Présentation de l’éditeur

Leonard, Picasso, Wharol, Koons, les artistes fascinent les foules et obsèdent les intellectuels. L’Art semble aujourd’hui se réduire à quelques figures de la peinture dans un marché mondialisé et conceptuel. Un art où le geste s’efface devant la pensée, où la « main », pourtant capitale, ne compte plus.

Qui sait que Louis XIV, l’inventeur du luxe à la française, préférait son service de table en or massif aux grandes fresques du génial Lebrun ? Qui se souvient combien les enlumineurs, orfèvres et autres faiseurs d’images avaient les faveurs des princes du Moyen Âge, adeptes des beaux objets ? Ivoiriers, tapissiers et autres artisans d’art sont les vaincus d’une longue et sourde guerre que les succès éphémères des arts décoratifs ou du design contemporain ne peuvent faire oublier.

Stéphane Laurent revient sur cette histoire et dresse un subtil panorama critique de cette guerre entre l’« Art » et l’artisanat. Il démêle cette question de l’Antiquité jusqu’à nos jours sans omettre des rapprochements avec d’autres civilisations extra-européennes et revient sur les moments essentiels de notre histoire de l’art, relevant les coups de force – telle la naissance des arts libéraux en Italie et en France au XVIe siècle –, les moments d’hésitation ou de reflux, comme le XIXe siècle, avec les Arts and Crafts et l’échec des arts décoratifs. En choisissant le luxe comme fil conducteur, il nous révèle les rapports de l’art avec le pouvoir et l’élite intellectuelle d’un côté, et le rôle de la consommation de l’autre, deux pôles déterminants de la création.

Stéphane Laurent, historien de l’art, professeur à l’université Panthéon-Sorbonne, a publié de nombreux ouvrages sur l’art et le design. Cet ouvrage est le fruit de nombreuses années de recherches et d’enseignement en France et à l’étranger.

La Main aux algues et aux coquillages
Émile Gallé (1846-1904).
Photo © Musée d’Orsay,
Dist. RMN-Grand Palais /
Patrice Schmidt.

Maquette : © SYLVAIN COLLET

© CNRS Éditions, Paris, 2019

ISBN 978-2-271-12453-1

Ce document numérique a été réalisé par PCA

Per laborem, ad artem.

Par le travail, je deviens artiste.

Devise des artisans
de la manufacture des Gobelins.

Introduction

Dans son célèbre texte Éloge de la main, l’historien de l’art médiéviste Henri Focillon souligne le rôle significatif du geste dans la création artistique, un geste trop souvent ramené à la seule exécution de la pensée1. Il ne dit mot, en revanche, sur la main, sur celle de l’artisan qui manie la gouge, le ciselet ou la navette. Le geste créateur peut-il pourtant être compris sans la dimension manuelle ? D’autres, comme Jean Brun, ont cherché à étudier la main mais en la débarrassant de l’outil, en quête de signification politique, idéologique et religieuse. Mais peut-on comprendre la main sans l’artisan et l’artiste qui s’en servent ?

L’intérêt que nous portons aux œuvres est aujourd’hui capté par les arts visuels. Les files d’attente devant les grandes expositions montrent à quel point nous sommes obnubilés par des peintres célèbres, anciens, modernes ou contemporains. Les impressionnistes, Andy Warhol, Picasso, Jeff Koons ou Léonard de Vinci, et d’autres encore bénéficient d’une véritable starification. Or, cette prévalence n’a pas toujours été. Jusqu’au Moyen Âge en Occident, et dans toutes les autres civilisations, l’œuvre était avant tout une affaire d’artisanat. Était, car avec la mondialisation, et l’extension du modèle de l’art contemporain à tous les continents, l’exclusivité donnée aux arts visuels gagne le monde entier, comme l’a souligné récemment le philosophe Yves Michaud2. Au reste, comprendre ce désamour c’est comprendre pourquoi la plupart des pays industrialisés, à l’exception de l’Allemagne peut-être, se sont détournés du manuel, considéré comme inférieur pour l’intellectuel, que les arts ont fini par rejoindre.

La captation universelle de la production esthétique par les artistes relève au fond d’une sorte d’usurpation. Pendant de longs siècles, l’art s’apparentait au savoir-faire plus qu’à l’idée romantique du génie. Au Moyen Âge, les peintres et les sculpteurs, qu’on appelait « imagiers » et « tailleurs d’images », partageaient la reconnaissance de leur talent avec d’autres faiseurs d’images tels les maîtres verriers, les orfèvres, les lapidaires, les ivoiriers ou les tapissiers3. Compte tenu de la valeur des matières engagées, les orfèvres se hissaient d’ailleurs au premier rang, leur importance se maintenant jusqu’au XVIIIe siècle. Et les souverains, tout comme la noblesse et la bourgeoisie, accordaient plus d’importance aux arts précieux qu’aux arts visuels. Louis XIV, qui a été le dernier roi de France à posséder un service de table en or massif, préférait nettement l’orfèvrerie et les gemmes à la peinture ou à la sculpture, dont le puissant imaginaire symbolique, si séduisant pour le public, a été surtout forgé à partir du romantisme.

C’est non à la Renaissance, comme on le croit habituellement, mais dès le XIIIe siècle, que les conditions d’une usurpation sont apparues. Sculpteurs, peintres et architectes ont cherché à faire bande à part et à définir leurs propres règles esthétiques ainsi que leur propre système de fonctionnement, lorsqu’ils se sont mis à créer plus tard des académies, rivales efficaces des corporations et organes de représentation puissants. Bénéficiant de protections, jouant de la fascination pour les images qu’ils créaient, s’appuyant sur tout un réseau et des connivences avec d’autres créateurs, voire d’autres professions, ils sont parvenus à reléguer les artisans du luxe dans un rang subalterne, celui d’exécutants de leurs propres modèles. Le subterfuge a fonctionné : ils ont enchaîné les commandes prestigieuses, accédé au renom et même gagné des titres de noblesse. Vitrail, émail, tapisserie, céramique sont devenus des prolongements de la peinture, dont ces techniques reprenaient et déclinaient les scènes qui faisaient pourtant perdre leur âme et leur passé de création aux artisans.

La question a hanté les débats sur l’art au moins jusqu’à la Seconde Guerre mondiale4. Car les artisans et les acteurs des arts décoratifs en général comme les dessinateurs d’ornements ne se sont pas laissés faire. Ils ont su dépasser leur modestie qui se nourrissait de la fierté d’un labeur souvent anonyme. Face à des artistes toujours plus politiques et cultivés, ils ont appris à leur tour à convaincre et à séduire. Générant une inventivité et une force économique considérables, notamment grâce au développement du secteur du luxe de Versailles à Paris, mais aussi en Angleterre et dans les pays germaniques, ils ont su regagner les faveurs perdues. À plusieurs reprises, les différences et les inégalités ont été remises en cause, si ce n’est abolies. Au début du XVIIIe siècle d’abord, avec la frénésie du rocaille, qui se moquait des limites ; avec l’essor des techniques de fabrication des objets ensuite, qui a donné à ceux-ci un poids considérable. Durant la seconde moitié du XIXe siècle, la prétention des artistes était devenue si absurde face à la floraison des arts décoratifs, que ceux-ci se constituèrent en une nouvelle entité avec ses associations, ses mouvements esthétiques, ses écoles, ses musées. Ce fut l’âge d’or des arts décoratifs, qui s’étendit jusqu’aux années 1950, soit pendant deux générations. L’Art nouveau et l’Art déco, mais aussi les Nabis ou les Arts and Crafts, contribuèrent à leur triomphe, au point d’opérer un renversement en influençant toute une partie de la production de beaux-arts, c’est-à-dire de recouvrer une forme d’unité de l’art perdue depuis le Moyen Âge.

Les observateurs du phénomène de lutte entre deux mondes de l’art n’ont pas manqué. Tandis que les artistes recevaient le soutien de la critique par intérêt complice entre glossateurs et praticiens, les uns renvoyant l’ascenseur à l’autre, l’importance des objets a retenu l’attention de nombreux philosophes tout au long de l’histoire. Ces derniers se sont attachés à comprendre plus en profondeur le rôle et l’importance des producteurs d’objets5.

Aux États-Unis, certains penseurs comme Howard Risatti ont cherché à élaborer une théorie spécifique de l’artisanat d’art pour lutter contre son éviction6. Car la hiérarchie s’est rétablie puisque l’artisanat a en grande partie disparu, ce qui a laissé un champ libre aux arts visuels dans le domaine de l’art, d’autant que le design, celui de la production d’objets industriels et esthétiques censée reprendre le flambeau des arts décoratifs grâce aux nouvelles technologies, n’a pas réellement pris la mesure du problème et s’est fait à nouveau outrepasser.

Certes l’ascension sociale de l’artiste a été largement étudiée par des sociologues de l’art et des spécialistes de la Renaissance et du classicisme comme Nathalie Heinich, Martin Warnke, Rudolf Wittkower ou Francis Haskell. Toutefois, l’analyse historique des rapports entre artistes et artisans, voire entre artistes et designers, n’a guère retenu l’attention, alors qu’ils sont restés vifs et tendus. Surtout, le point de vue des artisans a été ignoré, si l’on excepte l’intérêt d’un Baxandall pour leur point de vue7. Or le propos permettra de dérouler une autre approche du décoratif dans l’histoire, par le monde de la main, celui des artisans et des designers vis-à-vis des artistes.

Une analyse plus serrée, qui convoquera des contributions diverses, de la sociologie à l’histoire, de l’archéologie à l’économie, avec un regard sur la world history pour comparer la situation occidentale à d’autres civilisations, permettra de reconsidérer la question. Depuis l’aube de l’humanité, le talent a permis en effet aux artistes de se démarquer et de s’attirer la protection d’une élite. Le jeu de dupe entre la célébration du pouvoir par l’œuvre d’un côté, et la flatterie de l’ego du créateur par les commandes et les honneurs qu’il reçoit de l’autre côté, ont finalement abouti à retrancher ce dernier de la vérité de l’objet d’art, qui repose sur une unité de l’expression esthétique, quelles que soient la forme et la technique qu’elle revêt. Ce sera le concept clé qui guidera notre analyse et auquel nous donnerons un approfondissement historique.

De la Préhistoire et de l’Antiquité à nos jours, de la technê des Grecs aux arts industriels, objets d’art, arts appliqués ou arts décoratifs, en passant par les arts précieux, les arts somptuaires, les arts mécaniques et les arts mobiliers, nous remonterons les méandres de cette tension permanente en deux univers de la création artistique afin de démonter les rouages d’une sorte de spoliation esthétique et permettre de considérer une nouvelle approche de l’idée d’œuvre intégrant toutes ses composantes et non plus seulement celle des arts visuels.

1. Henri Focillon, « Éloge de la main » (1934), dans Vie des formes, suivi de Éloge de la main, Paris, Presses Universitaires de France, 1943, p. 101-128.

2. Yves Michaud, Les Invasions barbares. Une généalogie de l’histoire de l’art, Paris Gallimard, 2015.

3. Voir à ce sujet Colum Hourihane (dir.), From Minor to Major: The Minor Arts in Medieval Art History, Princeton, Princeton University Press, 2012 ; Brigitte Buettner, « Toward a Historiography of the Sumptuous Arts », dans Conrad Rudolph (dir.), A Companion to Medieval Art: Romanesque and Gothic in Northern Europe, Oxford, Wiley-Blackwell, 2010.

4. L’ouvrage de Thomas Munro et celui d’Étienne Souriau sont caractéristiques d’une volonté d’analyser à cette époque les arts sur un plan d’égalité : Thomas Munro, The Arts and their Interrelations, New York, The Liberal Arts Press, 1949 ; Étienne Souriau, La Correspondance des arts. Éléments d’esthétique comparée, Paris, Flammarion, 1947. En 1964, prenant pour objet d’analyse la décoration intérieure, Mario Praz met sur un pied d’égalité ameublement et arts majeurs, faisant évoluer sa réflexion vers une recherche d’identification entre un intérieur et ses habitants (M. Praz, An Illustrated History of Interior Decoration from Pompeii to Art Nouveau, London, Thames and Hudson, 1964).

5. Citons récemment François Dagognet, ainsi que son émule Bernard Deloche, qui a élaboré une sémiologie du meuble, dont les formes constituent selon lui un « dessin tridimensionnel ».

6. Howard Risatti, A Theory of Craft. Function and Aesthetic Expression, Chapel Hill, The University of North Carolina Press, 2007.

7. Michael Baxandall, The Limewood Sculptors of Renaissance Germany, 1475-1525. Images and Circumstances, New Haven, Yale University Press, 1980.

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