmonique de Berlin lui décerne la Médaille Hans von Bülow pour fêter le cinquantenaire de son premier concert avec lui. Claudio Arrau est incontestablement l’un des plus grands pianistes de ce siècle, l’un des derniers représentants de la grande tradition de liberté créatrice héritée en ligne directe de Liszt. Malgré une étonnante technique qu’il conserva jusqu’à un âge avancé, il faisait figure d’antivirtuose, refusant jusqu’aux bis. Il possédait un sens orchestral du piano et une densité du son caractéristiques de l’école allemande, avec un sens de la rigueur qu’il élevait parfois jusqu’à l’intransigeance.

ÉCRITS : Arrau parle (par Joseph Horowitz, 1985).

Arrauzau, Francine

Mezzo-soprano française, née à Bordeaux le 10 octobre 1935, morte à Tours le 20 avril 1981.

Elle fait ses études au Conservatoire de Bordeaux et y remporte trois 1ers prix. Au Conservatoire de Paris, elle remporte les mêmes récompenses. Après une année de rodage dans de petits rôles à Bordeaux, elle est engagée à l’Opéra de Paris où, après de discrets débuts dans Les Indes galantes, elle s’impose dans une Carmen explosive, son rôle fétiche. Elle le chante régulièrement de 1963 à 1970, y remportant un succès sans cesse croissant. Parallèlement, elle s’intègre à la troupe, y chantant avec intelligence et brio des seconds plans, tandis qu’elle se fait connaître en province dans ses vrais emplois tels que Mignon. De cette troupe démantelée, elle est l’une des rares rescapées de l’ère Liebermann, mais pour de tout petits emplois. Et puis, un beau jour, c’est la chance ! Reprise de Samson et Dalila. F. Cossotto, affichée, annule tout. Francine Arrauzau est là et sauve le spectacle. Elle sera désormais Dalila, puis Charlotte. Il y a ensuite cette Périchole de Carpentras, qui achève de faire d’elle une vedette adorée du public. Cette Périchole qu’elle venait de chanter à Tours lorsque, sur le chemin du retour, elle est tuée, renversée par une voiture.

Arroyo, Martina

Soprano américaine, née à Harlem le 2 février 1936.

Fille d’ingénieur, elle apprend le piano et en même temps, à Hunter College, les langues et la littérature romane, tout en travaillant sa voix avec Marinka Gurewich. Elle est d’abord institutrice, assistante sociale et pédagogue. En 1958, elle débute dans un concert à Carnegie Hall ; mais le commencement de sa carrière est difficile. Il lui faut attendre le Concours des auditions du Metropolitan Opera of the air qu’elle gagne et qui lui vaut un engagement au Met. Mais elle n’obtient que de petits rôles, comme la Voix céleste de Don Carlos ; elle vient en Europe, est engagée à l’Opéra de Berlin, puis à celui de Vienne, où elle remporte des succès notoires dans le rôle-titre d’Aïda. Pendant la saison 1964-65, elle remplace à deux reprises (dont une fois au Met) Birgit Nilsson dans ce même rôle d’Aïda. C’est le triomphe qui la propulse parmi les stars du monde lyrique, sur les plus grandes scènes d’Europe et d’Amérique. Elle se sent à l’aise dans les rôles les plus périlleux des grandes héroïnes italiennes (Amelia du Bal masqué, Tosca, Lady Macbeth, Léonore de La Force du destin, voire Donna Anna de Don Giovanni). Elle se risque même à chanter Wagner (Elsa de Lohengrin) mais refuse l’invitation de Herbert Graf qui lui offre de chanter Lucia au Grand-Théâtre de Genève (1972). À Covent Garden, au Colón, à la Scala, à Chicago, à San Francisco, à l’Opéra de Hambourg et à Paris enfin, elle s’impose comme une voix d’or qui sacrifie l’intensité du jeu pour préserver la beauté de l’exécution musicale. Elle entreprend une carrière de concertiste et s’intéresse à la musique contemporaine, créant notamment Andromache’s Farewell de Barber (1963) et Momente de Stockhausen (1965). Elle a épousé le violoniste Emilio Poggioni.

Artaud, Pierre-Yves

Flûtiste français, né à Paris le 13 juillet 1946.

Il remporte un 1er prix de flûte au Conservatoire national supérieur de Paris en 1969 (classe de G. Crunelle) suivi d’un 1er prix de musique de chambre en 1970 (classe de Christian Lardé). En 1970-71, il suit le 3e cycle de musique de chambre au Conservatoire national supérieur et obtient un certificat d’acoustique musicale du GAM (faculté de Paris IV). En 1971 il est flûte solo à l’Orchestre Laetitia Musica puis, à partir de 1972, flûte solo aux ensembles l’Itinéraire et 2e2m. Parallèlement il est nommé, en 1965, professeur au Conservatoire d’Asnières, en 1970 musicien animateur des JMF, de 1973 à 1980 il dirige l’atelier de flûte contemporaine aux Fêtes musicales de la Sainte-Baume ; depuis 1978, il est professeur invité aux camps musicaux de Pécs et Csongrád en Hongrie. En 1981, il est responsable à l’IRCAM de la cellule de recherche instrumentale et, en 1982, professeur invité à l’Académie de Darmstadt. Il est directeur de collections de musique contemporaine et classique chez différents éditeurs. En 1964 il crée le quatuor de flûtes Arcadie. De 1970 à 1972 il fait partie du Quintette à vent Da Camera et, de 1973 à 1974, du Quintette instrumental Albert Roussel. Depuis 1971, il se produit avec la harpiste Sylvie Beltrando et, depuis 1978, avec le claveciniste Pierre Bouyer. En 1985, il est nommé professeur de musique de chambre au Conservatoire national supérieur de Paris et professeur de flûte en 1989. Il enseigne ensuite à l’École Normale de Musique de Paris. En 1996-97, il est directeur artistique de l’Ensemble 2e2m. Parmi les nombreuses créations qu’il a données figurent des œuvres de Gilbert Amy, Alain Bancquart (Duo pour flûte et violoncelle, avec Alain Meunier, 1980 ; Cérémonial I, 1984 ; Cérémonial V, 1985 ; Grande Mélodie, 1988 ; Sonate pour flûte seule, 1989 ; Ma manière de nuit, 1989), André Boucourechliev, Régis Campo (La Tempesta, concerto pour flûte no 2, 2005), Charles Chaynes (Via ercolensi pour flûte et orchestre, 1991), Nguyen-Thien Dao (Framic, 1994), Michel Decoust (Le Cygne, 1982), James Dillon (Blitzschlag pour flûte et orchestre, 1997), Franco Donatoni, Hugues Dufourt (La Maison du sourd pour flûte et orchestre, 2001), Pascal Dusapin (Shin’gyo, 1982 ; L’Aven, 1983 ; Ici, 1986), Brian Ferneyhough (Cassandra’s Dream Song, 1974 ; Unity Capsule, déd., 1976), Graciane Finzi (Processus, 1972), Klaus K. Hübler (Epiphyt, 1989), Sofia Goubaïdoulina (Concerto pour flûte, cordes et percussion, 1995), Betsy Jolas (Fusain 1982), Michaël Lévinas, Alain Louvier (Chant des aires, concerto pour flûte et orchestre de 24 flûtes, déd., 1988), Paul Mefano, Tristan Murail (Éthers, 1978), Emmanuel Nunes (Grund, 1983 ; Ludi concertati no 1, 1985 ; Aura, 1986 ; Machina mundi, 1992), Maurice Ohana, Toshio Hosokawa (Concerto pour flûte « Per sonare », 1988), Luis de Pablo (Figura en el mar, déd., 1990), Doina Rotaru (Concerto pour flûte et orchestre de flûte no 4, 1996), Yoshihisa Taïra (Érosion I, 1980), Éric Tanguy (Concerto pour flûte et 16 instruments, 1993), Antoine Tisné, Ton-That Tiêt (Le Tombeau de Christian Lardé, 2013), Anatol Vieru (Concerto pour flûte no 2, 1998).

ÉCRITS : La Flûte, Salabert-Lattès (Paris, 1987).

Asahina, Takashi

Chef d’orchestre japonais, né à Tokyo le 9 juillet 1908, mort à Kobé le 29 décembre 2001.

Après des études juridiques à l’Université de Kyoto, il travaille la direction d’orchestre avec E. Metter et L. Kreutzer. Entre 1942 et 1947, il est à la tête de l’Orchestre symphonique de la radio d’Osaka. Puis il fonde l’Orchestre symphonique de Kansaï dont il prend la direction (depuis 1960 Orchestre philharmonique d’Osaka). Il enseigne à l’Académie de musique d’Osaka et assure la direction artistique du festival. En 1952, il prend la direction musicale du Kansaï-Opera d’Osaka. À partir de 1956, il mène une importante carrière de chef invité dans le monde entier. Son fils, Chitaru Asahina (Osaka, 8 mai 1943), clarinettiste de formation, a pris la direction de l’Orchestre philharmonique d’Osaka en 1979.

Ashkenazy, Vladimir

Pianiste et chef d’orchestre russe naturalisé islandais (1972), né à Gorki le 6 juillet 1937.

Il commence très jeune à étudier le piano avec ses parents, tous deux pianistes. Il travaille ensuite avec Anaida Sumbatian à l’École centrale de musique de Moscou et, en 1955, entre dans la classe de Lev Oborine au Conservatoire Tchaïkovski. À l’âge de dix-huit ans, il remporte le 2e prix du Concours Chopin de Varsovie. L’année suivante il obtient le 1er prix au Concours Reine Élisabeth de Belgique (1956). Ces distinctions lui permettent de faire une grande tournée aux États-Unis et au Canada. En 1961, il épouse une jeune pianiste islandaise, Sofia Johannsdottir, qui fait alors ses études à Moscou. En 1962, il se voit décerner le 1er prix du Concours Tchaïkovski, qui lui assure une renommée internationale. En 1963, il passe à l’Ouest et s’installe à Londres avec sa femme et ses enfants. Il joue avec les plus grands interprètes du moment. Son succès ne cesse de croître en Grande-Bretagne, et il réalise pour la BBC une intégrale des trente-deux sonates de Beethoven. En 1968, il fuit Londres et son agitation, et va s’établir en Islande. Là, il organise tous les deux ans le Festival de Reykjavík. Ennemi du « pianisme », de l’effet pour l’effet, son jeu sobre et raffiné lui ouvre un répertoire immense : de Mozart à Chostakovitch, en passant par Prokofiev et Chopin bien entendu, pour lequel il a une prédilection. Il met fin à sa carrière pianistique publique en 2008.

À partir de la fin des années soixante-dix, il se consacre parallèlement à la direction d’orchestre, dirigeant d’abord du clavier les concertos dont il tient la partie soliste (il donne et enregistre l’intégrale des concertos pour piano de Mozart) avant de se tourner vers le grand répertoire symphonique. Entre 1987 et 1994, il est directeur musical du Royal Philharmonic Orchestra de Londres et, entre 1989 et 1999, il est chef permanent de l’Orchestre radio-symphonique de Berlin, aujourd’hui Deutsches Symphonie-Orchester Berlin. Entre 1998 et 2003, il est directeur musical de l’Orchestre philharmonique tchèque. En 2004, il prend la direction de l’Orchestre symphonique de la NHK, à Tokyo, d’abord comme directeur musical (jusqu’en 2007) puis comme chef d’orchestre lauréat. Il est en outre directeur musical de l’Orchestre des Jeunes de l’Union européenne. Entre 2009 et 2014, il est directeur musical de l’Orchestre symphonique de Sydney. Entre 2013 et 2015, il est principal chef invité de l’Orchestre de la Suisse italienne, à Lugano. Ses deux fils mènent également des carrières musicales, Vovka (Moscou, 1961) comme pianiste et Dimitri (New York, 1969) comme clarinettiste. Il vit en Suisse.

ÉCRITS : Par-delà les frontières, entretiens avec Jasper Parrott, L’Âge d’homme (Paris, 1988).

Askenase, Stefan

Pianiste polonais naturalisé belge (1950), né à Lemberg (Lvóv) le 10 juillet 1896, mort à Bonn le 18 octobre 1985.

Dans sa ville natale, il commence à étudier le piano avec sa mère, élève de Carl Mikuli, lui-même disciple de Chopin. Après avoir fréquenté le Collège de Lvóv, il suit l’enseignement d’Emil von Sauer, élève de Liszt, à l’Académie de musique de Vienne. Dès ses débuts, on le reconnaît comme un interprète idéal de Chopin. Il multiplie les concerts dans toute l’Europe. Après la Première Guerre mondiale, à laquelle il prend part dans l’armée autrichienne, il se consacre à l’enseignement. En 1922, il accepte un poste de professeur au Conservatoire du Caire. Jusqu’en 1925, Le Caire sera sa résidence. À cette date, il s’installe définitivement à Bruxelles où il sera professeur au Conservatoire (1954-61) après avoir enseigné au Conservatoire de Rotterdam (1937-40).

Parmi ses élèves, on compte M. Argerich et A. Tchaïkovski. Il a enregistré de nombreuses œuvres du répertoire romantique, et évidemment de Chopin.

ÉCRITS : Wie Meister üben I (Zurich, 1966).

Astruc, Yvonne

Violoniste française, née à Asnières le 27 avril 1889, morte à Paris le 17 octobre 1980.

Extrêmement précoce, elle commence à étudier la musique à l’âge de cinq ans. Elle entre au Conservatoire de Paris en 1906, dans la classe de Lefort, et remporte un 1er prix en 1909. Elle débute à Paris mais, devant le peu de succès remporté, part pour l’Angleterre où Sir Henry Wood l’engage immédiatement. C’est le début d’une carrière internationale. Elle joue la musique nouvelle de son temps : Fauré, Ravel, Schmitt, Stravinski, Milhaud, Lili Boulanger et Enesco, avec lequel elle se produit souvent en sonate. En 1920, elle épouse le pianiste Marcel Ciampi avec qui elle joue également. Puis elle se tourne vers l’enseignement et devient l’une des figures marquantes de la pédagogie française. Plusieurs compositeurs lui ont dédié des œuvres : Darius Milhaud (Concertino de printemps, op. 135, 1935), Germaine Tailleferre (Concerto pour violon, 1936 ; Sonate pour violon et piano no 2, 1951). Elle a aussi créé des œuvres de Georges Migot (Suite en cinq parties pour violon, récitant et orchestre, 1925).

Atherton, David

Chef d’orchestre anglais, né à Blackpool le 3 janvier 1944.

Il fait ses études au Trinity College de Cambridge puis à la Royal Academy of Music et à la Guildhall School of Music de Londres où il reçoit une formation de pianiste et de chef d’orchestre. Dès 1967, il fonde le London Sinfonietta dont il est directeur artistique jusqu’en 1973. En 1968, il fait partie du comité directeur de Covent Garden où il est le plus jeune chef invité. Sa carrière prend rapidement de l’essor : il débute à la Scala de Milan en 1976 et à l’Opéra de San Francisco en 1978 avant d’être nommé directeur musical de l’Orchestre symphonique de San Diego (Californie, 1981-87) et chef permanent du Royal Liverpool Philharmonic Orchestra (1980-83). En 1988, il fonde à San Diego le Mozart Mainly, un festival dont il assure la direction musicale jusqu’en 2013. En 1989, il reprend la direction musicale du London Sinfonietta, continuant à jouer un rôle déterminant en faveur de la musique contemporaine dans la capitale britannique. Il assure simultanément les mêmes fonctions à la tête de l’Orchestre philharmonique de Hong Kong (1989-2000).

Il a créé des œuvres de Georges Aperghis (Champ-Contrechamp, 2011), Harrison Birtwistle (Punch and Judy, 1968 ; Verses for Ensembles, 1969), Roberto Gerhard (Symphonie « Homenaje a Pedrell », 1972), Iain Hamilton (Voyage, 1971), Hans Werner Henze (We Come to the River, 1976), Ernst Křenek (Kitharaulos, 1972), Per Nordheim (Credo, 1989), John Tavener (The Whale, 1968).

Atlantov, Vladimir

Ténor russe, né à Leningrad le 19 février 1939.

Fils d’un chanteur professionnel et faisant preuve très jeune de dons exceptionnels, il fait ses études musicales au conservatoire local avec N. Bolotina et en sort diplômé à moins de vingt ans. Il entre dans la troupe du Théâtre Kirov où il remplit toutes sortes d’emplois. De 1963 à 1965, il fait un stage à la Scala de Milan où il travaille avec Barra. Puis il entre par la grande porte dans la troupe du Bolchoï (1967) : il s’y illustre particulièrement en Don José, en Alfredo, en Cavaradossi et, bien sûr, dans les grands emplois de ténors russes. Avec la troupe du Bolchoï, il se fait connaître des publics difficiles de la Scala, du Met, de l’Opéra de Paris ou de l’Opéra de Vienne. Et comme ses amis Obrastzova, Petrov ou Mazourok, il devient une vedette internationale très recherchée. Sa voix large et claire, son tempérament impétueux et son intelligence dramatique en font un Canio impressionnant et un othello de très grande envergure (il a débuté dans ce rôle à Munich en 1980). Curieusement, il affectionne certains rôles de baryton, tel le Rodrigo de Don Carlos qu’il chante avec une noblesse et une intensité également admirables. En 1987, il incarne Siegmund sous la direction de Wolfgang Sawallisch à Munich. Il est médaille d’or du Concours Tchaïkovski (1966) et lauréat des concours de Montréal et de Sofia (1967).

Atzmon, Moshe (Moshe Groszberger)

Chef d’orchestre israélien, né à Budapest le 30 juillet 1931.

Enfant, il étudie le violoncelle à Budapest avant d’émigrer en Israël (1949) où il travaille le cor et le piano à l’Académie de musique de Tel-Aviv (1958-62). Il se fixe alors à Londres où il étudie la direction d’orchestre à la Guildhall School of Music, sur les conseils d’Antal Dorati (1962-64). Il remporte le 2e prix au Concours Mitropoulos de New York (1963) puis le 1er prix au Concours international de Liverpool (1964). Invité par la plupart des orchestres européens, il débute en 1967 au Festival de Salzbourg à la tête de l’Orchestre philharmonique de Vienne. Deux ans plus tard, il dirige son premier opéra à Berlin et prend la direction de l’Orchestre symphonique de Sydney (1969-72). Il est ensuite à la tête de l’Orchestre symphonique de Bâle (1972-77) et de l’Orchestre symphonique du NDR de Hambourg (1972-76). On le retrouve ensuite à Tokyo, où il est conseiller artistique et chef permanent du Tokyo Metropolitan Symphony Orchestra (1978-83). À New York, il prend la direction de l’American Symphony Orchestra (1982-84). Il est ensuite chef permanent de l’Orchestre symphonique de Nagoya (Japon). Entre 1991 et 1994, il est directeur général de la musique à Dortmund. Il prend ensuite la direction de l’Orchestre symphonique de Aalborg, au Danemark (jusqu’en 2005). En 2004, il est nommé premier chef invité de l’Orchestre de Bretagne, à Rennes. Il a créé des œuvres de Conrad Beck (Nachklänge, 1986).

Auberson, Jean-Marie

Chef d’orchestre suisse, né à Chavornay (Vaud) le 2 mai 1920, mort à Draguignan le 4 juillet 2004.

Parallèlement à des études classiques, il entreprend des études musicales au Conservatoire de Lausanne (violon et alto). Engagé à l’Orchestre de chambre de Lausanne (1943-46) puis à l’Orchestre de la Suisse romande (1946-49), il suit des cours de direction musicale et de musique de chambre à l’Académie Chigiana de Sienne, puis à Vienne et à Cologne. Il travaille plus particulièrement la direction d’orchestre avec Ernest Ansermet et Carl Schuricht (1956-60) ; il dirige l’Orchestre de Radio Beromünster (Zurich) et l’Orchestre de la Ville de Saint-Gall. Dès 1961, tout en dirigeant certains grands concerts à Radio Beromünster, il revient en Suisse romande et dirige l’OSR. Il est appelé également à la tête de l’Orchestre de la Tonhalle (Zurich), de l’OCL ainsi que des orchestres de Berne, de Bâle… Il fait de nombreuses créations : à Radio-Genève, l’opéra Fait divers (Zbinden), au Théâtre des Champs-Élysées, Pâris (Henri Sauguet)… Appelé par Rolf Liebermann à l’Opéra de Hambourg pour diriger les soirées de ballet et le répertoire français (1968-73), il y réalise entre autres la création mondiale de Pinocchio (Bibalo). Il dirige ensuite successivement l’Orchestre radio-symphonique de Bâle (répertoire français et compositeurs suisses), et celui de la Ville de Saint-Gall. Au Grand-Théâtre de Genève, il travaille étroitement à la réalisation musicale des ballets montés par Peter Van Dyk et Oscar Araïtz. Entre 1984 et 1986, il dirige l’Orchestre Sinfonietta de Bâle. Il est le père de la soprano Audrey Michaël (Lausanne, 1950).

Il a créé des œuvres d’Armin Schibler (La Folie de Tristan, 1980), Julien-François Zbinden (Fait divers, opéra, 1964 ; Symphonie no 3, déd., 1989).

Aubier, Éric

Trompettiste français, né à Paris le 7 mai 1960.

À l’âge de quatorze ans, il entre dans la classe de Maurice André au Conservatoire national supérieur de Paris. Il remporte des 1ers prix de trompette (1976), de cornet à pistons (1977) et de musique de chambre (1978). Il travaille également l’harmonie avec Pierre Lantier. Très vite, il obtient des prix aux concours internationaux de Paris (1979), Toulon (1981) et Prague (1987). À dix-neuf ans, il devient trompette solo dans l’Orchestre de l’Opéra de Paris. En 1995, il abandonne l’orchestre pour se consacrer exclusivement à sa carrière de soliste, tant en musique de chambre qu’en concerto. Il enseigne au Conservatoire de Rueil-Malmaison et donne des master classes à la Juilliard School of Music de New York, à Bloomington, à Montréal, au Japon, en Scandinavie… Il a créé des œuvres de Thierry Escaich (Élégie, 1997 ; Résurgences, concerto pour trompette, 2002), Carlos Gratzer (Aura, pour trompette et petit orchestre, 1998), Betsy Jolas (EA pour trompette et vibraphone, 1989), Martin Matalon (Trame V, concerto pour trompette, 2003).

Auclair, Michèle

Violoniste française, née à Paris le 16 novembre 1924, morte à Paris le 10 juin 2005.

Après des études au Conservatoire de Paris avec Boucherit, elle travaille avec Boris Kamenski puis avec Jacques Thibaud. En 1943, elle remporte le Prix Marguerite Long-Jacques Thibaud et commence alors une carrière internationale. En 1945, elle remporte également un prix au Concours international de Genève. Elle donne, dès lors, de nombreux concerts et récitals dans toute l’Europe et en Amérique du Sud. Sa technique est une synthèse des écoles russe et française. Elle a épousé le compositeur Antoine Duhamel puis, en secondes noces, le critique Armand Panigel. Entre 1969 et 1990, elle est professeur de violon au Conservatoire national supérieur de Paris, où elle forme notamment Laurent Korcia, Annick Roussin et Philippe Aïche. Elle enseigne ensuite au New England Conservatory de Boston et dans différents pays étrangers, notamment au Japon. Elle a été directrice artistique du Concours international Jacques Thibaud.

Auer, Leopold von

Violoniste hongrois, né à Veszprém le 7 juin 1845, mort à Loschwitz (Dresde) le 15 juillet 1930.

Élève de Ridley Kohne à Budapest, de Jacob Dont (jusqu’en 1858) et de Joseph Hellmesberger à Vienne, il commence une carrière d’enfant prodige et se perfectionne à Hanovre avec Joseph Joachim. Nommé premier violon de l’Orchestre de Düsseldorf entre 1863 et 1865, puis de Hambourg (1865-67), c’est en 1868 qu’il accepte le poste de professeur au Conservatoire impérial de Saint-Pétersbourg, où il succède à Henryk Wieniawski. Il conservera sa classe jusqu’en 1917. Violoniste réputé – en particulier à la cour du tsar –, Auer devait fonder, en 1899, à Saint-Pétersbourg, un quatuor justement célèbre, en compagnie de Charles Davidov. Leopold Auer est le dédicataire du concerto de Tchaïkovski – qu’il refusa de jouer plusieurs années, avant de le porter à son triomphe mondial. Il est aussi le dédicataire de la Sérénade mélancolique de Tchaïkovski, du Concerto et du Quatuor no 5 de Glazounov. Si l’on considère Leopold Auer comme le successeur de Joseph Joachim en tant qu’instrumentiste, c’est avant tout comme pédagogue qu’il reste célèbre : c’est lui qui forma, à Saint-Pétersbourg puis au Curtis Institute de Philadelphie (1928-30), des violonistes tels que Jascha Heifetz, Mischa Elman, Efrem Zimbalist, Toscha Seidel, Nathan Milstein… Il a joué sur plusieurs Stradivarius différents : le Hill (1690), le Auer (1691), le Bang (1694), le Russe (1700), le Rode (1715), qui a appartenu ensuite à Oscar Shumsky, le Macmillen (1721), qui a été ensuite l’instrument de Tossy Spivakovsky. Il possédait aussi un Nicolo Amati.

ÉCRITS : My Long Life in Music (1923) ; Violin Playing as I Teach It (1921, rééd. 1961) ; Violin Master Works and their Interpretation (1925).

Augér, Arleen

Soprano colorature américaine, née à Long Beach (Californie) le 13 septembre 1939, morte à Amsterdam le 10 juin 1993.

Elle fait ses études au Collège de Long Beach dont elle est diplômée. Elle se consacre ensuite, de 1963 à 1968, à l’étude du chant. Elle gagne alors plusieurs concours mais se fera connaître grâce à une tournée de concerts qu’entreprend l’Orchestre philharmonique de Los Angeles. Après avoir obtenu ses premiers succès dans Gilda de Rigoletto et la Reine de la Nuit de La Flûte enchantée, elle se voit offrir une bourse qui lui permet de poursuivre ses études à Vienne. Dans cette ville, elle reçoit même un contrat à long terme de l’Opéra (1967-74), où elle fera des débuts éblouissants dans la Reine de la Nuit. Elle est ensuite invitée à l’Opéra de Hambourg (1970), à Munich, à Salzbourg, au Met (où elle débute en 1978 dans Marceline)… Elle s’impose également dans le domaine de la musique ancienne (plus de soixante cantates de Bach enregistrées sous la direction de Helmuth Rilling) et se produit dans Alcina de Haendel (Londres, 1985 et Los Angeles, 1986) avant de chanter Poppée à Londres (1988). En 1986, elle est choisie pour chanter au mariage royal du prince Andrew et de Sarah Ferguson à Londres. Elle est également très demandée en oratorio et donne de nombreux récitals de lieder avec Irwin Gage. Elle a créé des œuvres de Gottfried von Einem (Geistliche Sonate pour soprano, trompette et orgue, 1974), Germaine Tailleferre (Concerto de la fidélité, 1982).

Soprano colorature aux notes hautes cristallines, elle possédait une technique raffinée. Elle enseignait à la Musikhochschule de Francfort.

Auguin, Philippe

Chef d’orchestre français, né à Nice le 18 février 1961.

Il fait ses études musicales à Vienne puis à Florence avec Franco Ferrara. Herbert von Karajan le prend comme assistant en 1986. Il travaille également avec Georg Solti dans différentes maisons d’opéra et festivals, notamment à Salzbourg en 1989. Il devient directeur général de la musique à l’Opéra de Brunswick en 1994, ce qui lui permet de se forger un important répertoire lyrique. Parallèlement, il commence une carrière internationale en concert. Il est invité dans les principaux opéras allemands, débute à Salzbourg en 1991, à la Scala en 1993, à Covent Garden en 1994 et à l’Opéra australien en 1996. Il est engagé comme chef d’orchestre permanent à l’Opéra de Stuttgart. Il est invité également à l’Opéra national de Paris. Entre 1998 et 2005, il est directeur général de la musique à l’Opéra de Nuremberg. Il fait ses débuts américains en 2000 à l’Opéra de Los Angeles et, au cours de la même saison, au Met. En 2007, il débute à l’Opéra de Vienne. En 2010, il devient directeur musical de l’Orchestre philharmonique de Nice et, un an plus tard, de l’Opéra national de Washington.

Auriacombe, Louis

Chef d’orchestre français, né à Paris le 22 février 1917, mort à Toulouse le 12 mars 1982.

Il est d’abord élève au Conservatoire de Toulouse où il remporte des prix de violon (1931), chant et déclamation (1937), harmonie (1939). Puis il étudie la direction d’orchestre avec Igor Markevitch à Salzbourg de 1951 à 1956 et assiste son maître dans ses tournées internationales. En 1953, il fonde l’Orchestre de chambre de Toulouse (douze cordes et clavecin) qu’il produira dans le monde entier. Il crée Font aux cabres d’Ohana (1957), Ombres de Boucourechliev (1970) et donne la première américaine des Ramifications de Ligeti (Washington, 1970). Depuis 1971, la maladie avait réduit Auriacombe à l’inactivité.

Aussel, Roberto

Guitariste argentin, né à la Ciudad de La Plata le 13 juillet 1954.

Après des études dans sa ville natale, il obtient un 1er prix au Concours Porto Alegre au Brésil, un 1er prix à Caracas et, en 1975, le 1er prix au Concours international de guitare de Radio France. Il travaille avec Jorge Martinez Sárate et María Luisa Anido. Sa carrière se développe rapidement dans le monde entier. Il est dédicataire d’œuvres de José Luis Campana (Zeu…, concerto pour guitare, 2006), Marius Constant et Astor Piazzola.

Austbö, Haakon

Pianiste norvégien, né à Kongsberg le 22 octobre 1948.

Il se produit dès l’âge de quatorze ans avec l’Orchestre philharmonique de Bergen et, à quinze ans, il donne son premier récital public à Oslo. Il vient se perfectionner au Conservatoire de Paris dans la classe de Lelia Gousseau où il obtient un 1er prix en 1969 ainsi qu’à l’École Normale de Musique (avec Blanche Bascourret de Gueraldi) où il obtient sa licence de concert (1970). L’année suivante, il remporte le 1er prix du Concours international Olivier Messiaen à Royan et celui du Concours de la Guilde française des artistes solistes. Il remporte également des récompenses aux Concours Debussy à Saint-Germain-en-Laye (1970), Scriabine à Oslo (1972), Ravel à Paris (1975). En duo avec sa femme Marina Horak, il obtient un prix au Concours international de Munich (1974) et avec le Trio du Nord à la Tribune internationale de Bratislava (1975). Depuis 1974, il est fixé aux Pays-Bas et, à partir de 1979, professeur au Conservatoire d’Utrecht.

Austral, Florence (Mary Wilson)

Soprano australienne, née à Richmond, près de Melbourne, le 26 avril 1892, morte à Newcastle (Nouvelle-Galles du Sud) le 15 mai 1968.

Elle fait ses études au Conservatoire de Melbourne (1914-18), puis à New York avec Sibella. Elle refuse un engagement au Met et débute dans le rôle de Brünnhilde (Le Crépuscule des dieux) au Covent Garden de Londres, sous les auspices de la British National Opera Co., nouvellement formée (1922) ; elle interprète ensuite les rôles d’Isolde et d’Aïda. Elle y chantera encore Brünnhilde en 1929 et 1933. Entre 1925 et 1931, elle fait des tournées aux États-Unis avec son mari, le flûtiste John Amadeo. Elle paraît encore au Sadler’s Wells de 1937 à 1939, ainsi qu’à Berlin, et en Australie, où elle se retire, pour enseigner au Conservatoire de Newcastle. Sa carrière ne fut pas celle que méritaient l’ampleur et l’énergie de sa voix, qu’ont su préserver quelques enregistrements wagnériens.

Ax, Emanuel

Pianiste polonais naturalisé américain (1970), né à Lvóv le 8 juin 1949.

Il commence par étudier le violon dès l’âge de six ans avant de travailler le piano avec son père. Sa famille quitte Lvóv pour Varsovie en 1957, puis pour le Canada où elle se fixe à Winnipeg en 1959, avant de s’établir à New York deux ans plus tard. Il travaille avec Mieczyslaw Munz à la Juilliard School of Music. Sa carrière devient vite internationale, surtout après son premier concert à New York en 1973. Lauréat du Concours Chopin à Varsovie en 1970, du Concours Vianna da Motta à Lisbonne en 1971 et du Concours Reine Élisabeth de Belgique en 1972, il remporte le 1er prix du Concours Rubinstein de Tel-Aviv (1974) puis l’Avery Fisher Prize (1979). Sa carrière se développe rapidement. En 1986, il constitue un trio avec le violoniste Young Uck Kim et le violoncelliste Yo-Yo Ma. Il joue également en duo avec ce dernier. À la fin des années quatre-vingt, le trio prend une nouvelle dimension avec la venue du violoniste Isaac Stern. Il enseigne à la Juilliard School of Music de New York à partir de 1990. Il a créé des œuvres de John Adams (Century Rolls, concerto pour piano, 1997), Harrison Birtwistle (The Axe Manual pour piano et percussion, avec Evelyn Glennie, 2001), Marc-André Dalbavie (Quatuor pour piano, clarinette, basson et trompette, 2004), Jacob Druckman (Concerto pour piano, 1996), Peter Lieberson (Remembering Schumann pour violoncelle et piano, 2010), Krzysztof Penderecki (Concerto pour piano, 2002), Ned Rorem (Eight Etudes, 1976), Christopher Rouse (Seeing pour piano et orchestre, 1999), Joseph Schwantner (Concerto pour piano, 1988), Bright Sheng (The Song and Dance of Tears, 2003). Il a épousé la pianiste japonaise Yoko Nazaki.

Axelrod, John

Chef d’orchestre américain, né à Houston le 28 mars 1966.

Il commence l’étude du piano à l’âge de cinq ans avec Jacquelyn Harbachick et Roberto Eyzaguirre. En 1982, il travaille avec Leonard Bernstein. Il poursuit sa formation à l’Université Harvard où il obtient son Bachelor of Music Degree en 1988. Pendant quelques années, il travaille dans des firmes discographiques et comme agent artistique, fondant même sa propre maison de production, Ivy League Records. Puis il étudie la direction d’orchestre avec Ilya Musin au Conservatoire de Saint-Pétersbourg (1995-96). Il reçoit aussi les conseils de Christoph Eschenbach, Gustav Meier et Mendi Rodan. En 1996, il fonde à Houston OrchestraX, un ensemble avec lequel il se consacre à la recherche de nouveaux publics dans des programmes innovants. Il en est le directeur artistique (1996-2004) puis le directeur honoraire. Sa carrière se développe en Europe, à Lucerne, où il est directeur musical de l’Orchestre symphonique et de l’Opéra (2004-09), et avec le Sinfonietta Cracovia (à partir de 2000). Entre 2010 et 2013, il est directeur musical de l’Orchestre national des Pays de Loire. En 2011, il devient chef permanent de l’Orchestra Sinfonica di Milano Giuseppe Verdi. En 2015, il prend la direction de l’Orchestre symphonique royal de Séville. Il a créé des œuvres de Karim Al-Zand, Marc-André Dalbavie, Alexandre Desplat (Pelléas et Mélisande, 2013), Avner Dorman, Pascal Dusapin, Michael Gordon, Vittorio Montalti (Unnamed Machineries, 2014), Gabriel Prokofiev, Wolfgang Rihm (Sotto Voce II, 2007), Marco Stroppa (Ritratti senza volto, 2007), Michel Van der Aa, Jörg Widmann.

Ayo, Félix

Violoniste espagnol naturalisé italien, né à Sestao le 1er juillet 1933.

Il obtient son diplôme de soliste à l’âge de quatorze ans et poursuit ses études musicales à Paris et à Rome avec Principe. Membre fondateur de l’ensemble I Musici en 1952, il est premier violon et soliste du groupe jusqu’en 1967. C’est ainsi qu’il acquiert une renommée internationale. En 1968, il fonde le Quartetto Beethoven avec Marcello Abbado (piano), Alfonso Ghedin (alto) et Vincenzo Altobelli (violoncelle). Deux ans plus tard, Abbado est remplacé par Carlo Bruno. À partir de 1972, il enseigne le violon au Conservatoire Santa Cecilia. Il joue sur un très beau violon Gennaro Gagliano, fabriqué à Naples en 1768.

Azaïs, Julien

Pianiste français, né à Boynes le 19 juillet 1939.

Il fait ses études au Conservatoire de Paris et remporte des 1ers prix de piano (classe de Jean Doyen, 1959), ensemble instrumental (classe de Jacques Février, 1960) et musique de chambre, en duo avec Marie-José Billard (classe de Joseph Calvet, 1961). C’est la première fois qu’une telle distinction est accordée à un duo de pianistes. À partir de ce moment, il se produit uniquement en duo avec Marie-José Billard : ils remportent un prix au Concours international de Munich (1964), le Prix Jehan Alain pour leur enregistrement des concertos de J. S. Bach (1965), et la Médaille d’argent de la Ville de Paris (1969). Daniel-Lesur, P. M. Dubois et A. Stallaert écrivent à leur intention. Ils donnent leur dernier concert le 16 août 1980 au Festival de Cluny et cessent leur activité en raison d’une ankylose de la main droite de M.-J. Billard. Ils gèrent depuis l’Agence B/A Musique.

B

Babin, Victor

Pianiste et compositeur russe naturalisé américain (1944), né à Moscou le 13 décembre 1908, mort à Cleveland le 1er mars 1972.

Après avoir suivi les classes de piano et de composition au Conservatoire de Riga, il achève ses études à la Berliner Musikhochschule, de 1928 à 1931, auprès d’Artur Schnabel (piano) et de Franz Schreker (composition). En 1933, il épouse Vitya Vronsky et forme avec elle un duo de pianos qui fait ses débuts à New York en 1937, après une tournée européenne. La même année, il se fixe aux États-Unis. Il est nommé professeur à l’École de musique d’Aspen en 1950, puis directeur de 1951 à 1954. Il enseigne également au Berkshire Music Center de Tanglewood et dirige de 1961 à sa mort le Cleveland Music Institute. Entre 1954 et 1962, il joue en compagnie de Szymon Goldberg, William Primrose et Nikolay Graudan au sein du Festival Quartet, constitué dans le cadre de l’École de musique d’Aspen. La même année, il est nommé docteur honoris causa de l’Université du Nouveau-Mexique. Le compositeur a laissé naturellement de nombreuses pièces et transcriptions pour deux pianos, dont celle de la Circus Polka de Stravinski, mais aussi des mélodies, deux concertos pour deux pianos et des pages de musique de chambre. Milhaud a écrit pour le duo Babin-Vronsky son Concerto pour deux pianos no 1 (1942).

Baccaloni, Salvatore

Basse italienne, né à Rome le 14 avril 1900, mort à New York le 31 décembre 1969.

Élève de la maîtrise de la chapelle Sixtine, il entreprend à l’âge de quinze ans des études d’architecture à l’Académie des beaux-arts de Rome. Grâce à l’enseignement du baryton Giuseppe Kaschmann, il débute en 1922 dans le rôle de Bartolo (du Barbier de Séville) au Teatro Adriano de Rome. En 1925, Toscanini l’engage à la Scala de Milan, où il se produit régulièrement jusqu’en 1940. Sur les conseils du maestro, il s’oriente vers le répertoire buffo. Travailleur acharné, il chantera près de cent cinquante rôles, en plusieurs langues. Il participe à de nombreuses créations : La Farsa amorosa de Zandonai (Rome, 1933), Vigna de Guerrini (Rome, 1935) et Filosopho di campagna de Galuppi (Venise, 1938). Il entre en 1940 dans la troupe du Metropolitan Opera de New York, où il chante jusqu’en 1962. Parmi les témoignages de son art, il nous reste des compositions de Bartolo, Don Pasquale, Falstaff, Varlaam (il fut le partenaire préféré de Chaliapine) et surtout de Leporello dans le premier enregistrement de Don Giovanni (Glyndebourne, 1936, sous la direction de Fritz Busch). La sûreté et la puissance de l’émission vocale, mais par-dessus tout une diction inimitable, alimentent une vis comica qui trouva un dernier emploi dans une assez brève carrière de cinéma.

Bachauer, Gina

Pianiste grecque naturalisée anglaise, née à Athènes le 21 mai 1913, morte à Athènes le 22 août 1976.

D’origine austro-italienne, elle suit, parallèlement à ses cours de droit, l’enseignement de Woldemar Freeman au Conservatoire d’Athènes. À Paris, où elle vient se perfectionner, elle travaille avec Cortot à l’École Normale de Musique. Un peu plus tard, son dernier professeur sera Rachmaninov (1935). Elle a remporté deux ans plus tôt une médaille au Concours international de Vienne. En 1935, elle fait ses débuts en concert avec Mitropoulos, dans sa ville natale. Elle entame une très impressionnante série de tournées en Europe. Mais sa carrière est brutalement interrompue par la guerre. Réfugiée en Égypte, elle donne plus de six cents concerts pour les troupes alliées. Et dès 1947, ses débuts réellement officiels ont lieu à l’Albert Hall de Londres.

En 1950, on la retrouve à Carnegie Hall, pour un concert triomphal. Mariée au chef d’orchestre Alec Sherman, le reste de sa carrière va se dérouler aux États-Unis. Elle donne de multiples concerts de bienfaisance, et inaugure, entre autres, le Centre Kennedy de Washington par un récital.

Gina Bachauer appartenait à cette famille de musiciens capables de jouer beaucoup de choses, sans jamais vraiment se spécialiser pour approfondir un aspect du répertoire. Néanmoins elle se sentait surtout à l’aise dans des œuvres du XIXe et du tout début du XXe siècle. Un concours international de piano portant son nom a été fondé à Salt Lake City en 1976.

Bachkirov, Dmitri

Pianiste russe, né à Tbilissi le 1er novembre 1931.

Dans sa ville natale, il travaille jusqu’à l’âge de huit ans avec Anastasia Virsaladze, une élève d’Essipova, puis entre au Conservatoire de Moscou dans la classe d’Alexandre Goldenweiser d’où il sort diplômé en 1954. Il remporte le 2e prix au Concours international Marguerite Long-Jacques Thibaud (Paris, 1955) et le Prix Robert Schumann (Zwickau, 1970). En 1957, il enseigne au Conservatoire de Moscou avant d’être nommé professeur au Conservatoire de Kiev en 1968. Entre 1965 et 1972, il forme un trio avec le violoniste Igor Besrodny et le violoncelliste Mikhaïl Khomitzer. Après avoir commencé une brillante carrière internationale dans les années cinquante, notamment aux États-Unis et en Europe occidentale, il se voit pratiquement interdit de sortie de l’URSS pendant sept ans, au début des années quatre-vingt. À l’issue de cette période, il effectue une brillante réapparition sur les plus grandes scènes occidentales. Sa fille, la pianiste Elena Bashkirova (Moscou, 1958), a été la femme du violoniste Gidon Kremer avant d’épouser en 1988 Daniel Barenboïm. Il a créé la Sonate pour piano (1968) de Rodion Chtchedrine.

Baciu, Ion

Chef d’orchestre roumain, né à Brateiu le 21 juin 1931, mort à Ploieşti le 8 novembre 1995.

Au Conservatoire de Bucarest, il travaille l’harmonie avec Mihail Jora, le contrepoint avec Zeno Vancea, la direction d’orchestre avec Constantin Silvestri, l’orchestration avec Theodor Rogalski (1950-55). Il est nommé premier chef de la Philharmonie de Ploieşti (1956-62), orchestre alors récemment constitué qu’il élève au rang des principaux orchestres roumains. Il enseigne l’harmonie à l’École populaire d’art de Ploieşti (1956-61). Entre 1962 et 1987, il est premier chef et directeur musical de la Philharmonie moldave de Iaşi. Il continue à se perfectionner, notamment à l’Académie de Vienne (1965), et travaille également avec Sergiu Celibidache. En 1967, il effectue sa première tournée aux États-Unis. Il assure également la direction du Conservatoire de Iaşi entre 1972 et 1976 où il constitue le premier orchestre de jeunes. En 1987, il revient à la tête de la Philharmonie de Ploieşti.

Backhaus, Wilhelm

Pianiste allemand, né à Leipzig le 26 mars 1884, mort à Villach le 5 juillet 1969.

Élève d’Alois Reckendorf au conservatoire de sa ville natale de 1891 à 1898, il se rend ensuite à Francfort pour se perfectionner auprès d’Eugen D’Albert (1899). En 1895, il a rencontré Brahms dont il aimera plus tard être l’interprète. À seize ans, Backhaus donne son premier concert à Londres. Il est nommé professeur au Collège royal de Manchester (1905-08). La même année il remporte le Prix Rubinstein à Paris. En 1910, il réalise le premier enregistrement intégral d’un concerto, le Concerto en la mineur de Grieg. Attiré par J. S. Bach depuis l’enfance, il devient aussi l’interprète lucide et rigoureux des œuvres de Beethoven et de Brahms. Sa réflexion, son travail sur la partition tiennent autant de place que sa pratique et sa recherche au clavier. Il voue une extrême fidélité à l’écriture des compositeurs qu’il interprète, comme à la pensée qui se dégage de leur musique. Backhaus échappe à toute école : son approche du piano et de la musique est intemporelle. Ennemi des excès du romantisme, il construit ses interprétations solidement. Ses enregistrements des trente-deux sonates et des cinq concertos de Beethoven constituent des monuments de référence. Après la dernière guerre, il s’était fixé à Lugano et avait reçu, en 1953, le Prix Bösendorfer à Vienne. Sa carrière restera un exemple de longévité puisqu’il a joué et enregistré jusqu’à la fin de sa vie, fidèle aux pianos Bösendorfer qu’il préféra toujours aux Steinway.

Bacquier, Gabriel

Baryton français, né à Béziers le 17 mai 1924.

Il fait ses études au Conservatoire de Paris (prix d’opéra, d’opéra-comique et de chant en 1950) et débute dans la compagnie lyrique de José Beckmans (1950-52), puis demeure trois ans au Théâtre royal de la Monnaie à Bruxelles (1953-56). On l’entend dans Madame Butterfly (Scharpless) à l’Opéra-Comique en 1956. En 1960, il chante Don Giovanni au Festival d’Aix-en-Provence et s’impose dans ce rôle qu’il tiendra plusieurs années. Il est engagé à la Staatsoper de Vienne après ces succès mozartiens. Il incarne ensuite Scarpia dans la Tosca, à Milan, auprès de Renata Tebaldi, puis voyage beaucoup. Dès 1966, il chante au Metropolitan de New York et participe aux grands festivals européens (Glyndebourne, 1962, dans le comte Almaviva, rôle qu’il perfectionnera jusqu’à la production Strehler-Solti, 1973). À Aix, il chante encore Golaud dans Pelléas et Mélisande. Il est l’un des piliers de l’Opéra de Paris sous l’ère Liebermann (Iago, le Comte, Golaud…). Il affectionne aussi les rôles bouffes (Falstaff) et la mélodie française (Poulenc, Les Chansons gaillardes). On le considère comme l’ambassadeur du chant français. Il enseigne l’art lyrique au Conservatoire national supérieur de Paris entre 1982 et 1988. Il a participé à la création d’Andrea del Sarto (1970) de Daniel-Lesur.

ÉCRITS : Gabriel Bacquier en quelques notes…, entretien avec Bernard Villat et Serge Moisson, Slatkine (Paris, 2006).

Bader, Roland

Chef de chœur et chef d’orchestre allemand, né à Wangen im Allgäu le 24 août 1938.

Il étudie la musique d’église à la Hochschule für Musik de Stuttgart et travaille la direction avec Hans Hörner. Entre 1970 et 1974, il est Chefdirigent à Oberhausen et enseigne la direction d’orchestre à la Folkwanghochschule d’Essen. Entre 1974 et 1991, il est Domkapellmeister et chef du Chœur de la cathédrale Sainte-Hedwige de Berlin. Il est amené à diriger les principaux orchestres allemands et sa carrière s’étend vite dans le monde entier (États-Unis, Japon, Australie…). Il est chef invité régulier de la Philharmonie de Cracovie et de l’Orchestre symphonique de Maastricht (Pays-Bas). En 1983, il prend en outre la direction du Chœur du NDR à Hambourg. À partir de 1984, il dirige régulièrement au Festival de Salzbourg. Il est ensuite premier chef de la Philharmonie Karol Szymanowski de Cracovie (1991-92).

Badura-Skoda, Paul

Pianiste et musicologue autrichien, né à Vienne le 6 octobre 1927.

Au conservatoire de sa ville natale, il étudie le piano et la direction d’orchestre (1945-48). Puis il va se perfectionner à Lucerne, dans la classe d’Edwin Fischer, où il côtoie Alfred Brendel. En 1949, il remporte le 3e prix au Concours Marguerite Long-Jacques Thibaud à Paris. Profondément imprégné par l’enseignement de Fischer, dont il deviendra l’assistant, il acquiert une ouverture d’esprit telle que ses centres d’intérêt pour tout élément extramusical susceptible d’enrichir son art se développent considérablement. Musicologue raffiné, il se passionne pour la littérature et l’architecture, domaines qu’il connaît parfaitement.

Il fait ses débuts en 1948. Furtwängler et Karajan le remarquent d’emblée. Les deux chefs vont contribuer à l’essor de sa carrière. Au cours de multiples tournées dans le monde entier, Paul Badura-Skoda ne dédaignera pas de prendre assez souvent la baguette. Mais sa terre natale reste le piano. Très tôt, il se spécialise dans la musique viennoise (Haydn, Mozart, Beethoven, Schubert). C’est cet aspect du répertoire qui va animer toute sa recherche sur l’interprétation. Il partage avec Jörg Demus la passion des instruments d’époque. Sa collection de pianoforte est considérable. Cette science de la sonorité des Hammerflügeln lui a permis de développer toute une théorie de l’interprétation des œuvres de Bach, de Beethoven et de Mozart, à propos desquelles il devait publier deux livres. Entre 1966 et 1971, il est artiste résident à l’Université du Wisconsin et de Madison, aux États-Unis. Puis il donne des cours annuels réguliers à Édimbourg, à Salzbourg, à Vienne, à Sienne ou à Paris. Malgré sa maîtrise parfaite du pianoforte, il ne dédaigne pas pour autant le piano moderne. Son Bösendorfer fait merveille lorsqu’il joue Brahms ou Chopin. On lui doit, par ailleurs, l’édition de sonates de Beethoven, d’œuvres de Schubert, de Mozart et de Chopin. Il a créé le Concerto pour piano no 2 (1970) et la Fantaisie sur des rythmes flamencos (1973) de Frank Martin dont il est le dédicataire.

Il a composé une Messe en ré, et de nombreuses cadences pour piano et violon de concertos de Mozart et de Haydn.

ÉCRITS : L’Art de jouer Mozart au piano (avec Eva Badura-Skoda, 1957-62) ; Les Sonates pour piano de Beethoven (avec Jörg Demus, 1970) ; Bach-Interpretationen (1988), trad. française L’Art de jouer Bach au clavier (Paris, 1999) ; Être musicien, Hermann (Paris, 2007) ; Paul Badura-Skoda, dans l’intimité des maîtres, entretiens avec Antonin Scherrer, La Bibliothèque des Arts (Lausanne, 2014).

Baer, Olaf

Baryton allemand, né à Dresde le 19 décembre 1957.

Dès l’âge de dix ans, il entre au Kreuzchor de Dresde avant de travailler à la Musikhochschule Carl Maria von Weber à partir de 1978. En 1982, il remporte le 1er prix au Concours international Dvořák de Karlovy Vary (Carlsbad) et obtient la bourse Felix Mendelssohn. L’année suivante, il remporte le 1er prix au Concours international de lieder Walter Gruner à Londres. Il commence une double carrière au concert et à l’opéra. Membre de la troupe du Semper Oper de Dresde (1985-91), il débute à Covent Garden (1985) et au Festival d’Aix-en-Provence (1986) dans Ariane à Naxos. Il chante Papageno (La Flûte enchantée) à l’Opéra de Vienne et à la Scala de Milan (1986), Guglielmo (Così fan tutte) à Francfort (1986) et à Aix (1988), le Comte (Capriccio) à Glyndebourne (1987). En 1988, il fait ses débuts américains avec Sir Georg Solti à Chicago dans la Passion selon saint Matthieu (le Christ). Ses enregistrements de lieder (avec le pianiste Geoffrey Parsons puis avec Helmut Deutsch) l’ont révélé comme l’une des personnalités marquantes dans ce domaine. Il a créé des œuvres d’Eckehard Mayer (Der goldene Topf, 1989), Theo Verbey (Rilke Songs, déd., 1998).

Bahr-Mildenburg, Anna (Anna Mildenburg von Bellschau)

Soprano autrichienne, née à Klagenfurt le 29 novembre 1872, morte à Vienne le 27 janvier 1947.

Elle est l’élève de Karl Weidt, puis de Rickhof-Pessiak. Auditionnée par Wilhelm Jahn à l’Opéra de Vienne, elle est confiée à Rosa Papier, à titre privé, puis au Conservatoire. Bernhardt Pollini, le directeur de la Staatsoper de Hambourg, l’engage en 1895 (Brünnhilde de La Walkyrie), sous la direction de Gustav Mahler, qui façonne vite en elle une wagnérienne de premier plan, tout en lui apprenant les rôles de Rezia, Donna Anna, Norma et Leonore (Fidelio). Elle paraît à Bayreuth dès 1897 et y chantera Kundry et Ortrud jusqu’en 1914. À Londres, elle incarne Isolde et Elisabeth en 1906, et chante Clytemnestre pour la première locale d’Elektra (1910). Elle reste attachée à l’Opéra de Vienne de 1897 à 1916. Sa voix, d’une puissance considérable, mais aussi son talent de tragédienne, en font une vraie bête de scène. Elle achève sa carrière comme actrice, à Darmstadt et à Vienne, puis enseigne à Munich, où elle devient directrice de la scène au National Theater de 1921 à 1926. Elle interprète une ultime Clytemnestre en 1930 à Augsbourg. Elle épouse en 1909 l’écrivain Hermann Bahr : ils écriront ensemble Bayreuth und das Wagner-Theater (1910).

Bailey, Norman

Baryton-basse anglais, né à Birmingham le 23 mars 1933.

Il étudie à l’Université de Rhodes, en Afrique du Sud, puis à l’Académie de musique de Vienne, ville où il remporte, en 1960, le 1er prix du Concours international de chant. Il débute en 1959 à l’Opéra de chambre de Vienne dans La Cambiale di matrimonio de Rossini. Entre 1960 et 1967, il appartient aux troupes des opéras de Linz, de Wuppertal et de Düsseldorf, y faisant ses premières armes dans les emplois les plus divers. En 1967, il revient à Londres où il est engagé pour trois ans dans la troupe du Sadler’s Wells, s’échappant de temps à autre à l’étranger. La même année, il interprète le rôle-titre de Job de Dallapiccola à la Scala. S’il interprète tous les grands rôles de baryton, il s’affirme rapidement comme un wagnérien accompli. Il est acclamé dans Hans Sachs à Londres, Hambourg, Munich, Bruxelles et Bayreuth, où il sera également Günther et Amfortas. En 1985, il épouse la soprano Kristine Ciesinski.

Bailleux, Odile

Organiste et claveciniste française, née à Trappes le 30 décembre 1939.

Elle étudie le solfège et le piano au Conservatoire de Versailles. À l’École César Franck (Paris), elle obtient le diplôme supérieur en 1965 dans la classe d’orgue, après avoir suivi les cours de Jean Fellot et d’Édouard Souberbielle. Elle y poursuit ses études de piano, d’harmonie et de contrepoint. En 1969-70, elle va travailler au Conservatoire de Francfort auprès de Helmut Walcha ; elle est une des rares organistes françaises à avoir suivi directement les conseils de ce maître. En 1964, elle avait participé à l’Académie internationale de l’orgue de Saint-Maximin. Depuis 1966, elle était suppléante d’Antoine Reboulot aux claviers du grand orgue de Saint-Germain-des-Prés. À partir de 1973, elle partage les fonctions propres à cette tribune avec André Isoir. Chargée de cours d’orgue au Conservatoire de Bourg-la-Reine depuis 1980, elle y a pris la succession d’Arlette Heudron, tragiquement disparue. De nombreux récitals l’ont conduite en France et dans plusieurs pays européens. Elle cultive aussi le clavecin, et tient notamment le continuo dans le groupe Musique-Ensemble (fondé avec Michel Henry, hautbois baroque, en 1973) et le continuo d’orgue ou de clavecin depuis 1977 à la Grande Écurie et la Chambre du Roy. En 1990, elle est nommée cotitulaire de l’orgue de Notre-Dame-des-Blancs-Manteaux à Paris. Les styles de Helmut Walcha, de Gustav Leonhardt, de Scott Ross et de Michel Chapuis sont parmi ceux dont elle reconnaît l’influence.

Baker, George C.

Organiste américain, né à Dallas en 1951.

Initié dès l’âge de quatre ans au piano, puis à l’orgue en 1961, il poursuit ses études sous la direction de Phil Baker, à la Highland Park Methodist Church de Dallas, puis à quinze ans avec le docteur Robert Anderson à la Southern Methodist University, jusqu’en 1973.

Entre-temps, George C. Baker remporte le Concours régional de l’American Guild of Organist (1969) et l’année suivante le même concours, mais au niveau national. Il devient ainsi le plus jeune lauréat de cette importante compétition américaine. Après son diplôme de Bachelor of Music en 1973, il obtient une bourse pour venir travailler en France, avec Marie-Claire Alain et Jean Langlais. Il est nommé, dès cette date, organiste suppléant de l’église anglicane Saint-Georges à Paris. Son premier grand récital dans la capitale française a lieu à Notre-Dame durant l’été 1973. En 1974, il remporte à l’unanimité le Grand Prix d’interprétation du Concours international d’orgue de Chartres. Il a enregistré l’intégrale de l’œuvre de J. S. Bach et de Darius Milhaud. Après avoir débuté une brillante carrière, il partage ses activités entre l’orgue et la médecine à partir du milieu des années quatre-vingt. Il est directeur de la musique et professeur d’orgue à la Southern Methodist University de Dallas. Il est dédicataire d’œuvres de Jean Langlais (Jésus, mon sauveur béni, op. 181 no 5, 1974 ; Prélude grégorien, op. 205, 1979).

Baker, dame Janet

Mezzo-soprano anglaise, née à Hatfield (Yorkshire) le 21 août 1933.

Élève de Helena Isepp à Londres. En 1956, elle remporte un 2e prix au Concours Kathleen Ferrier, qui lui vaut une bourse d’études au Mozarteum de Salzbourg ; elle y suit les cours de Lotte Lehmann. En 1960, elle chante Edwige (Rosalinde de Haendel). L’année suivante deux concerts la révèlent au grand public. De 1961 à 1976, elle travaille avec l’English Opera Group (Didon de Purcell, les héroïnes de Britten). Britten lui dédie sa cantate Phèdre. En 1966, elle triomphe en Amérique, au Canada et débute à Covent Garden (Didon de Berlioz, Idamante de Mozart). Elle chante aussi régulièrement à Glyndebourne et contribue avec R. Leppard à la résurrection d’opéras anciens (Cavalli, Monteverdi).

Mezzo de couleur claire, sa voix a une homogénéité exceptionnelle. Son phrasé, son expressivité et sa technique pure en font l’une des grandes interprètes d’aujourd’hui. Elle représente bien l’école anglaise : aucun barrage entre le grand répertoire et la musique ancienne, entre l’opéra et le récital. Elle fait ses adieux à la scène en 1982 dans l’Orphée de Gluck, à Glyndebourne. Elle a créé des œuvres de Dominick Argento (From the Diary of Virginia Woolf, 1975).

ÉCRITS : Full Circles (Londres, 1982).

Balatsch, Norbert

Chef de chœur autrichien, né à Vienne le 10 mars 1928.

Il étudie parallèlement la médecine et la musique à l’Académie de Vienne (musique de chambre, direction de chœurs) mais aussi, en privé, le violoncelle et le piano. Ayant appartenu enfant au chœur des Petits Chanteurs de Vienne, c’est ce chœur même qu’il dirige d’abord. Il fonde ensuite un chœur de jeunes, avec lequel il remporte certains prix en Autriche ; puis, ayant dirigé le Chœur d’hommes de Vienne, il est engagé en 1952 à l’Opéra, où il suit toute la filière traditionnelle, pour y être nommé chef de chœur (1978-84). En 1972, il succède à Wilhelm Pitz à la tête du chœur du Festival de Bayreuth. Parallèlement, il dirige le Chœur Philharmonia de Londres (1974-79) puis celui de l’Académie Sainte-Cécile de Rome (1983-99). À Vienne, il occupe aussi les fonctions de maître de chapelle de la Cour. En 1992, il est nommé conseiller artistique et chef des chœurs à l’Opéra de Rome. Puis il prend la direction des Petits Chanteurs de Vienne (jusqu’en 2001).

Baldwin, Dalton

Pianiste américain, né à Summit (New Jersey) le 19 décembre 1931.

Après avoir été étudiant à la Juilliard School de New York et au Conservatoire Oberlin (Ohio), il vient en Europe suivre l’enseignement de Madeleine Lipatti et de Nadia Boulanger. Très vite, il s’oriente vers l’accompagnement de la musique vocale, qu’il conçoit en termes de dialogue approfondi avec interprètes et compositeurs. Il a travaillé avec Jennie Tourel, Pierre Fournier, Elly Ameling, Jessye Norman, Nicolaï Gedda, et surtout Gérard Souzay, dont il est devenu l’inséparable compagnon, aussi bien dans le répertoire français (de Fauré à Poulenc) que dans la mélodie contemporaine, en collaboration étroite avec les créateurs eux-mêmes : Frank Martin, Ned Rorem (pour les War Scenes), Alberto Ginastera… L’accompagnateur sensible et discret fut pour un soir le héros d’un concert en forme d’hommage rendu par ses amis chanteurs au Festival de La Roque-d’Anthéron, en 1982. Il dirige tous les ans le Festival de chant de Princeton (New Jersey) et donne des cours d’interprétation à Genève, à l’Académie internationale d’été de Nice, à Royaumont et aux États-Unis.

Balleys, Brigitte

Mezzo-soprano suisse, née à Dorénaz (Valais) le 18 juin 1959.

Après des études aux conservatoires de Sion et de Berne (notamment avec Jakob Stämpfli), elle suit des cours avec Elisabeth Schwarzkopf et Brigitte Fassbänder puis remporte à Londres le Concours international Benson & Hedges. Elle est aussitôt engagée au Grand-Théâtre de Genève et à l’Opernhaus de Zurich avant de faire ses débuts aux Festivals de Lucerne et de Berlin. En 1987, elle chante Chérubin à l’Opéra de Vienne et commence à enregistrer avec Claudio Abbado. On la retrouve dans Jocaste (Œdipus Rex de Stravinski) à Palerme, Octavian (Fribourg-en-Brisgau). En 1989, elle chante Chérubin à Zurich sous la direction de Nikolaus Harnoncourt et Pénélope (Le Retour d’Ulysse de Monteverdi) à Lausanne où elle incarne également Charlotte. En 1993, elle chante Nikolaus à l’Opéra de Lyon et Néron (Le Couronnement de Poppée) à l’Opéra d’Amsterdam. Elle chante aussi l’Orphée de Gluck, le Prince Orlofsky et est très régulièrement demandée pour des oratorios, tant dans le domaine baroque que dans le répertoire plus récent. Elle enseigne à la Haute École de musique de Lausanne.

Ballista, Antonio

Pianiste et compositeur italien, né à Milan le 30 mars 1936.

Il fait ses études au Conservatoire de sa ville natale jusqu’en 1955 et aborde une carrière marquée par la musique de chambre et la musique contemporaine. Dès 1953, il commence à jouer en duo avec le pianiste Bruno Canino et tous deux s’imposent rapidement comme l’un des duos de piano les plus importants de leur temps, notamment par les œuvres nouvelles qu’ils suscitent ou qu’ils créent : Rapsodia (1984) de Davide Anzaghi, Concerto pour deux pianos (1973) de Luciano Berio, Tableaux vivants (1964), extraits de la Passion selon Sade de Sylvano Bussotti, Ode (1966) de Niccolò Castiglioni. Seul Antonio Ballista s’est vu dédier des œuvres de Luciano Berio (Wasserklavier, 1964 ; Erdenklavier, 1970), Sylvano Bussotti (Foglio d’album, 1969, extrait de Rara Requiem), Bruno Canino (Impromptu no 2, 1969), Niccolò Castiglioni (Couplets, 1979), Aldo Clementi (BACH, 1970 ; Concerto pour piano, 1976), Franco Donatoni (Estratto, 1969), Marcello Panni, Salvatore Sciarrino (De la nuit, 1971), Flavio Testi (Opus 23 pour 2 pianos et orchestre de chambre, 1973). Plus tard, il forme un duo avec la soprano Alide Maria Salvetta puis avec le ténor Massimo Crispi avec lesquels il donne des spectacles atypiques où sont cultivés les genres les plus divers. Nommé en 1963 professeur au Conservatoire de Parme, il enseigne à partir de 1964 au Conservatoire Giuseppe Verdi de Milan.

Balsam, Artur

Pianiste polonais naturalisé américain, né à Varsovie le 8 février 1906, mort à New York le 1er septembre 1994.

Élève des conservatoires de Łódź et de Berlin, il remporte, dans cette ville, en 1930, le 1er prix au Concours international et, l’année suivante, le Prix Mendelssohn. Malgré des débuts précoces de concertiste à douze ans, il accorde dans sa carrière une place importante à la musique de chambre, accompagnant notamment Yehudi Menuhin, Szymon Goldberg, Erica Morini, Joseph Fuchs, Nathan Milstein, Mstislav Rostropovitch, Zino Francescatti ou les quatuors de Budapest et Kroll. En 1960, il remplace Erich Itor Kahn au sein du Trio Albeneri. Comme soliste, il se consacre essentiellement au répertoire classique et a enregistré près de deux cent cinquante œuvres, comprenant toutes les sonates de Haydn, de Mozart et de Hummel. Il est chargé de la classe de piano à l’Académie Kreisel de musique de chambre, à Blue Hill (Maine) et à l’École de musique de Manhattan, à New York (à partir de 1970). Il a enseigné également à l’Université de Boston et à l’Eastman School of Music.

Balslev, Lisbeth

Soprano danoise, née à Åbenrå le 21 février 1945.

Après ses études à l’Opernakademie du Théâtre royal de Copenhague où elle débute dans Jaroslava (Le Prince Igor) en 1976, elle est engagée à Hambourg, puis invitée à Berlin, Dresde et Stuttgart où elle chante Senta, rôle qui contribue à sa réputation internationale : elle le chante en effet à Bayreuth entre 1978 et 1982, puis en 1984 et 1985. Elle fait partie de la troupe de l’Opéra de Hambourg à partir de 1979 et chante régulièrement à Munich (Iphigénie en Tauride, 1979), Berlin, Cologne et Francfort. Ses principaux rôles sont Elisabeth (Tannhäuser), Léonore (Le Trouvère), Fiordiligi (Così fan tutte) ou la Reine de la Nuit (La Flûte enchantée).

Balsom, Alison

Trompettiste anglaise, née à Royston (Hertfordshire) le 7 octobre 1978.

C’est en assistant à un concert du trompettiste suédois Håkan Hardenberger qu’elle découvre sa vocation. Elle joue dans une fanfare locale, la Royston Town Band et travaille à l’école de musique Greneway de Royston avec Adrian Jacobs ; puis elle poursuit ses études à la Guildhall School of Music de Londres avec John Miller (1997-2001) avant de se perfectionner au Conservatoire national supérieur de Paris et de travailler avec H. Hardenberger lui-même (2001-04). Elle développe rapidement une carrière de soliste dans laquelle elle explore toutes les ressources de son instrument des baroques à Piazzola et à la musique de son temps. Elle est la première femme à mener une telle carrière à la trompette et ses premiers enregistrements sont couverts de prix. Trompette solo du London Chamber Orchestra, elle enseigne à la Guildhall School of Music. Entre 2009 et 2011, elle a partagé la vie du chef d’orchestre Edward Gardner. Elle a créé des œuvres de Qigang Chen (Joie éternelle, concerto pour trompette, 2014), James MacMillan (Seraph pour trompette et ensemble, 2011).

Baltsa, Agnes

Mezzo-soprano grecque, née à Lefkas le 19 novembre 1944.

Elle étudie à Athènes, Munich et Francfort. Puis elle remporte un prix au Concours international de Bucarest et obtient la bourse Maria Callas (1964) avant de débuter dans Chérubin à l’Opéra de Francfort (1968) où elle demeure jusqu’en 1972. Elle fait ses débuts à l’Opéra de Vienne dans Octavian (Le Chevalier à la rose) en 1970. Elle entre ensuite dans la troupe de la Deutsche Oper de Berlin et débute à la Scala de Milan en 1974 (Dorabella), à Covent Garden (Chérubin) en 1976, au Festival de Salzbourg de la même année (Hérodias, Salomé), à l’Opéra de Paris en 1980. À son répertoire elle compte Orphée (Gluck), Sextus (La Clémence de Titus), Dorabella, Didon (Les Troyens), Hérodias, Octavian, le Compositeur (Ariane à Naxos), Rosine, Carmen (qu’elle chante à Vienne et à Salzbourg sous la direction de Karajan). Elle a créé une œuvre de Friedrich Gulda (Paradise Island, 1990).

Bamberger, Carl

Chef d’orchestre autrichien naturalisé américain, né à Vienne le 21 février 1902, mort à New York le 18 juillet 1987.

À l’Université de Vienne, il étudie la théorie et le piano avec Heinrich Schenker, le violoncelle avec Friedrich Buxbaum. Il débute comme chef d’orchestre à l’Opéra de Dantzig (1924-27). Puis il est nommé à l’Opéra de Darmstadt (1927-31) avant de passer quelques années en URSS (1931-35). On le trouve ensuite en Égypte (1937), l’année même où il se fixe aux États-Unis. L’essentiel de sa carrière sera alors consacré à l’enseignement : il fonde et dirige l’Orchestre de Mannes College à New York (1938). De 1938 à 1975, il enseigne dans cet établissement où il fait partie du comité de direction. Il dirige également la New School of Music de Philadelphie. De 1942 à 1950, il est directeur musical du Columbia Spring Festival et, de 1940 à 1945, il est à la tête du New Choral Group of Manhattan et de la Brooklyn Oratorio Society. Il est invité à diriger l’Orchestre de la NBC, ceux de Chicago et de New York. Entre 1950 et 1952, il assure la direction des Concerts de chambre de Montréal et, à partir de 1952, il dirige régulièrement au New York City Opera. Il a créé l’opéra de Bohuslav Martinů Comédie sur le pont (première scénique, 1951).

ÉCRITS : The Conductor’s Art (1965).

Bamert, Matthias

Chef d’orchestre suisse, né à Ersigen le 5 juillet 1942.

Il fait ses études musicales à Berne, Zurich, Paris et Darmstadt où il reçoit une formation de hautboïste, de compositeur et de chef d’orchestre. Entre 1965 et 1969, il est hautbois solo à l’Orchestre du Mozarteum de Salzbourg. Puis il part aux États-Unis où il est l’assistant de Leopold Stokowski à l’American Symphony Orchestra de New York (1970-71). Il est ensuite resident conductor à l’Orchestre de Cleveland (jusqu’en 1977). De retour en Europe, il est chef permanent de l’Orchestre radio-symphonique de Bâle (1977-83). Entre 1985 et 1990, il est principal chef invité de l’Orchestre national d’Écosse et directeur du Festival Musica Nova de Glasgow. En 1987, il se fixe à Londres. Entre 1992 et 1998, il est directeur artistique du Festival de Lucerne. Entre 1993 et 2000, il est directeur musical des London Mozart Players. À partir de 2001, il est chef invité associé du Royal Philharmonic Orchestra. Il est également chef permanent du West Australian Symphony Orchestra, à Perth (2003-07). Entre 2005 et 2008, il est à la tête de l’Orchestre philharmonique de Malaisie à Kuala Lumpur et premier chef invité de l’Orchestre symphonique de Nouvelle-Zélande.

Il a créé des œuvres de Thomas Adès (Chamber Symphony, op. 2, 1991), Martin Butler (O Rio, 1991), John Casken (Still Mine, 1992), Brett Dean (Ceremonial, 2003 ; Vexations and Devotions, 2006), Detlev Glanert (Karikaturen, 2001), Michaël Lévinas (Ouverture pour une fête étrange, 1979), Toru Takemitsu (Night Signal, 1987), Mark-Anthony Turnage (Gross Intrusion, 1987), John Woolrich (Concerto pour orchestre, 1999).

Banchini, Chiara

Violoniste suisse, née à Lugano le 7 octobre 1946.

Elle fait ses études musicales au Conservatoire de Genève où elle remporte un prix de virtuosité dans la classe de Corrado Romano. Elle travaille ensuite avec Sándor Végh puis se tourne vers le violon baroque à partir de 1975 : elle est l’élève de Sigiswald Kuijken au Conservatoire de La Haye où elle obtient le diplôme de concert. Elle effectue des recherches pour constituer un répertoire original dans le domaine de la musique baroque. En 1981, elle fonde l’Ensemble 415 qui s’impose rapidement comme l’une des formations marquantes dans le domaine de la musique du XVIIIe siècle, révélant notamment des musiciens comme Albicastro ou présentant Boccherini sous un jour nouveau. Elle enseigne le violon baroque au Centre de musique ancienne de Genève et à la Schola Cantorum Basiliensis de Bâle (1991-2010). Elle joue sur un violon de l’école de Storioni (Crémone, 1760) puis sur un Amati de 1674. L’Ensemble 415 donne son dernier concert en 2012.

Barbaux, Christine

Soprano française, née à Saint-Mandé le 19 janvier 1955.

Après un 1er prix d’art lyrique au Conservatoire national supérieur de Paris (1977), elle débute dans Despina (Così fan tutte) à l’Opéra du Rhin où elle reste en troupe pendant trois ans. Dès 1978, elle chante Barberine (Les Noces de Figaro) au Palais Garnier, rôle pour lequel Karajan l’engage à Vienne et à Salzbourg. Elle débute à la Scala dans Lucio Silla. À Aix-en-Provence, elle chante Sophie (Le Chevalier à la rose). Puis on la retrouve en 1988 à l’Opéra de Paris dans Gilda (Rigoletto), à Salzbourg dans La Clémence de Titus et, en 1989, dans Blanche de la Force (Dialogues des carmélites) à Genève, Zurich et Bâle.

Barbier, Jean-Joël

Pianiste français, né à Belfort le 25 mars 1920, mort à Paris le 1er juin 1994.

Il reçoit une double formation littéraire (licence de lettres classiques) et musicale auprès de Blanche Selva et de Lazare Lévy (1937-39). La guerre l’empêche d’entrer au Conservatoire de Paris. À la fin de celle-ci, il s’oriente vers la littérature, publiant Le Théâtre de minuit (1945), Ishtar (1946), Les Eaux fourrées (1951), Irradiante (1954) et, en 1961, un Dictionnaire des musiciens français. Il écrit un grand nombre d’articles dans La Revue musicale, Le Journal musical et la revue Disques. À partir de 1950, il se produit comme pianiste, particulièrement au service de la musique française : Séverac, Chabrier, Debussy, Ibert et surtout Erik Satie dont il grave l’intégrale de l’œuvre pour piano seul (1971-72), couronnée par l’Académie du disque français. Il a également enregistré un disque consacré à Wilhelm Rust (Centre de Valprivas). En 1974, il est nommé directeur du Conservatoire de Charenton.

Barbieri, Fedora

Mezzo-soprano italienne, née à Trieste le 4 juin 1919, morte à Florence le 4 mars 2003.

Elle étudie le chant d’abord dans sa ville natale auprès de Federico Bugamelli et Luigi Toffolo, puis à Milan chez Giulia Tess. Elle débute en 1940, à Florence, dans Fidalma du Mariage secret de Cimarosa. Après des premiers succès en Italie, elle entreprend, dès 1943, des tournées en Allemagne, Belgique et Hollande. La même année, elle épouse Luigi Barlozzetti et abandonne une première fois sa carrière. En 1945, elle revient à la scène, dans Azucena du Trouvère, à Florence. Aussitôt c’est le succès sur toutes les scènes d’Italie. En 1966, elle chante Angelina (La Cenerentola de Rossini) à la Scala. En 1947, elle est engagée au Colón où elle triomphe. Elle est ensuite invitée à Londres, Paris, Vienne, San Francisco, Chicago. Mais son rôle favori demeure Mrs Quickly de Falstaff qui lui permet de jouer à la fois de son tempérament sanguin et de sa voix aux profondeurs impressionnantes. Mais Amneris et Eboli sont également deux rôles qui lui valent de très grands succès au Met, où elle fait partie de la troupe de 1950 à 1954 puis en 1956. De 1955 à 1958, elle est une des cantatrices les plus fêtées du Festival de Vérone. En Italie, elle est également admirée pour ses interprétations de Carmen et d’Orfeo. Si elle fait ses adieux officiels à la Scala en 1989, elle continue d’enregistrer et chante même Mamma Lucia dans Cavalleria Rusticana pour ses soixante ans de carrière au Mai musical florentin en 2000. Elle possédait cent dix rôles à son répertoire.

Barbirolli, sir John

Chef d’orchestre anglais, né à Londres le 2 décembre 1899, mort à Londres le 29 juillet 1970.

Il voit le jour dans une famille d’origine franco-italienne. Après avoir commencé ses études à Trinity College (1911-12), il travaille à la Royal Academy of Music de Londres (1912-17) où il reçoit une solide formation de violoncelliste. Il entre dans l’Orchestre du Queen’s Hall en 1916 et donne son premier récital l’année suivante. Il commence une carrière de soliste et fait beaucoup de musique de chambre, au sein du Quatuor Kutcher. Il fonde son propre orchestre à cordes et commence ainsi à diriger. En 1925, il est à la tête du Chenil Orchestra, à Chelsea. L’année suivante, il est engagé par la British National Opera Company et devient, de 1929 à 1933, premier chef de la Covent Garden Touring Company. Il prend ensuite la direction du Scottish Orchestra, à Glasgow (1933-36), qu’il cumule avec celle de l’Orchestre symphonique de Leeds. En 1936, il fait ses débuts aux États-Unis. En 1937, il succède à Toscanini à la tête de l’Orchestre philharmonique de New York, poste qu’il conserve jusqu’en 1943. Il rentre alors en Angleterre et prend la direction du Hallé Orchestra de Manchester dont il fait l’un des meilleurs orchestres britanniques (1943-70). De 1961 à 1967, il est aussi à la tête de l’Orchestre symphonique de Houston. Il meurt subitement au cours d’une répétition avec le Philharmonia Orchestra.

Il a créé des œuvres d’Arnold Bax (Romantic Overture, 1927), Benjamin Britten (Sinfonia da Requiem, 1941), Gerald Finzi (The Fall of the Leaf, élégie, 1957), Alexandre Gretchaninov (Symphonie no 4, 1942), Darius Milhaud (Ouverture philharmonique, 1962), Ralph Vaughan Williams (Symphonies no 7, 1953 ; no 8, déd., 1956), William Walton (Façade, suite no 2, 1938). Il avait épousé la hautboïste Evelyn Rothwell (Wallingford, Oxfordshire, 24 janvier 1911 ; Londres, 24 janvier 2008), pour laquelle il composa un concerto pour hautbois d’après Pergolèse.

Barbizet, Pierre

Pianiste français, né à Arica (Chili) le 20 septembre 1922, mort à Marseille le 18 janvier 1990.

Il fait ses études au Conservatoire de Paris et obtient des 1ers prix de piano (1944), d’histoire de la musique et de musique de chambre. Très jeune, il se consacre entièrement à la musique. Il joue beaucoup à l’étranger. Grand Prix du Concours international de Scheveningen (1948), il est aussi lauréat du Concours Marguerite Long-Jacques Thibaud en 1949. À l’époque de ses débuts, on le voit souvent interpréter les répertoires les plus variés dans un cabaret de Pigalle, Le Gay Relais, en compagnie de Samson François et de Pierre Petit. Entre 1963 et 1990, il est directeur du Conservatoire de Marseille. En 1973-74, il est également professeur de piano au Conservatoire national supérieur de Paris. Pendant plusieurs années, il s’est surtout produit en duo, avec le violoniste Christian Ferras, formant une équipe dans le pur style français. Il plaçait toujours l’élégance de sa technique au service d’une expression sensible, dans l’authenticité. Il a créé le Concerto pour piano no 1 (1957) de Serge Nigg.

Barboteu, Georges

Corniste français, né à Alger le 1er avril 1924, mort à Paris le 30 juin 2006.

Son père, professeur de cor au Conservatoire d’Alger, lui achète un cor en fa lorsqu’il a neuf ans. Il obtient un 1er prix du Conservatoire à onze ans et entre dans l’Orchestre symphonique de la radio d’Alger trois ans plus tard. En 1938, second soliste pour la saison musicale de Biarritz, il est impressionné par sa rencontre avec Charles Münch. Pendant la guerre, il étudie l’harmonie, le contrepoint, la fugue, la musique de chambre. En 1948, ayant passé le Concours de l’Orchestre national, il part en tournée avec cette formation au Canada et en Amérique. Second soliste, il se présente en 1950 au Conservatoire de Paris, comme élève, et reçoit la même année le prix d’honneur. En 1951, il obtient le 1er prix du Concours international de Genève. Il entre à l’Opéra-Comique, puis devient cor solo des Concerts Lamoureux, qu’il quitte pour entrer comme cor solo à l’Orchestre de Paris en 1969. Il mène parallèlement une carrière de soliste et de musicien de chambre. Professeur au Conservatoire national supérieur de Paris (1969-85), il y forme l’élite de la nouvelle génération de cornistes français, notamment André Cazalet, son successeur au Conservatoire, Hervé Joulain et bien d’autres. Il fonde également le Quintette Ars Nova avec lequel il se produit pendant de nombreuses années. Compositeur, il a écrit pour son instrument une musique pleine de vie et d’humour, à son image, cherchant aussi à enrichir le répertoire du cor. Musicien complet, il a approché tous les styles, de la variété à la musique contemporaine la plus complexe (il a fait un stage à Darmstadt avec Stockhausen).

Bardon, Claude

Chef d’orchestre et violoniste français, né à Angers le 20 avril 1942.

Né dans une famille de musiciens, son père a été pendant trente ans violon solo des Concerts populaires d’Angers. Les sept fils sont tous devenus instrumentistes et se produisent parfois en formation de chambre. Claude Bardon fait d’abord ses études au Conservatoire d’Angers (violon, musique de chambre, harmonie et chant). Il obtient ensuite en 1966 un 1er prix de violon au Conservatoire de Paris. En 1967, Charles Münch l’engage comme premier violon dans l’Orchestre de Paris qu’il vient de fonder. Simultanément il se produit en soliste et avec le Trio Courmont. Il aborde, en 1974, la direction d’orchestre avec Pierre Dervaux. Daniel Barenboïm le choisit comme assistant et lui confie ses premiers concerts. Parallèlement se développe sa carrière de chef invité. Il est nommé, en 1984, chef associé à l’Orchestre de Paris, poste qu’il abandonnera en 1985 après sa nomination comme deuxième chef à l’Orchestre national de Lyon (1985-86) puis comme professeur au Conservatoire national supérieur de Lyon. En 1990, il est nommé premier chef invité de l’Orchestre de Caen. En 1998, il devient directeur musical de l’Orchestre de Vendée. Il a créé des œuvres de Hugues Dufourt (Surgir, 1985), Jean-Louis Florentz (Requiem de la Vierge, 1988), Philippe Hersant (Missa brevis, 1986).

Barenboïm, Daniel

Pianiste et chef d’orchestre argentin et israélien, né à Buenos Aires le 15 novembre 1942.

Son père et sa mère sont professeurs de piano et il donne son premier concert à sept ans. En 1951, sa famille revient en Europe et s’établit en Israël. À dix ans, il joue en récital à Vienne et à Salzbourg. Plus tard il rencontre Edwin Fischer (avec qui il prend des leçons) et Furtwängler. Il travaille ensuite la direction d’orchestre avec Markevitch et se perfectionne auprès de Nadia Boulanger. En 1955, il débute à Londres, sous la direction de Josef Krips. Six ans plus tard, il commence une carrière de chef en Israël puis en Autriche. Dès 1960, il joue en concert l’intégrale des trente-deux sonates pour piano de Beethoven. L’année suivante, ce sont les sonates pour piano de Mozart et, en 1964, il donne l’intégrale des concertos pour piano de Mozart (en dirigeant du clavier) avec l’English Chamber Orchestra à Londres, Paris et New York. En 1973, il dirige à Édimbourg Don Giovanni et en 1975 Les Noces de Figaro. Cette même année 1975, il succède à Sir Georg Solti à la direction musicale de l’Orchestre de Paris. Il dirige les plus grands orchestres du monde, notamment à Londres où il réside. En 1981, il fait ses débuts à Bayreuth dans Tristan et Isolde, où il dirige également Parsifal en 1987 et la Tétralogie (production de Harry Kupfer, 1988).

Marié à la violoncelliste Jacqueline Du Pré en 1967, il partage avec elle une partie importante de sa trop courte carrière. Entre 1982 et 1986, il anime au Théâtre des Champs-Élysées, avec Jean-Pierre Ponnelle et les musiciens de l’Orchestre de Paris, un cycle entièrement consacré à Mozart. En 1989, il quitte l’Orchestre de Paris pour prendre la direction musicale du nouvel Opéra de Paris à la Bastille, expérience qui tourne court après quelques mois, avant même l’ouverture du nouveau théâtre. En 1991, il succède à Sir Georg Solti comme directeur musical de l’Orchestre symphonique de Chicago, poste qu’il conservera jusqu’en 2006. En 1992, il prend la direction musicale de la Staatsoper de Berlin. En 2000, il est nommé directeur musical à vie de l’Orchestre de la Staatskapelle de Berlin. Champion du rapprochement entre Israéliens et Palestiniens, il fonde le West Eastern Diwan, un orchestre qui réunit de jeunes musiciens américains, européens, arabes et israéliens. Toujours pour faire tomber les barrières, il impose la musique de Wagner au Festival de Jérusalem en 2001. En 2007, il devient Messager de paix de l’ONU, particulièrement chargé de la paix et de l’intolérance. En 2007, il ajoute à ses précédentes fonctions celle de principal chef invité de la Scala de Milan dont il est ensuite directeur musical (2011-14). En 2009, il intègre le cercle très restreint des chefs invités à diriger le concert du Nouvel An de l’Orchestre philharmonique de Vienne. Il y revient en 2014.

Il a créé des œuvres de George Benjamin (Dance Figures, 2005), Luciano Berio (Concerto II pour piano et orchestre, 1988), Harrison Birtwistle (Exody, 1998 ; The Last Supper, opéra, 2000), Pierre Boulez (Notations I-IV, 1980 ; Notations V-VIII, 1997 ; Notations VII, 1999), Elliott Carter (Partita, 1994 ; What Next?, opéra, 1999 ; Of Rewaking, 2003 ; Soundings, 2005 ; Dialogues II pour piano et orchestre, 2012), Edison Denisov (Symphonie, 1988), Alexander Goehr (Concerto pour piano, 1972 ; Sinfonia, 1980), Friedrich Goldmann (Klangszenen II, 1994), Hans Werner Henze (Fandango, 1986), York Höller (Aura, déd., 1995), Marcel Landowski (Messe de l’aurore, 1977), Jacques Lenot (Pour mémoire III, 1983), Darius Milhaud (Ode pour Jérusalem, 1973), Isabel Mundry (Panorama ciego pour piano et orchestre, 2001 ; Nocturno, 2006), Bernard Rands (Apókryphos, 2004), Augusta Read Thomas (Ceremonial, 1999 ; Aurora, concerto pour piano, 2000 ; Astral Canticle, 2006), Toru Takemitsu (Visions for Orchestra, 1990), Josef Tal (Symphonie no 5, 1992), Richard Wagner (La Descente de la Courtille, 1983).

ÉCRITS : Une vie en musique (avec Michael Lewin), Belfond (Paris, 1992) ; Parallèles et Paradoxes (avec Edward W. Said), Le Serpent à plumes (Paris, 2003) ; La Musique éveille le temps, Fayard (Paris, 2008) ; Dialogue sur la musique et le théâtre. Tristan et Isolde (avec Patrice Chéreau), Buchet-Chastel (Paris, 2010) ; La musique est un tout, Fayard (Paris, 2014).

Barentzen, Aline Van

Voir à Van Barentzen, Aline.

Barere, Simon

Pianiste russe, né à Odessa le 1er septembre 1896, mort à New York le 2 avril 1951.

Onzième enfant d’une famille de treize, grandie dans le ghetto d’Odessa, il a pour première école les cafés où deux de ses frères font de la musique. Dès l’âge de douze ans, il gagne sa vie en accompagnant au piano les films muets comme les agapes des dîneurs. Il entre à l’Académie impériale de musique de sa ville natale puis, en 1912, grâce à Glazounov, au Conservatoire impérial de Saint-Pétersbourg où il travaille avec Anette Essipova et Felix Blumenfeld. Il en sort en 1919 avec le Prix Rubinstein. Il est nommé professeur de piano au Conservatoire de Kiev et commence une carrière limitée, jusqu’en 1928, à l’URSS. En 1932, il s’installe à Berlin et se réfugie ensuite à Stockholm. Ses débuts londoniens, en 1934, le révèlent au monde musical international. Il se fixe à New York en 1936 et sa carrière prend alors son véritable essor. Il meurt d’une hémorragie cérébrale durant l’exécution du Concerto pour piano de Grieg, à Carnegie Hall. Il laisse le souvenir d’une virtuosité à couper le souffle, aussi bien par la technique digitale que par la palette des sentiments obtenue. Sans égal dans l’œuvre de Liszt, il excellait également dans le grand répertoire romantique. On lui doit les premiers enregistrements des études de Blumenfeld et de Glazounov.

Barrère, Georges

Flûtiste français, né à Bordeaux le 31 octobre 1876, mort à Kingston (New York) le 14 juin 1944.

Il fait ses études musicales au Conservatoire de Paris (1889-95) où il est l’élève de Henri Altès et Paul Taffanel (1er prix de flûte en 1895). Il est ensuite engagé comme flûte solo à l’Opéra de Paris et aux Concerts Colonne (1897-1905). En 1895, il participe à la fondation de la Société moderne d’instruments à vent avec Paul Taffanel. En outre, il enseigne à la Schola Cantorum. En 1905, il s’installe aux États-Unis où il est flûte solo de l’Orchestre symphonique de New York (1905-28). Il y est également professeur à l’Institute of Musical Art et à la Juilliard School of Music. En 1910, il fonde le Barrère Ensemble of Wind Instruments et, en 1914, la Barrère Little Symphony. Il a composé diverses pièces pour son instrument (Nocturne) et une mélodie qui est restée célèbre, Chanson d’amour. Il a créé des œuvres d’André Caplet (Quintette pour piano et vents, 1900 ; Suite persane, 1901 ; Petite Valse ; Rêverie ; Feuillets d’album, 1901). Edgar Varèse a écrit pour lui Densité 21.5 (1935).

Barrientos, María

Soprano espagnole, née à Barcelone le 10 mars 1883, morte à Ciboure le 8 août 1946.

Nantie dès son enfance d’un solide bagage musical (piano et violon), elle ne fait que six mois d’études vocales et débute à Barcelone à l’âge de quinze ans. Sa technique de chant se révèle cependant éblouissante et elle stupéfie les connaisseurs par l’aisance et la précision de ses vocalises. Sa voix, pas très grande, « passe » admirablement parce que toujours très exactement « placée ». Elle est aussi à l’aise dans les héroïnes romantiques que dans la pétulante Rosine. Elle chante beaucoup en Espagne, parfois à la Scala ou à Covent Garden et très peu à Paris, mais c’est sur le Nouveau Continent qu’elle fait la plus grande part de sa carrière. De 1904 à 1917, les « tournées Barrientos », avec les plus grands noms du gotha lyrique, firent les plus belles soirées des grands théâtres d’Amérique du Sud. De 1916 à 1920, elle est la vedette des soirées du Metropolitan, qui remonte pour elle Les Puritains. Elle y débute dans Lucia di Lammermoor et y crée Le Coq d’or. Pendant trente ans, elle chante tout le répertoire de soprano léger, de Lakmé à Mireille, d’Amina à Gilda.

Après avoir gagné et perdu des fortunes, elle termine paisiblement sa vie dans le sud-ouest de la France, devenant une bridgeuse impénitente.

Barrios, Augustín Pío (dit « Mangoré »)

Guitariste paraguayen, né à San Juan Bautista de las Misiones le 5 mai 1885, mort à San Salvador (Salvador) le 7 août 1944.

Dans le cadre d’un petit orchestre familial, à huit ans, il joue déjà de la harpe, de la flûte et du violon, puis il se consacre à la guitare. Il travaille avec Gustavo Josa Escalada. En 1910, il travaille en Uruguay avec Antonio Giménez Manján. Un mécène, Don Tomós Salomini, lui organise des concerts au Mexique et à Cuba. En 1934, il fait son unique tournée en Europe. En 1936, il revient en Amérique latine. De 1939 à 1944, il enseigne au Conservatoire de San Salvador. Il est également considéré comme un des plus importants compositeurs latino-américains. Le premier, il a joué une suite de Bach transcrite pour la guitare. Il a enregistré une cinquantaine de 78 tours à partir de 1910.

Barrueco, Manuel

Guitariste cubain naturalisé américain (1967), né à Santiago le 16 décembre 1952.

Il fait ses études au Conservatoire de La Havane puis émigre aux États-Unis en 1967. En 1974, il obtient le 1er prix de la Concerts Artists Guild Award et fait ses débuts à New York. Dès lors, il se produit sur le plan international. Lauréat du Conservatoire Peabody de Baltimore en 1974, il y est plus tard artiste résident. En 1985, il donne la première audition américaine du Concerto pour guitare de Takemitsu sous la direction de Seiji Ozawa. Il enseigne à la Manhattan School of Music, où il a participé à la création du département de guitare. Il a créé des œuvres de Michael Daugherty, Steven Stucky, Toru Takemitsu (Spectral Canticle pour violon, guitare et orchestre, avec Frank Peter Zimmermann, 1995).

Barshai, Rudolf

Chef d’orchestre et altiste russe naturalisé israélien, né à Labinskaia le 28 septembre 1924, mort à Bâle le 2 novembre 2010.

Vadim Borisovski, qui lui enseigne l’alto au Conservatoire de Moscou, et Lev Zeitlin, qui dirige la classe de violon, sont tous deux très vite convaincus de la réelle vocation musicale de leur élève. Il a alors quatorze ans. Plus tard, il travaille la direction d’orchestre à Leningrad avec Ilya Musin. C’est en 1945 qu’il commence sa carrière de soliste (alto). Pendant dix ans, il se consacre au quatuor (Quatuor philharmonique de Moscou – aujourd’hui Quatuor Borodine – et Quatuor Tchaïkovski). Lauréat du Concours de Bucarest (Festival de la jeunesse en 1949), il ne cesse d’approfondir le répertoire classique. Il fait de la musique de chambre avec Guilels, Kogan ou Rostropovitch. En 1956, il se tourne vers la direction d’orchestre et fonde l’Orchestre de chambre de Moscou qui va devenir, sous sa baguette, l’une des meilleures formations du genre : il ressuscite le répertoire baroque, alors inconnu en URSS. Il joue les classiques du XXe siècle et suscite des œuvres nouvelles de compositeurs soviétiques. Il transcrit les Visions fugitives de Prokofiev et le Quatuor no 8 de Chostakovitch, rebaptisé Symphonie de chambre, op. 110a (1960). Plus tard, il transcrira également les Quatuors no 3 et no 4 sous le titre de Symphonie pour cordes et bois, op. 73a, et Symphonie de chambre, op. 83a. En 1969, il crée sa Symphonie no 14. On lui doit aussi une orchestration de l’Offrande musicale et de l’Art de la fugue de J. S. Bach. Avec D. Oïstrakh, il réalise des enregistrements, maintenant historiques, de la Symphonie concertante de Mozart et de Harold en Italie de Berlioz. En 1977, il émigre en Israël où il prend la direction de l’Orchestre de chambre d’Israël qu’il quitte en 1982 lorsqu’il devient chef permanent de l’Orchestre symphonique de Bournemouth (1982-88). Entre 1985 et 1987, il est à la tête de l’Orchestre symphonique de Vancouver (Canada). Il se fixe ensuite en Suisse. En 2000, il met la dernière main à sa propre version de la Symphonie no 10 de Mahler.

Barstow, dame Josephine

Soprano anglaise, née à Sheffield le 27 septembre 1940.

Elle étudie à l’Université de Birmingham et au London Opera Center, enseigne l’anglais pendant deux ans, puis apparaît dans la Compagnie Opera for All en 1964. Elle entre en 1967 dans la troupe du Sadler’s Wells Opera (Chérubin) et débute à Covent Garden en 1969, où elle participe aux créations mondiales de The Knot Garden de Tippett en 1970 (Denise), de We Come to the River de Henze en 1976 (Young Woman) et de The Ice Break de Tippett en 1977 (Gayle). Son très vaste répertoire comprend d’autres rôles contemporains, Autonoe (Les Bassarides de Henze), Natacha (Guerre et Paix de Prokofiev), Katerina Ismaïlova, Jeanne (Les Diables de Loudun de Penderecki), Jenůfa, Emilia Marty (L’Affaire Markopoulos de Janáček), ainsi que nombre d’héroïnes du répertoire romantique : Violetta, Lady Macbeth, Alice Ford, Léonore (Fidelio), Salomé, les quatre héroïnes des Contes d’Hoffmann, Elettra (Idoménée)… Elle chante régulièrement au Met, à Berlin, Genève, Lyon… En 1986, elle fait ses débuts au Bolchoï (Tosca et Lady Macbeth). À Salzbourg, elle incarne Amelia (Un bal masqué) en 1989. Elle se produit ensuite régulièrement à Opera North (Marie, Kostelnička, Médée, Aïda et les grands rôles de Britten).

Elle a créé des œuvres de Gordon Crosse (The Story of Vasco, 1974), Hans Werner Henze (We Come to the River, 1976), Krzysztof Penderecki (Le Masque noir, 1986), Michael Tippett (The Knot Garden, 1970).

Bartholomée, Pierre

Chef d’orchestre et compositeur belge, né à Bruxelles le 5 août 1937.

Il reçoit sa formation musicale au Conservatoire de Bruxelles (1953-58) et s’affirme d’abord par son talent de pianiste. Il prend des leçons avec Kempff, travaille la musique de Schoenberg et tire profit des conseils de Pousseur. Il fonde, en 1962, le groupe de Musiques Nouvelles et devient professeur d’analyse au Conservatoire de Bruxelles. Entre 1977 et 1999, il est chef permanent de l’Orchestre philharmonique de Liège. Il a créé des œuvres de Luciano Berio (Cena, 1979), Philippe Boesmans (Concerto pour violon, 1980 ; La Passion de Gilles, 1983), André Bon (D’un chant perdu, 1985), Marius Constant (Symphonie pour instruments à vent, 1978), York Höller (Traumspiel, 1983), Francis Miroglio Deltas, 1987), Luis de Pablo (Viatges I Flors, 1985), Henri Pousseur (Les Éphémérides d’Icare, 1970 ; Icare apprenti, 1971 ; Invitation à l’utopie, 1971 ; Les Iles déchaînées, 1980 ; La Passion selon Guignol, 1983 ; Trajets dans les arpents du ciel, 1983 ; Déclaration d’orage, 1989), Franz Schubert (Symphonie no 10, 1983).

Barto, Tzimon

Pianiste et chef d’orchestre américain, né à Eustis (Floride) le 2 janvier 1963.

Enfant prodige, il commence à travailler le piano dès l’âge de cinq ans avec sa mère. Il n’a que huit ans lorsqu’il compose son premier opéra et quatorze ans lorsqu’il dirige son premier concert. Il étudie au Brevard Music Centre (1978-79), à Tanglewood (1980-81) et à la Juilliard School of Music de New York où il travaille notamment avec Adele Marcus (1981-84). Il y obtient ses diplômes de pianiste et de chef d’orchestre. Il commence une carrière de chef d’orchestre, principalement en Allemagne, et donne des récitals dans toutes les capitales musicales du monde. En 2000, il participe à Singapour à un opéra multimédia de Bob Wilson, Hot Water, dans lequel il incarne Franz Liszt et joue l’intégrale des Études d’exécution transcendante. Poète, amateur de langues étrangères, il étudie des langues anciennes (grec, hébreu, latin, sanskrit). Il a publié son premier livre en 2002, A Lady of Greek Origin.

Il a créé des œuvres de Marc-André Dalbavie (Concertino pour piano et cordes, 2007), Wilhelm Killmayer (Bagatelles pour violoncelle et piano, 1991 ; Hüben und drühen pour piano, 2002), Wolfgang Rihm (Concerto pour piano no 2, 2014), Ulrich Stranz (Concerto pour piano, 1993).

Bartoletti, Bruno

Chef d’orchestre italien, né à Sesto Fiorentino le 10 juin 1926, mort à Florence le 9 juin 2013.

Il travaille la flûte (avec Bruscalupi) et le piano (avec Nardi) au Conservatoire de Florence et entre dans l’Orchestre du Mai musical florentin comme flûtiste. Rapidement, il se tourne vers la direction d’orchestre et est assistant de 1948 à 1953 : il prépare les productions que dirigent les plus grands chefs (Serafin, Mitropoulos, Rodzinski) au Mai musical. Puis il débute en 1953 dans Rigoletto, à Florence, et est nommé chef permanent au théâtre de cette même ville (1957-64). Il assure également la saison italienne à l’Opéra de Copenhague (1957-60). Sa carrière prend de l’essor : il est invité à Salzbourg et à Aix-en-Provence. Puis ce sont les États-Unis, le Teatro Colón de Buenos Aires. En 1964, il est nommé premier chef à l’Opéra de Chicago et, de 1965 à 1973, il est également directeur musical de l’Opéra de Rome puis directeur artistique du Teatro Verdi de Pise. Sa carrière est exclusivement consacrée au théâtre lyrique et, bien que peu connu en France, il compte parmi les figures majeures dans ce domaine, notamment dans le répertoire italien. Entre 1985 et 1999, il est directeur artistique de l’Opéra de Chicago, où il continue à diriger jusqu’en 2007 totalisant 592 représentations de 55 opéras différents. En 1985, il devient également conseiller musical du Teatro comunale et du Mai musical florentin, dont il est ensuite directeur artistique (1988-91). En 1992, il devient premier chef invité de l’Orchestre régional de Toscane, à Florence. En 2003, il devient directeur musical du Teatro Regio de Parme. Il enseigne la direction d’orchestre à l’Accademia Chigiana de Sienne.

Il a créé plusieurs opéras, notamment d’Alberto Ginastera (Don Rodrigo, 1964), Gian Francesco Malipiero (Venere prigioniera, 1957), Krzysztof Penderecki (Le Paradis perdu, 1978), Marco Tutino (La Lupa, 1990). Au concert, il a créé des œuvres de Guido Turchi (Exil, cantate, 1997).

Bartoli, Cecilia

Mezzo-soprano italienne, née à Rome le 4 juin 1966.

Fille de chanteurs, petite-fille d’une paysanne parmesane, elle monte sur les planches dès l’âge de huit ans, chantant le Berger de Tosca. Puis elle fait ses études à l’Académie Sainte-Cécile de Rome et débute en concert à Rome. Elle chante pour la première fois sur scène à Vérone en 1987. La même année, elle débute en France, à Nantes, puis se produit à Berlin et à Varsovie. Lors d’un hommage télévisé à Maria Callas auquel elle participe, à l’Opéra de Paris, Herbert von Karajan et Daniel Barenboïm la remarquent et l’auditionnent aussitôt. C’est le début d’une carrière triomphale. Elle chante aux Festivals de Schwetzingen et de Pesaro (L’Échelle de soie, 1988), à Zurich (Rosine et Chérubin, 1989) et au San Carlo de Naples (Giannetta dans Le Cantatrice villane de Fioravanti, 1990). Elle fait ses débuts à l’Opéra-Bastille dans Chérubin (1990), à la Scala dans Le Comte Ory (1991), au Mai musical florentin dans Dorabella (1991) ; elle chante La Pie voleuse au Festival de Pesaro, Cenerentola à Bologne (1992), Despina au Festival de Salzbourg (1993) et pour ses débuts au Met (1996). En 1995, elle incarne Eurydice dans l’Orfeo de Haydn sous la direction de Nikolaus Harnoncourt, au Festival de Vienne. En 1997, le Met, où elle a débuté un an plus tôt dans Così fan tutte, monte une nouvelle production de La Cenerentola à son intention. En 1998, elle aborde Suzanne des Noces de Figaro et, un an plus tard, Elvira dans Don Giovanni, sous la direction de N. Harnoncourt à Zurich. En 2010, elle chante Norma pour la première fois. Elle s’intéresse également à la mélodie et à la musique ancienne qu’elle pratique avec les principaux ensembles spécialisés. Dotée de moyens vocaux exceptionnels (près de trois octaves de tessiture), elle est considérée comme l’une des meilleures rossiniennes de son temps. En 2012, elle ajoute le rôle de Desdémone (Otello de Rossini, Zurich, puis Paris en 2014) à son répertoire. Elle fait aussi revivre le répertoire des castrats comme celui de la Malibran et donne une nouvelle jeunesse à la musique vocale de Vivaldi dont elle sort de l’oubli bon nombre d’inédits. En 2012, elle devient directrice artistique du Festival de la Pentecôte à Salzbourg.

Barzin, Léon

Chef d’orchestre belge naturalisé américain (1924), né à Bruxelles le 17 novembre 1900, mort à Naples (Floride) le 29 avril 1999.

Il travaille le violon et l’alto avec Pierre Henrotte, Eugène Meergerhin et Eugène Ysaÿe, ainsi que la composition avec Lilienthal. Pendant quatre ans, il est alto solo à l’Orchestre philharmonique de New York (1925-29). Puis il se tourne vers la direction d’orchestre : il est assistant à l’American Orchestral Society (1929-30) puis directeur musical de la National Orchestral Association (1930-59 et 1969-76). Il dirige aussi l’Orchestre de Hartford (1940-45) et donne des cours à Tanglewood. Après la guerre, il est chef d’orchestre au New York City Ballet (1948-58). Il se fixe à Paris où il forme la Société philharmonique (1959), un orchestre qui se produit régulièrement au début des années soixante. Il participe à la fondation des Musicoliers (1968) et du Festival de Baalbek au Liban. Il a créé des œuvres de Henry Barraud (Rapsodie cartésienne, 1961), Roger Calmel (Suite pour instruments à vent et percussion, 1960 ; Symphonie pour cordes et percussion, 1961 ; Suite en hommage à Gossec, 1969), Gian Carlo Menotti (Le Téléphone, 1947).

Basarab, Mircea

Chef d’orchestre roumain, né à Bucarest le 4 mai 1921, mort à Bucarest le 29 mai 1995.

Il fait ses études musicales au Conservatoire de Bucarest avec Ioan Chirescu, George Breazul, Mihail Jora, Ion Ghiga, Constantin Brăiloiu et Vasile Popovici. Parallèlement, il poursuit des études générales et obtient une licence à l’Académie commerciale de Bucarest en 1945. Il commence à se faire connaître comme compositeur et comme pédagogue : au Conservatoire de Bucarest, il est successivement assistant (1951-55), lecteur (1955-60) puis conférencier (1960-64). Il est nommé chef permanent à la Philharmonie Georges Enesco de Bucarest (1954-86) et en assure la direction musicale de 1964 à 1968. Depuis, il conserve ses fonctions de chef permanent et se consacre à la composition. À partir de 1974, il est en outre directeur général de la musique de l’Orchestre symphonique d’État d’Istanbul. Il a créé des œuvres de Pascal Bentoiu (Symphonie, op. 16, 1966), Wilhelm Berger (Symphonie no 6, 1969), Dimitrie Cuclin (Symphonie no 13, 1962 ; Symphonie no 17, 1966 ; Symphonie no 18, 1969).

Bashmet, Yuri

Altiste russe, né à Rostov le 24 janvier 1953.

Après avoir commencé ses études musicales à Lvóv, il travaille, à partir de 1971, au Conservatoire de Moscou où il est l’élève de Borisovski et, après sa mort, de Fedor Druyinine. En 1975, il remporte le 2e prix au Concours international de Budapest et, l’année suivante, le 1er prix au Concours international de Munich. Il commence alors une carrière de soliste et s’impose rapidement comme l’un des principaux altistes de sa génération à l’échelon international. En 1984, il fonde les Solistes de Moscou, ensemble d’une vingtaine d’instrumentistes à cordes qu’il dirige lui-même et qui s’installe à Montpellier en 1990. En 1992, un conflit avec ses musiciens l’amène à abandonner la direction. Il forme alors un nouveau groupe qui porte le même nom. Professeur au Conservatoire Tchaïkovski de Moscou depuis 1992, il enseigne également à l’Accademia Chigiana de Sienne depuis 1987 et donne des master classes dans le monde entier. En marge d’une carrière de concertiste et dans le domaine de la musique de chambre, il fonde en 1988 son propre festival d’été annuel à Bonn Rolandseck, sur les bords du Rhin. Il s’intéresse à la formation des jeunes instrumentistes et prend la direction de l’Orchestre des Jeunes de Russie « Molodaya » en 2002. Il développe en outre une grande activité en faveur de la musique contemporaine et compte à son actif une cinquantaine de créations de partitions écrites, pour la plupart, à son intention par des compositeurs comme Rodion Chtchedrine (Concerto dolce pour alto, cordes et harpe, 1997), Edison Denisov (Concerto pour alto, 1986), Andreï Echpaï (Concerto pour alto, 1987), Sofia Goubaïdoulina (Concerto pour alto, 1996), Gija Kantcheli (Vom Winde beweint, 1990 ; Styx, 1999 ; Fingerprints, 2002), Krzysztof Penderecki (Sextuor pour clarinette, cor, trio à cordes et piano, 2000), Allan Pettersson (Concerto pour alto, 1988), Alexander Raskatov (Put-Chemin-Path-Weg, concerto pour alto et orchestre, 2003 ; Bel Canto pour alto et cordes, 2008), Poul Ruders (Concerto pour alto, 1995), Alfred Schnittke (Concerto pour alto, 1986 ; Monologue, 1989 ; Concerto pour violon, alto, violoncelle et orchestre, 1995), Mark-Anthony Turnage (Concerto pour alto « On Opened Ground », 2002). Il joue sur un alto de Testore.

Bastianini, Ettore

Baryton italien, né à Sienne le 24 septembre 1922, mort à Sirmione le 25 janvier 1967.

Il commence sa carrière comme basse chantante, faisant ses débuts à Ravenne en 1945 dans le rôle de Colline de La Bohème. Sa voix ayant rapidement évolué, son professeur, Ricciana Bettarini, lui donne une formation de baryton. Dans ce nouveau registre, où il devait s’illustrer, il fait de nouveaux débuts à Bologne en 1951 dans le rôle de Giorgio Germont de La Traviata. Il fait ses débuts à la Scala durant la saison 1953-54 dans le rôle d’Eugène Onéguine. La saison suivante, il incarne Germont aux côtés de Maria Callas dans la fameuse production de Visconti. Et pendant dix ans il y est titulaire de tous les grands rôles de baryton-Verdi. Dans ces mêmes rôles, il est l’une des vedettes du Metropolitan Opera de New York. Atteint d’un cancer des cordes vocales, il luttera avec une énergie farouche contre la mort, qui le fauchera en pleine gloire. Bastianini avait une voix au timbre noir d’une beauté et d’une ampleur également remarquables.

Bastin, Jules

Basse belge, né à Bruxelles le 18 août 1933, mort à Bruxelles le 2 décembre 1996.

Il suit les cours de Frédéric Anspach au Conservatoire de Bruxelles puis, jusqu’en 1964, sera première basse à l’Opéra de Liège. Ayant gagné les concours de chant de Verviers, de Toulouse, de ’s Hertogenbosch et de Munich, il est engagé à la Monnaie de Bruxelles, en 1964, où il obtient ses premiers grands succès. Il s’impose très vite dans le répertoire des rôles de basse profonde des opéras français et italiens. Il est invité en Hollande, en Suisse, en Allemagne et en Italie. Rolf Liebermann lui confie quelques beaux rôles à l’Opéra de Paris. En 1979, il participe à la création de la version en trois actes de Lulu, dans le rôle du Directeur de Théâtre, puis du Banquier. Il chante régulièrement au Festival de Salzbourg. Au Mai musical florentin, il paraît dans Benvenuto Cellini (1987), à Aix-en-Provence dans L’Amour des trois oranges (1989). Mais sa présence imposante et sa riche nature en font aussi un personnage au comique irrésistible, et il n’est pas surprenant de le trouver aussi à l’aise en Grand Inquisiteur de Don Carlos qu’en Agamemnon de La Belle Hélène. Il a créé des œuvres de Marcel Landowski (Messe de l’aurore, 1977), Henri Pousseur (Votre Faust, 1969).

Bate, Jennifer

Organiste anglaise, née à Londres le 11 novembre 1944.

Elle fait ses études universitaires à l’Université de Bristol puis entre à la Royal Academy of Music et au Royal College of Music de Londres. Sa carrière se développe très rapidement, tant au concert et à la télévision que dans le domaine pédagogique. Elle s’impose dans un répertoire très diversifié où la musique française côtoie les maîtres baroques et la littérature anglaise pour son instrument. Elle se produit volontiers sur un instrument portatif qu’elle a fait construire pour ses tournées. Elle compte de nombreuses créations à son actif, œuvres de Flor Peeters (Salve Regina, 1973), Charles Proctor (Chaconne, 1976), Charles Camilleri (Improvisation, Cantabile and Dance, 1979), Ian Parrott, Peter Dickinson (Blue Rose Variation, 1986), William Mathias. Mais elle est surtout l’une des plus éminentes interprètes de la musique d’Olivier Messiaen qu’elle propage dans le monde entier et dont elle a enregistré l’intégrale sur les orgues de la cathédrale de Beauvais et de la Trinité à Paris (première gravure mondiale du Livre du saint sacrement, 1987).

Bathori, Jeanne (Jeanne-Marie Berthier)

Mezzo-soprano française, née à Paris le 14 juin 1877, morte à Paris le 25 janvier 1970.

Elle étudie au Conservatoire de Paris le piano avec Hortense Parent et le chant avec Marie-Hélène Lamoureux. Après avoir débuté à Nantes en 1900, elle est engagée par Toscanini à la Scala de Milan pour la première italienne de Hänsel et Gretel de Humperdinck. Elle crée également Germania de Franchetti. À la Monnaie de Bruxelles, elle chante aux côtés du ténor belge Émile Engel qu’elle épouse en 1908. Après avoir rencontré Debussy en 1904, elle évolue vers la mélodie, qu’elle va interpréter en s’accompagnant elle-même. Elle fait triompher Shéhérazade de Ravel et crée (1907), dans une atmosphère de scandale, les Histoires naturelles (qui lui sont dédiées), puis les Trois Poèmes de Mallarmé (1914) et les Chansons madécasses (1926). Avec Ricardo Viñes, elle crée le Promenoir de deux amants (1911) de Debussy. Elle fait jouer chez elle les musiciens de son temps (par exemple, la Sonate pour flûte, alto et harpe de Debussy, créée en 1914) et dirige pendant la Première Guerre mondiale le Théâtre du Vieux-Colombier où elle fait représenter Une éducation manquée de Chabrier, La Damoiselle élue de Debussy et Le Dit des jeux du monde de Honegger.

Elle crée de nombreuses mélodies de Joseph Canteloube (Églogue d’automne, 1911), André Caplet (Prière normande, 1919), Louis Durey, Arthur Honegger (Six Poèmes d’Apollinaire, 1918), Bohuslav Martinů (Trois Chants, 1925), Georges Migot, Darius Milhaud (Poèmes de Francis Jammes, 1919 ; Les Soirées de Petrograd, op. 55, 1919 ; Poèmes juifs, op. 34, 1920), Albert Roussel (Poèmes, op. 3, avec Alfred Cortot, 1906 ; Poèmes, op. 8, 1908), Henri Sauguet (Plumes, 1923 ; Six Sonnets de Louise Labbé, 1927 ; Polymètres, 1932). Satie lui dédie La Statue de bronze, Le Chapelier et Daphénéo, Honegger Quatre Poèmes (1916), et Poulenc écrit pour ses quatre-vingts ans Une chanson de porcelaine. À partir de 1926, elle fait de fréquentes tournées en Argentine : premières latino-américaines du Roi David et de Judith de Honegger et de L’Heure espagnole de Ravel. Exilée à Buenos Aires durant la Seconde Guerre mondiale, elle y dirige la section musicale de l’Institut français des hautes études. Rentrée à Paris, elle partage son temps entre l’enseignement et des émissions de radio.

ÉCRITS : Conseils sur le chant (1928) ; Sur l’interprétation des mélodies de Claude Debussy (1953).

Batiashvili, Lisa

Violoniste géorgienne, née à Tiflis (Tbilissi) le 7 mars 1979.

Ses parents sont musiciens et son père, violoniste, est son premier professeur. La famille vient en Allemagne en 1991 où elle travaille à la Musikhochschule de Hambourg avec Mark Lubotski puis se fixe à Munich en 1994 où elle étudie avec Ana Chumachenco à la Musikhochschule. En 1995, elle obtient le 2e prix au Concours international Sibelius à Helsinki. En 2001, elle figure parmi les lauréats de la BBC « New Generation Artists », après avoir effectué des débuts remarquables aux Proms 2000. Sa carrière démarre rapidement dans toute l’Europe. En 2003, elle remporte le Prix Leonard Bernstein dans le cadre du Festival du Schleswig-Holstein. Elle a créé des œuvres de Nicolas Bacri (Double Concerto pour violon et hautbois, déd., 2006), Thierry Escaich (Double Concerto pour violon et hautbois, déd., 2014), Giya Kantcheli (Broken Chant, double concerto pour violon, hautbois et orchestre, déd., 2008), Magnus Lindberg (Concerto pour violon, déd., 2006). Elle joue sur le Stradivarius Engleman (1709). Elle a épousé le hautboïste François Leleux.

Bátiz, Enrique

Chef d’orchestre mexicain, né à Mexico le 4 mai 1942.

Il commence ses études musicales en recevant une formation de pianiste. Puis il entre à l’Université de Mexico et à la Southern Methodist University de Dallas (1960-62). Il travaille ensuite à la Juilliard School of Music de New York le piano avec Adele Marcus et la direction d’orchestre avec Jorge Mester (1963-66), puis à l’Académie de musique de Varsovie. Il dirige ses premiers concerts en 1969. Deux ans plus tard, il fonde l’Orchestre symphonique de l’État de Mexico dont il est le premier directeur musical (1971-83). Il développe une carrière internationale tout en restant attaché aux orchestres de son pays. Entre 1983 et 1989, il est directeur musical de l’Orchestre philharmonique de Mexico. Il est également premier chef invité du Royal Philharmonic Orchestra de Londres à partir de 1984. Il reprend en 1990 la direction de l’Orchestre symphonique de l’État de Mexico dont il fait l’une des principales phalanges du pays.

Battistini, Mattia

Baryton italien, né à Rome le 27 février 1856, mort à Rieti le 7 novembre 1928.

Son père, professeur d’anatomie à l’Université de Rome, souhaite faire de lui un médecin, mais les dons qui se manifestent très tôt chez le jeune Mattia pour le chant et la comédie l’incitent à avoir pour lui d’autres ambitions. Le jeune homme étudie le chant avec Veneslao Persichini, puis avec Luigi Mancinelli et Augusto Rotoli. Il débute au Théâtre Argentina en 1878 dans La Favorite, remplaçant « au pied levé » le premier baryton local. Un épouvantable souvenir du mal de mer lui fermera la route vers les États-Unis où les contrats les plus avantageux lui seront proposés. Mais la route de l’Est lui est ouverte : c’est en Russie qu’il atteint les sommets de la gloire. Il y chante toutes les saisons de 1888 à 1914. La famille impériale et la haute aristocratie le traitent en égal. Le tsar ne lui refuse rien. On dit même qu’il obtint de lui la grâce d’un condamné à mort. Il triomphe non seulement dans ses grands rôles italiens, Rigoletto, Alfonso, Riccardo (Les Puritains), Don Carlo (Ernani), Giorgio Germont et Simon Boccanegra (que l’on remonte pour lui à la Scala), mais aussi dans Telramund, Nelusko, Athanaël, Werther (que Massenet adapte à sa tessiture) et les grands rôles du répertoire russe. Chanteur noble, il prenait grand soin de sa mise et n’acceptait que des rôles de grande allure. On dit qu’il refusa de chanter Falstaff, chevalier sans doute, mais ivrogne et grossier. Il aimait embellir son chant de maintes fioritures. Même si sa très longue carrière fit de lui le contemporain de Caruso et de Scotti, il reste toujours un « pré-vériste ».

Ses nombreux disques témoignent de la beauté de son timbre, d’une technique vocale si parfaite que près de cinquante ans de scène ne laissèrent aucune trace d’usure, mais aussi d’une certaine liberté, pour ne pas parler d’improvisation, qui ne laisse pas de surprendre parfois.

Battle, Kathleen

Soprano américaine, née à Portsmouth (Ohio) le 13 août 1948.

Elle commence des études de mathématiques puis se tourne vers la musique (Université de Cincinnati). En 1972, elle débute au Festival de Spoleto dans Un Requiem allemand de Brahms et vient à la scène en 1978 (le Pâtre de Tannhäuser au Met puis Pamina). Elle fait alors ses débuts européens : Strasbourg, Glyndebourne (La Fedelta premiata de Haydn), Salzbourg (Despina, 1982). Elle s’impose dans les rôles mozartiens (Zerline à Salzbourg, Suzanne au Festival Mozart de l’Orchestre de Paris, Pamina) et straussiens (Zdenka d’Arabella, Sophie). À l’Opéra de Paris, elle débute dans Blondchen en 1984. Elle triomphe également dans Rosine, Sophie (Werther), Adina (L’Elisir d’amore) sur les scènes du Met, de Chicago, San Francisco. À Vienne, elle chante Zerbinette (Ariadne auf Naxos), rôle de ses débuts à Covent Garden en 1985. Elle est aussi une étonnante Semele (Haendel). Elle fonde son propre cycle de concerts au Alice Tully Hall de New York (« Kathleen Battle et ses amis ») où elle se produit notamment avec James Levine au piano. En 1991, elle est invitée à chanter en récital pour le centenaire du Carnegie Hall de New York. En 1993, elle chante La Fille du régiment (Marie) à San Francisco. Sa forte personnalité et son exigence artistique la tiennent à l’écart du Met, ce qui ne l’empêche pas de mener une impressionnante carrière internationale dans un répertoire très éclectique, qui va du baroque au jazz et aux negro spirituals. Dans le domaine de la musique contemporaine, elle a créé des œuvres d’André Previn (Honey and Rue, 1992).

Baudo, Serge

Chef d’orchestre français, né à Marseille le 16 juillet 1927.

Fils du hautboïste Étienne Baudo, il travaille au Conservatoire de Paris où il remporte des 1ers prix d’harmonie, de musique de chambre, de percussion et de direction d’orchestre (1949, classe de Louis Fourestier). Il débute comme percussionniste aux Concerts Lamoureux ; puis il est nommé directeur musical de l’Orchestre de Radio-Nice-Côte d’Azur (1959-62). À la même époque, il dirige régulièrement au Festival d’Aix-en-Provence. De 1962 à 1965, il est chef permanent à l’Opéra de Paris. Sa carrière internationale commence en 1966 lorsqu’il remplace au pied levé Herbert von Karajan à la Scala dans Pelléas et Mélisande. L’année suivante, Charles Münch l’appelle à ses côtés comme premier chef de l’Orchestre de Paris, poste qu’il conserve jusqu’en 1970. De 1969 à 1971, il est directeur de la musique à l’Opéra de Lyon. En 1970, il débute à l’Opéra de Vienne et au Met, où il retourne régulièrement jusqu’en 1972. En 1971, il est nommé directeur de l’Orchestre philharmonique Rhône-Alpes qui devient, un an plus tard, l’Orchestre de Lyon. Sous sa direction, l’orchestre devient rapidement l’une des meilleures formations françaises et effectue plusieurs tournées à l’étranger, notamment en Chine et en Corée en 1979. La même année, il fonde le Festival Berlioz à Lyon et à La Côte-Saint-André, dont il assure la direction artistique. Une active carrière de chef invité lui permet de diriger les plus grandes formations mondiales. Il retourne régulièrement en Tchécoslovaquie où il a enregistré de nombreux disques (dont l’intégrale des symphonies de Honegger et Jeanne au bûcher). En 1987, il quitte l’Orchestre national de Lyon mais conserve la direction du Festival Berlioz jusqu’en 1989. Il mène ensuite une carrière de chef invité dans le monde entier, marquée notamment par la Tétralogie de Wagner qu’il dirige à l’Opéra de Marseille en 1996-97. Entre 1997 et 1999, il est premier chef invité de l’Orchestre de la Suisse italienne, à Lugano. Entre 2001 et 2006, il est chef permanent de l’Orchestre symphonique de Prague FOK, puis chef honoraire. Son répertoire est très largement tourné vers la musique française dont il est l’un des ambassadeurs à travers le monde.

Il a créé des œuvres de Gilbert Amy (Choros, 1989), Jean-Guy Bailly (Symphonie no 2, 1974), Henry Barraud (Lavinia, opéra bouffe, 1961), Jacques Bondon (Fleurs de feu, 1965), Philippe Capdenat (Wahazzin, 1972), Marius Constant (Turner, 1961), Daniel-Lesur (Dialogues dans la nuit, 1988), Henri Dutilleux (Tout un monde lointain, 1971), Gian Carlo Menotti (Le Dernier Sauvage, 1963), Marcel Mihalovici (Sinfonia Cantata, 1965), Olivier Messiaen (Et expecto resurrectionem mortuorum, 1965 ; La Transfiguration, 1969), Darius Milhaud (La Mère coupable, 1967), Serge Nigg (Fastes de l’imaginaire, 1974), Maurice Ohana (Le Livre des prodiges, 1979), Milan Slavický (Deux Chapitres de l’Apocalypse, 1995).

Bauer, Harold

Pianiste anglais naturalisé américain (1917), né à Kingston upon Thames (Londres) le 28 avril 1873, mort à Miami le 12 mars 1951.

On assiste à ses débuts à l’âge de neuf ans, comme violoniste : il a été l’élève de son père et d’Adolf Politzer. En 1892, suivant les conseils de Paderewski, qui lui fait travailler le piano, il prend la décision de faire une carrière pianistique. En 1893, il triomphe à Paris et en Russie. Sa réputation gagne toute l’Europe, où l’on admire en lui non seulement le soliste, mais aussi le spécialiste de musique de chambre de premier plan. On le voit souvent jouer en compagnie de Thibaud et de Casals. Pendant la Première Guerre mondiale, Bauer se réfugie aux États-Unis. Il y fonde la Beethoven Association de New York. C’est une société de musique de chambre très renommée, dont il assurera la direction de 1918 à 1941. De très grands artistes fréquenteront sa société, pour jouer avec lui. Ses préférences allaient à la musique de Brahms, de Schumann, de Franck, mais aussi à Debussy et Ravel, qui étaient ses contemporains. Ravel lui a dédié Ondine et Granados, une pièce des Goyescas, El Amor y la muerte. Il a créé des œuvres d’Ernest Bloch (Quintette pour piano et cordes no 1, 1923), Claude Debussy (Children’s Corner, 1908), Emanuel Moór (Concerto pour piano en ré bémol majeur, 1908).

ÉCRITS : Harold Bauer, his Book (New York, 1948).

Baugé, André

Baryton français, né à Toulouse le 6 janvier 1892, mort à Paris le 25 mai 1966.

Il veut être peintre, fait les Beaux-Arts et arrive même à exposer un portrait à la Société des artistes français. Mais, fils d’une célèbre diva d’opérette, Anne Tariol-Baugé, et d’un professeur de chant, il veut aussi être chanteur et, en définitive, c’est dans cette voie qu’il se dirige malgré les réticences de sa mère. Il débute sous le nom d’André Grillaud en 1912 à Grenoble dans Hérodiade (Vitellius), dans Le Grand Mogol (Joquelet) et Gillette de Narbonne, où ses notes aiguës franches et claires lui valent le succès qui détermine sa carrière. La saison grenobloise se poursuit alternant l’opéra et l’opérette et lui offrant le rôle de Figaro, le premier d’une longue série qui devait durer tout le long de sa vie ou presque. Viennent ensuite nombre d’engagements, puis l’ordre de rejoindre le 2e RIC à Brest. C’est la guerre. Il est blessé à deux reprises. Encore convalescent, il débute en 1917 à l’Opéra-Comique, dont il restera pensionnaire jusqu’en 1925, le quittant pour chanter Monsieur Beaucaire au Théâtre Marigny, préludant ainsi l’une des plus brillantes carrières de chanteur d’opérette, au Trianon-Lyrique, dont il fut un temps le directeur, au Châtelet, à Mogador… et dans de nombreux films. En 1946, il quitte la scène pour s’adonner avec passion à l’enseignement.

Baumann, Hermann

Corniste allemand, né à Hambourg le 1er août 1934.

Il ne pratique son instrument que relativement tard. Lycéen, il dirige des chœurs, joue de la batterie, du piano et du violoncelle. Élève pendant deux ans de Fritz Huth à la Musikhochschule de Hambourg, il devient ensuite premier corniste à Dortmund, puis en 1961 à Stuttgart, où il entre dans l’Orchestre symphonique de la radio. Il enseigne depuis 1967 à la Folkwang Hochschule à Essen, avec le titre de Professor depuis 1969. Il est considéré comme le meilleur corniste allemand de sa génération. Sa renommée internationale repose sur le fait qu’il sait parfaitement jouer sur des instruments anciens et qu’il possède à la perfection la technique du cor naturel de l’époque de Mozart aussi bien que celle du cor à piston. Il collabore fréquemment avec Harnoncourt, Leonhardt, Schröder, et d’autres spécialistes de la musique ancienne. Il a créé des œuvres de György Ligeti (Trio pour piano, violon et cor, 1982), Gerhard Pflüger (Concerto pour cor, 1983).

Baumgartner, Paul

Pianiste suisse, né à Altstätten le 21 juillet 1903, mort à Locarno le 19 octobre 1976.

À Saint-Gall, il étudie le piano avec Paul Müller, puis à Munich avec Walter Braunfels. Celui-ci étant chargé d’organiser et de diriger, en compagnie d’Abendroth, la Musikhochschule de Cologne, il emmène avec lui son élève en 1925. C’est là que, quelques années plus tard, Baumgartner va se perfectionner auprès d’Eduard Erdmann, élève d’Ansorge, lui-même dépositaire de l’enseignement de Liszt. De 1927 à 1935, il est professeur à Cologne. Passionné de pédagogie, il est nommé en 1937 chef du département de piano du Conservatoire de Bâle. Il participe à de nombreuses tournées de concerts. Ses partenaires privilégiés pour la musique de chambre seront Casals, Fournier et Végh. Entre 1953 et 1961, il enseigne à la Hochschule für Musik de Hanovre. Parallèlement il donne en 1960 une série de cours très remarqués à Bâle, où il est nommé professeur à l’Académie de musique à partir de 1961. Bien que résolument tourné vers le répertoire du XIXe siècle, il s’est toujours fait le défenseur ardent de la musique contemporaine. Il a reçu en 1962 le Prix pour la Culture de Saint-Gall.

Baumgartner, Rudolf

Chef d’orchestre suisse, né à Zurich le 14 septembre 1917, mort à Sienne le 22 mars 2002.

Il étudie la musique au Conservatoire de sa ville natale, notamment sous la direction de Stefi Geyer et Paul Müller, et poursuit l’étude du violon à Paris et à Vienne. Il se produit comme soliste, après l’Anschluss, dans divers pays européens. Il mène une active carrière de musicien de chambre avec le Quatuor Stefi Geyer, le Trio à cordes de Zurich et le Trio de chambre de Zurich. Après avoir été pendant de longues années premier violon dans divers orchestres de chambre, il fonde, avec Wolfgang Schneiderhan, le Festival Strings Lucerne (1955) et en assume dès lors la direction. Il mènera cet ensemble à la célébrité mondiale. Parmi les premières auditions qu’il réalise avec le Festival Strings Lucerne, on peut citer des pages de Conrad Beck, Jean Françaix, Ernst Křenek, Rafael Kubelík, Ligeti (Ramifications, 1970), Mainardi, Malec (Lumina, 1968), Frank Martin (Et la vie l’emporta, 1975), Martinů, Mayuzumi, Mihalovici, Ohana (Silenciaire, 1969), Penderecki (Capriccio, 1965), Tcherepnine et Xenakis (Aroura, 1971). Entre 1960 et 1987, il est directeur du Conservatoire de Lucerne et, entre 1968 et 1980, il est à la tête du Festival de Lucerne.

Baumont, Olivier

Claveciniste français, né à Saint-Dié le 15 août 1960.

Après avoir obtenu des 1ers prix de clavecin et de musique de chambre au Conservatoire de Paris, il complète sa formation auprès de Huguette Dreyfus, Christopher Farr et Kenneth Gilbert. Sur l’invitation de Gustav Leonhardt, il participe à plusieurs reprises à ses cours d’interprétation de Cologne. À vingt et un ans, il enregistre son premier disque. Invité dans les principaux festivals français (Montpellier, Centre de musique baroque de Versailles, Clavecin en Artois, La Roque-d’Anthéron…), il entreprend également des tournées à l’étranger, notamment au Japon, en Allemagne, en Russie et, depuis 1992, aux États-Unis. Il aime aussi accompagner des chanteurs comme Jill Feldman ou James Bowman et joue à deux clavecins avec Davitt Moroney. Sa connaissance profonde du répertoire l’incite à publier des recueils de pièces de clavecin consacrés à Duphly, Lübeck, Corrette, Dieupart. En 1992, il prend la direction du Festival Couperin de Chaumes-en-Brie, aujourd’hui à Champs-sur-Marne. En 2001, il est nommé professeur de clavecin au Conservatoire national supérieur de Paris. Il donne des cours d’interprétation aux États-Unis, au Brésil, en Russie… Il a créé des œuvres de Michèle Reverdy (Cyclades, déd., 1989).

ÉCRITS : François Couperin, Gallimard, coll. « Découvertes » (Paris, 1998).

Bavouzet, Jean-Efflam

Pianiste français, né à Lannion le 17 octobre 1962.

Au Conservatoire de Paris, il remporte un 1er prix de piano dans la classe de Pierre Sancan et un 1er prix de musique de chambre. Il se perfectionne avec Paul Badura-Skoda, Nikita Magaloff et György Sándor. Il remporte les auditions du Young Concert Artists à New York et le 1er prix du Concours international Beethoven-Tommasoni à Cologne en 1986. L’année suivante, il fait ses débuts à Washington et à Paris. En 1989, il est lauréat du Concours Van Cliburn, au Texas. Il est alors invité dans les principaux pays d’Europe et d’Amérique du Nord. Il joue régulièrement en musique de chambre avec le violoniste Laurent Korcia. Il a réalisé une transcription pour deux pianos de Jeux de Debussy qu’il a créée avec Zoltán Kocsis. Homme des grands cycles, il a enregistré l’intégrale de la musique pour piano de Debussy et de Ravel et joue en concert les 32 sonates de Beethoven. Il enseigne à la Hochschule für Musik de Detmold. Il a créé des œuvres de Bruno Mantovani (Le Livre de Jeb, 2009 ; Fantaisie pour piano et orchestre, 2010), Elzbieta Sikora (Concerto pour piano no 1 « Hommage à Chopin », 2001).

Bayo, Mariá

Soprano espagnole, née à Fitero (Navarre) le 28 mai 1962.

Elle fait ses études musicales au Conservatoire Pablo de Sarasate de Pampelune, puis au Conservatoire de Barcelone et à la Faculté de musique de Westphalie à Detmold. Elle se perfectionne ensuite avec Teresa Berganza. Lauréate des concours Francesco Viñas à Barcelone et Maria Callas (1988), elle remporte ensuite le 1er prix au Concours international du Belvédère de Vienne. Elle débute à Saint-Gall et à Lucerne dans Lucia di Lammermoor et dans La Somnambule. Puis elle chante Rosine du Barbier de Séville, Suzanne des Noces de Figaro (rôle de ses débuts à l’Opéra de Paris en 1991). À l’Opéra de Hambourg, elle débute dans Norina, à Monte-Carlo et à Madrid, elle incarne Micaëla. Pour ses débuts à la Scala de Milan en 1991, elle chante Musette (La Bohème), Zerline au Colón de Buenos Aires, Ensoleillad (Chérubin de Massenet) à Covent Garden en 1994, Antonia à l’Opéra de Vienne. Elle aborde ensuite Mimi, Manon Lescaut, Chérubin (Festival de Salzbourg, 1998), Gilda et Mélisande (Monnaie de Bruxelles), Ilia (Idoménée), Antonia, Cléopâtre et Despina (Opéra national de Paris), Marguerite. Elle se consacre également au répertoire ancien, qu’elle chante avec des chefs spécialisés comme René Jacobs ou Christophe Rousset (La Calisto de Cavalli, Jules César et Rinaldo de Haendel). Elle chante aussi volontiers la zarzuela et se produit en concert.

Bazelaire, Paul

Violoncelliste et compositeur français, né à Sedan le 4 mars 1886, mort à Paris le 11 décembre 1958.

Élève de Jules Delsart, il obtient au Conservatoire de Paris un 1er prix de violoncelle à onze ans, ainsi qu’un 1er prix d’harmonie et de contrepoint et fugue. Il travaille aussi l’orgue avec Louis Vierne. Il poursuit une brillante carrière de virtuose. Professeur au Conservatoire de 1918 à 1957, il publie plusieurs ouvrages pédagogiques sur la technique française du violoncelle. Son œuvre comporte de la musique instrumentale pour divers instruments, dont le violoncelle, des pages pour orchestre, des psaumes avec chœur mixte et diverses pièces profanes. Certaines de ses transcriptions pour violoncelle d’œuvres de compositeurs anciens sont restées célèbres, comme le Concerto en mi mineur d’après Vivaldi. Il a créé la Sonate pour violoncelle et piano (1921) de Maurice Emmanuel. Marcel Dupré lui a dédié sa Sonate pour violoncelle et orgue, op. 60.

Beaucamp, Albert

Chef d’orchestre français, né à Rouen le 13 mai 1921, mort à Rouen le 22 septembre 1967.

Fils d’Henri Beaucamp (1885-1937), organiste à la cathédrale de Rouen, il fait ses études au Conservatoire de Paris, dont il sort en 1945 avec plusieurs prix : harmonie, contrepoint et fugue. Après la guerre, il fonde le Conservatoire de Rouen dont il est nommé directeur en 1949. Il crée l’Orchestre de chambre de Rouen en 1963. Rapidement, il fait de cette formation l’une des meilleures de France et redonne vie à tout un répertoire de musique française ancienne destiné aux cordes.

Becht, Hermann

Baryton allemand, né à Karlsruhe le 19 mars 1939, mort à Marxzell le 12 février 2009.

Élève de E. Wolf-Dengel à Karlsruhe et de Josef Greindi à Sarrebruck, il remporte un 1er prix au Concours de chant de Berlin (1968) et est engagé à Brunswick, puis à Wiesbaden. En 1974, il chante dans la troupe de la Deutsche Oper am Rhein les rôles de barytons héroïques. À partir de 1979, il chante régulièrement à Bayreuth (Alberich, Kurwenal). En Allemagne, il est invité à Munich, Hambourg, Stuttgart, Bonn, Cologne. Il se produit également à l’Opéra de Vienne, à Covent Garden, au Festival de Salzbourg et au Met où il incarne les barytons wagnériens (Amfortas, Telramund, Kurwenal), Mandryka (Arabella de R. Strauss) ou Falstaff. Il a participé à la création de l’opéra de Volker David Kirchner, Belshazar (1986), et de celui de Krzysztof Penderecki, Ubu Rex (1991).

Becker, Hugo

Violoncelliste allemand, né à Strasbourg le 13 février 1863, mort à Geiselgasteig (Munich) le 30 juillet 1941.

Fils du violoniste Jean Becker, le fondateur du Quatuor Florentin (1833-84), il travaille d’abord avec son père puis avec Kanut Kündinger à Mannheim et Friedrich Grützmacher et Karl Heβ à Dresde. Il débute à quinze ans comme deuxième violoncelle dans l’Orchestre du Théâtre de Mannheim. Puis il effectue de nombreuses tournées en famille, travaille avec Alfredo Piatti avant d’être engagé comme violoncelle solo dans l’Orchestre de l’Opéra de Francfort-sur-le-Main (1884-86). Il fait partie du Quatuor Heermann (1890-1906) et est nommé, en 1895, professeur à la Hochschule für Musik de Francfort. Il joue en trio avec le pianiste Daniel Quast et le violoniste Willy Hess et fait partie du Quatuor de Francfort jusqu’en 1906. Sa renommée s’étend rapidement et il est invité aux États-Unis. Il forme différents trios, selon les époques, avec Ernö Dohnányi et Henri Marteau, Ferruccio Busoni et Eugène Ysaÿe ou, plus tard, avec Artur Schnabel et Carl Flesch. En 1902, il est nommé professeur à l’Académie royale de musique de Stockholm et succède à Hausmann comme professeur de violoncelle à la Hochschule für Musik de Berlin (1909-29) : il y formera toute une génération de violoncellistes, notamment Enrico Mainardi et Ludwig Hoelscher. Reger lui a dédié sa Suite pour violoncelle seul no 2. Dix jours seulement après sa création, il a été le deuxième interprète du Don Quichotte de R. Strauss (Francfort-sur-le-Main, 1898), partition qui est vite devenue son cheval de bataille sous la direction de Strauss lui-même. Comme compositeur, il a surtout écrit pour son instrument : un Concerto en la majeur (1898), des variations et des études. Il possédait deux Stradivarius, le Cristiani (1720), qu’il avait acquis en 1884, et un instrument qui porte maintenant son nom, le Becker (1719), autrefois nommé Duc de Marlborough.

ÉCRITS : Mechanik und Ästhetik des Violoncellspiels, avec Dago Rynar (Vienne, 1929).