PAPOTAGES

ENTRE AMIS AUTOUR D’UNE ŒUVRE

PROPOS SUR

L’ART D’AUJOURD’ HUI

Catherine Strumeyer & Philippe Guedj

Graphisme : Eve Billa Fabrication : Elisabetta Cavallo

Éditions l’Art-Dit

4-6 rue de la Roquette – Hôtel Divonne

13200 Arles

www.editions-lart-dit.fr

ISBN : 978-2-919221-26-4

Dépôt légal, janvier 2016

La collection Papotages entre amis autour d’une œuvre est née en 2010 dans le cadre de l’exposition hommage à Ben Ami Koller en octobre 2009. Olivier de Sagazan et Robert Pujade ont donné une conférence inscrite au programme du colloque « Violence ? Parlons-en, Parlons-nous ! État des lieux des discours et des pratiques » organisé par l’association Écho-Arles. La richesse des propos, l’intérêt du public et les ouvertures proposées au cours du débat, nous ont incités à publier le texte intégral de cette conférence auquel nous avons ajouté les visuels des œuvres citées en référence. Ce livre, au format de poche, s’adresse aux étudiants (histoire de l’art, art, philosophie, sciences humaines…), aux amateurs d’art et à ceux que la violence questionne. Ainsi sont nés les Papotages entre amis autour d’une œuvre.

D’autres conférences ont suivi sur le lieu d’autres expositions. Le principe reste le même : confronter des points de vue différents sur un même sujet, en s’appuyant sur l’œuvre d’un ou plusieurs artistes. Les conférenciers sont des spécialistes reconnus chacun dans leur domaine, qui acceptent de s’aventurer en terrain inconnu, à la frontière de plusieurs disciplines, là où le regard peut s’élargir et éclairer les lecteurs.

La collection Papotages entre amis autour d’une œuvre a été créée avec une visée pédagogique et éducative. Elle a pour but de diffuser et promouvoir ces conférences avec des ouvrages didactiques, relativement pointus mais conçus de façon à toucher un public large, y compris parmi les néophytes...

Arles, le 8 janvier 2012

Cher Philippe,

C’est une singulière démarche que j’engage auprès de toi. Te solliciter pour échanger sur l’art contemporain, toi le psychanalyste, amateur d’art certes, mais psychanalyste tout de même, et point du tout historien ou critique d’art. Mais je te sais libre d’esprit, avec une pensée curieuse et autonome, et particulièrement féru d’art. C’est tout ce que je cherche pour guider ma réflexion plutôt que pour orienter mes appréciations.

Je ne découvre pas l’art et le monde de l’art, mais je me suis jusque-là montrée très sélective, évitant ce qui me déplaisait ou me rebutait, négligeant ce qui ne m’interpellait pas directement. Et je réalise que, pour peu que je prenne la peine de regarder, que je me donne le temps d’apprivoiser non pas les œuvres, mais mes sens, je commence à apprécier des créations qui me laissaient jusqu’à présent indifférente. Comme une enfant qui refusait de goûter différentes saveurs, je consommais du doux, du sucré que je confrontais de temps en temps au salé, rarement à l’amer, sans jamais risquer l’acide, l’âcre, le piquant, le râpeux.

Alors je goûte, je teste, je compare… et je reviens au doux, au sucré que j’atténue avec de l’amer, que je relève avec du piquant. Mais dans tout ce qui nous est proposé en matière d’art, je trouve qu’il y a beaucoup de productions insipides, violemment piquantes ou écœurantes. Peut-être ne les ai-je pas bien goûtées !

Je me souviens d’une exposition qui m’avait laissée indifférente et dont tu étais revenu enchanté. Tu n’étais d’ailleurs pas le seul séduit par les installations proposées. Et je me suis trouvée aussi stupide qu’une enfant qui voit une tablée se délecter d’un mets qu’elle a tâté du bout des lèvres, sans chercher à éprouver la saveur et qui refuse obstinément de manger, se privant peut-être d’un plaisir, ou tout au moins d’une connaissance.

Et puis, je me suis décidée à aller voir d’autres expositions qui a priori ne m’attiraient pas vraiment, en me disant que, lorsqu’on veut apprendre une langue, le mieux est de s’y confronter en visitant le pays. Je pense en avoir saisi quelques bribes, mais il est probable que j’ai reconnu des sons et des intonations que j’ai confondus avec le langage qui m’est familier.

Que ce soit sa langue ou ses saveurs, le pays de l’art contemporain reste mystérieux pour moi. Je cherche donc un guide. Pas un guide professionnel qui va me montrer ce qu’il est de bon ton de connaître, ou qui va m’abrutir avec des notions tellement spécialisées que je ne vais rien retenir, rien comprendre. Je ne cherche pas l’expertise, je veux juste me faire une idée et être capable d’apprécier ou de rejeter à bon escient. Si bon escient il y a. Tout de même, je dois relativiser mon incompétence et préciser les régions où je me sens mal à l’aise, celles où je souhaite que tu me décrives ce que tu vois, ce que tu entends, ce que tu comprends. En somme, que tu te fasses l’interprète d’un langage que je ne saisis pas.

Ce paysage est celui des installations qui mettent en scène les objets du quotidien ou des réalisations faites, pour un béotien comme moi, de bric et de broc avec des matériaux variés, souvent récupérés. Des installations qui me semblent être des énigmes, des rébus, ou tout simplement une manière d’occuper l’espace, comme ça, pour occuper l’espace.

J’exagère ! Je sais qu’il ne s’agit pas de faire n’importe quoi, juste pour occuper un espace, et par-là se montrer. J’imagine que tout, depuis le choix du matériau, la composition, le rapport à l’environnement, la mise en scène, est pensé, réfléchi. Mûrement réfléchi. Si l’art s’adresse aux sens, se fonde sur les émotions, il convoque aussi l’intellect et nécessite de désapprendre tout ce que l’on ingurgite enfant et en formation pour aller au-delà, dans de nouvelles formes. « Il faut se rendre compte que désormais tout ce que nous allons faire ne doit pas se borner à un simple fait artistique, tout doit prendre l’importance d’un message que nous adressons à d’autres hommes [non tant d’ailleurs que nous], ce qui nous donne de très grandes responsabilités », écrit Joan Miro à Aimé Maeght en 1953.

Désapprendre ! C’est bien de cela dont il s’agit sans-doute en partie. Mais n’est-ce pas le chemin obligé vers la réalisation de soi et la découverte, dans tous les domaines ? N’a-t-il pas fallu que les génies fassent parfois fi de ce qu’ils avaient appris pour faire voler des avions, inventer le téléphone ou les sous-marins ? Ma difficulté à appréhender une grande partie de la création contemporaine est liée au sentiment que nombre d’artistes d’aujourd’hui n’ont pas appris et n’ont rien à désapprendre, rien à dépasser ! J’ai très souvent l’impression qu’ils partent aussi innocents que je le suis, avec pour seul bagage l’envie d’être artiste, la détermination et la foi en eux-mêmes. Comme si la créativité ne pouvait s’accorder d’un minimum de savoir et de savoir-faire.

La personnalité de l’artiste semble de plus en plus faire office de talent. Elle permet d’interpeller, de séduire les découvreurs de talent, les critiques, les spéculateurs. Et si talent il y a, sa reconnaissance passe par la capacité de l’artiste à se faire remarquer.

Les métiers de la médiation artistique, de plus en plus nombreux, sont devenus indispensables aux artistes qui veulent vivre de leur art. Ils donnent la visibilité indispensable pour être repérés.

Où se situe l’œuvre dans tout cela ? Quelle est-elle ? Estelle vraiment la production de l’artiste ou celle d’une société de professionnels éclairés qui dicte implicitement sa commande à travers ce qu’elle valorise et ce qu’elle renie ?

On voit se multiplier les expositions d’œuvres difficiles, voire impossibles à vendre, des installations éphémères dépendantes des lieux, des œuvres fragiles et volumineuses qui finissent dans des réserves mais qui ont coûté des sommes folles aux collectivités. Cet art aurait-il ainsi pu se développer s’il n’y avait pas eu la politique de soutien qu’a initiée Jack Lang ? L’octroi de ces budgets à utiliser n’a-t-il pas entraîné des dérives sous prétexte d’innovation ou de promotion ?

Il m’a fallu bien des déceptions et quelques interrogations avant que je n’ose émettre un avis sur l’art contemporain, un avis critique qui ne soit pas louange. Il a fallu que j’ose, c’est bien cela, alors que paradoxalement nous vivons une époque où nous nous accordons à dire que l’art fait partie de la vie, que tout le monde peut être artiste… et chacun, par ce fait, peut être critique ! L’art, c’est la vie. C’est l’expression de la vie. Il devrait donc être accessible et compréhensible par tous, ou tout au moins toucher chacun en plaisir ou en déplaisir, en accostant le spectateur par ses émotions. Ce n’est pas aussi simple et l’on sait bien qu’une œuvre peut laisser insensible. En vertu de quoi, la créativité débordante de certains et leur imagination sans borne les conduisent à créer des œuvres qui ne peuvent assurément passer inaperçues et que j’ai longtemps cru être une des rares à ne pas comprendre et apprécier.

D’ailleurs est-ce de l’art ?

Je lisais récemment un article de Judith Housez dans la revue Beaux Arts Magazine de l’été 2011, où elle écrit que le credo de Dada est de « fuir toute référence à une quelconque esthétique, afin de révéler l’absurde de la représentation, d’anéantir toute vraisemblance ». Ils organisaient « de brefs spectacles destinés à inciter les bourgeois éclairés à s’analyser avec sévérité. Ils ne parviennent qu’à les faire hurler de rire ou de fureur. »

Beaucoup de créations contemporaines me laissent penser que les artistes d’aujourd’hui s’inscrivent dans la lignée de Dada et de Marcel Duchamp qui prétendaient faire du non-art. Marcel Duchamp a exposé au salon des Incohérents, fin XIXe, où les artistes présentaient des œuvres pour rire, que des critiques et des galeristes ont finalement pris au sérieux. Depuis, les Ready-Made donnent une place de choix aux matériaux de récupération pour faire des objets sans objet, et l’idée, le concept qui se substitue à l’objet pour un dialogue avec le « regardeur » devient aussi art, sans être objet d’art. Je peux admettre que les frontières de l’art se sont élargies pour explorer ce que Duchamp appelait le non-art, mais j’ai du mal à comprendre qu’on lui accorde autant de valeur aujourd’hui. Car j’assimile vraiment cette production contemporaine à du non-art. Dans l’introduction du livre Faire voir. L’art à l’épreuve de ses médiations, Nathalie Heinich écrit que « dans quasi tous les cas, on note la présence sous-jacente d’un schéma comme celui-ci : manifeste ou geste fondateur, œuvres initiales, importance d’un leader ou d’un groupe nucléaire… ».

J’émets sans complexe l’hypothèse que les artistes contemporains, encouragés par les critiques et les marchands, suivent sérieusement une voie ouverte par Marcel Duchamp pour provoquer et se moquer. Il me semble qu’une analyse plus approfondie, mais aussi plus large de son œuvre apporterait des réponses à mes questions.

Marcel Duchamp conteste l’autorité académique et, à travers elle, la tyrannie de ceux qui détiennent le pouvoir, l’immobilisme qui les rassure mais ne fait pas avancer le monde. Il conteste dans un moment de grave crise mondiale, de remise en cause des valeurs et, en même temps, période de développement intense dans des domaines essentiels pour l’avenir (photographie et cinéma, aviation, essor de l’industrie avec le taylorisme…).

C’est aussi l’époque où le capitalisme s’attaque à l’art avec l’accroissement du commerce et la professionnalisation de la critique. Marcel Duchamp saisit les enjeux et manipule les critiques. Facile dans un monde qui bouge et s’ouvre à de nombreuses découvertes et nouveautés. Les critiques ont besoin de faire aussi des découvertes, de se promouvoir à travers les artistes qu’ils mettent en avant…

Il a une âme d’artiste, mais dit ne pas avoir de grand talent : utiliser les objets existants, les détourner de leur usage est une façon de créer. Et comment se faire remarquer s’il n’y a pas d’objet pour laisser trace de la création, ou quand l’objet n’est pas une création ? En proposant des objets ou des concepts qui se démarquent de tout ce qui est connu, qui choquent, qui font réagir. Ou qui trouvent des défenseurs qui vont parler pour eux, des critiques et des institutionnels en mal de reconnaissance. Tout l’art de Marcel Duchamp « a consisté à mobiliser les intermédiaires pour faire en sorte que l’urinoir, le porte-bouteilles, la pelle à neige, soient traités comme œuvres par les spécialistes autorisés » écrit encore Natalie Heinich. Il est, aujourd’hui, suivi par des artistes en mal de reconnaissance propulsés dans le milieu par des critiques et des galeristes euxmêmes en quête de notoriété. Mais je refuse, à ce stade de ma réflexion, d’admettre que les publics – et parmi eux, des gens intelligents et avertis – qui s’extasient devant ces non-œuvres qui sont pourtant de l’art, ne soient que des moutons bêlant parce qu’un chef de meute a donné le signal de bêler et d’admirer.

Une autre hypothèse me titille, formulée à la lecture d’une lettre de Chirico. Après que les artistes ont démontré à la fin du XIXe siècle, leur maîtrise technique avec des œuvres d’un réalisme tel qu’ils ne pouvaient faire ni plus ni mieux – je pense notamment à Caillebotte – il ne leur restait pour progresser qu’à explorer d’autres voies ouvertes par la psychanalyse, la philosophie, la physique quantique… alors que les progrès antérieurs ont été influencés par les mathématiques, la chimie, la physique, l’anatomie. Comme dans la vie de tous les jours où les progrès techniques ont montré les limites du bien-être matériel, invitant les hommes à évoluer sur le plan psychique, spirituel. Déconnecté de la notion d’esthétique, l’art est aujourd’hui concept, discipline intellectuelle, il questionne, renvoie, provoque… mais ne donne pas forcément à voir, à entendre ou à sentir du beau. Plus fort encore, l’art devient performance.

Ce n’est pas tant la perte de l’aspect esthétique (quoique, les critères changeant, et toutes formes contenant a priori une forme de beauté, on peut trouver belle la production actuelle) qui caractérise notre époque, que l’irruption d’œuvres ou de non-œuvres qui font appel à l’intellect avant d’interpeller les émotions.

La troisième hypothèse que j’émettrais est que la production artistique, reflet de la société dans laquelle elle prend source, met en exergue à l’aube de ce XXIe siècle le caractère individualiste, la primauté de l’individu qui tend à oublier ses racines, à vivre comme si le monde commençait avec lui, mais aussi l’aspect mercantile de notre société occidentale qui met le profit en tête des valeurs défendues. Le marché de l’art est bondé d’œuvres à la fois très personnelles et en même temps, sans réelles identités, objets reproductibles comme les fleurs et les animaux de Jeff Koons, ou provocantes comme celles de Cattelan. Il s’agit de surprendre, de se différencier, de faire parler de soi et de vendre. Vendre peu, mais cher. Et les polémiques récurrentes autour d’œuvres comme celles de Buren, au-delà du différend qu’elles nourrissent entre profanes et experts, témoignent de l’incompréhension d’un public qui attend des artistes, le respect d’un certain nombre de valeurs comme le respect de soi, l’amour du « beau », quoi que ce soit qu’on mette sous ce terme.

La crise du marché de l’art, la difficulté de nombreux galeristes pour maintenir leurs boutiques, mais aussi la foule nombreuse qui fréquente les grandes expositions, rétrospectives d’artistes des siècles passés me rassurent sur mon appréciation : les gens aiment l’art, un certain nombre est capable de faire de nombreux kilomètres pour une exposition, mais un art respectueux de son public, un art qui a subi avec succès les épreuves du temps qui le légitiment.

Il est rassurant de constater que des professionnels du monde de l’art, des critiques et des historiens tiennent des propos qui me confortent dans l’idée que trop souvent l’art contemporain produit n’importe quoi, que le marché et la spéculation influencent plus que le désir de la création… Mais en même temps, les artistes d’aujourd’hui produisent aussi des œuvres de grande valeur, des merveilles propres à entrer au cénacle des chefs-d’œuvre d’ici quelques années. Tout n’est pas corrompu, et si 75% de la création reste médiocre mais se trouve encensée, il y a une raison. Qu’est-ce qui pousse le public, critiques d’art et marchands y compris, à plébisciter une création qui pour quelques-uns manque de tout : de sens, de savoir-faire, de force, d’esthétique… Juger nulle une création sans chercher plus loin me gêne et avant de jeter aux orties une production qui ne m’intéresse pas, je trouve plus constructif de chercher quel sens elle revêt.

J’aimerais mieux connaître ton point de vue et ton approche qui, pour ce que j’ai pu brièvement entendre, sont bien différents. L’œuvre de Duchamp est sans doute beaucoup plus complexe que ce que j’ai pu en saisir, et l’intérêt des créations contemporaines réside probablement dans des contrées où je ne me suis jamais aventurée jusqu’à présent. Je suis curieuse de lire ton analyse de l’œuvre de Marcel Duchamp et de quelques artistes de ton choix, avide d’avancer dans cet univers qui pour moi est synonyme de vie, de risque et d’enrichissement personnel.

Bien amicalement,

Catherine

Arles, le 18 décembre 2012

...