En couverture : spectacle Art Piste, avec Sophie Béguier et Thomas Bodinier – projet Culture & Santé 2017 à la clinique Jean-Sarrailh, Aire-sur-l’Adour. Photo Thierry Truffaut.

Françoise Liot, Chloé Langeard, Sarah Montero

Culture et Santé

Vers un changement des pratiques et des organisations ?

Éditions de l’Attribut

Collection La culture en questions

éditions de l’Attribut

32 rue Riquet

31000 Toulouse

www.editions-attribut.fr

Livre publié avec le concours du Centre Émile-Durkheim, du Conseil régional Nouvelle-Aquitaine, de la Drac Nouvelle-Aquitaine, de l’ARS Nouvelle-Aquitaine et de l’Université de Bordeaux

ISBN : 978-2-916002-72-9

© Éditions de l’Attribut, juillet 2020, tous droits réservés

Avant-propos

Ce livre prend un sens particulier dans une période marquée par la crise sanitaire. Celle-ci a été un puissant révélateur des difficultés que peuvent rencontrer les secteurs de la santé et de la culture. Elle a rendu particulièrement visibles les problèmes d’organisation et de moyens des hôpitaux et des ehpad. Mais elle a révélé aussi la fragilité des mondes professionnels de l’art et de la culture. Sur des modalités bien différentes pour les deux secteurs, la crise sanitaire met à jour la nécessité du changement. Le partenariat amorcé depuis une vingtaine d’années entre culture et santé participe de ce mouvement nécessaire ; il est un vecteur de réflexivité qui permet d’interroger les pratiques et les représentations, de rester lucide sur ce que vivent les acteurs de ces secteurs et de questionner le projet de société qu’implique leur organisation.

« C’est précisément quand la réalité nous empêche de faire relation, qu’il est essentiel de tout faire pour résister et faire signe d’empathie et d’estime à ceux qui mettent leur énergie à maintenir la vie. La relation sensible n’est pas secondaire, elle n’est pas exceptionnelle. C’est l’expression la plus sûre de faire resurgir notre humanité commune, en refusant de subir le poids des fonctionnalités si avides de réduire l’humanité à une suite de calculs de coûts et d’avantages.

Aujourd’hui sur nos balcons, à nos fenêtres, nous nous demandons : Et demain ? Comment perpétuer ces relations d’humanité qui s’expriment librement et dignement ? Comment éviter de revenir à un système basé sur l’unique fonctionnalité des soignants et sur l’“utilité sociale” des artistes ? Comment sortir des évaluations chiffrées, des appels d’offres ? Comment construire des politiques publiques attentives aux personnes, soucieuses des valeurs d’humanité ? »

Alexandra Martin, Pôle de compétences Culture & Santé en Nouvelle-Aquitaine, newsletter no 42, avril 2020.

Introduction

Cet ouvrage analyse la rencontre entre deux secteurs professionnels a priori très éloignés, les secteurs culturel et sanitaire. Ce rapprochement s’inscrit dans un mouvement d’interministérialité qui a conduit à introduire des projets artistiques dans de nombreux domaines et organisations, qu’il s’agisse de l’école, de la prison, des actions sociales, des politiques du tourisme ou de l’agriculture. Ce partenariat Culture & Santé (C & S) se développe à partir d’une convention signée en 1999 par les deux ministères, favorisant la mise en œuvre d’actions culturelles à l’hôpital. Celle-ci est reconduite en 2010 et épouse les changements dans l’organisation du système de santé en ouvrant notamment le champ d’application de l’accord au médico-social.

Si ces conventions font se rencontrer des mondes dont les objectifs et les organisations sont très différents, tous deux ont en commun de connaître une crise. Le monde du soin, d’une manière générale, est marqué par l’introduction des principes d’efficacité et d’efficience qui conduisent à développer des référentiels et des procédures de plus en plus formalisés et souvent vécus par les acteurs comme contraignants et difficilement applicables. Ainsi, un sentiment d’alourdissement des tâches administratives est très présent chez les professionnels. Ceux-ci considèrent parfois que ces tâches les détournent des vrais fondements de leur travail (relation au patient, écoute des bénéficiaires des minima sociaux…). À l’hôpital, la spécialisation, la technicisation et la bureaucratisation sont des composantes majeures des transformations de l’institution. Parallèlement, que ce soit à l’hôpital ou dans le secteur médico-social, les législations conduisent à renforcer la participation des usagers dans la prise de décision et à ouvrir les structures à la société civile, faisant du soin un sujet au cœur des débats démocratiques et non plus une affaire d’experts et de spécialistes1. Là encore, ces transformations modifient pour les acteurs les manières de travailler et d’envisager leur relation aux usagers. De plus, ces structures ont affaire avec le développement de la territorialisation de leur action. Si cette question s’est posée antérieurement pour les structures médico-sociales et est inhérente au mouvement de décentralisation qui les a liées aux collectivités territoriales, plus récemment, l’enjeu est devenu majeur pour l’hôpital qui, aux prises avec une réflexion sur la santé publique et la continuité des soins, a été sommé de créer des liens avec son environnement (Nardin, 2009). Ainsi ces organisations voient-elles leurs valeurs, leur fonctionnement et leur rôle se transformer. C’est dans ce contexte qu’il faut comprendre la place des actions artistiques et culturelles à l’hôpital, lesquelles semblent en effet en prise directe avec chacune de ces transformations, qu’elles viennent les renforcer, les révéler ou les dépasser.

Les mondes de l’art et de la culture sont eux aussi marqués par des remises en question et des tensions. Ils se trouvent confrontés à une double crise, des moyens et des valeurs. Du point de vue des moyens, la maîtrise des dépenses publiques (qu’il s’agisse de l’État ou des collectivités territoriales) est venue donner un coup d’arrêt à une évolution des crédits alloués à la culture qui avait pourtant conduit, depuis les années 1980, à une expansion et une professionnalisation du secteur. Du point de vue des valeurs, le soutien à la culture a longtemps semblé évident tant il paraissait important, dans une vision humaniste, de favoriser la création et la diffusion des œuvres pour construire et renouveler le lien social. Toutefois, cette vision s’est vue remise en cause par la difficulté à surmonter les inégalités d’accès à la culture, alors que les pratiques en amateur et les formes culturelles populaires étaient largement disqualifiées et sous-estimées. Ainsi les mondes de l’art et de la culture sont-ils aujourd’hui à un tournant. Beaucoup d’artistes et d’acteurs culturels envisagent la nécessité de reconsidérer le lien entre l’art et la société en inscrivant la création au cœur des problématiques actuelles et au plus près des habitants, des citoyens, des personnes. En même temps, l’organisation du secteur artistique reste figée autour de lieux de diffusion constitués en réseaux et qui continuent d’être des passages obligés pour la reconnaissance artistique. Les projets artistiques à l’hôpital et dans les établissements médico-sociaux sont traversés par ce dilemme : à la fois porteurs de sens et de renouvellement de la place de l’artiste et de l’art dans la société, ils peinent pourtant à être reconnus à part entière et restent souvent à la marge du système de légitimation artistique.

Comment analyser le rapprochement improbable entre deux secteurs en mutation et en tension ? De quelle manière se construit cette rencontre, et surtout que produit-elle dans les pratiques et les représentations des acteurs culturels et des acteurs de la santé ? Plus encore, comment ces projets participent-ils à un changement dans les mondes sociaux organisés qu’ils font se rencontrer ?

Ce livre s’appuie sur une recherche universitaire de quatre ans (2015-2018) menée en région Aquitaine mais aussi en Pays de la Loire, en Rhône-Alpes et en Île-de-France auprès des acteurs du soin (cadres de santé, médecins, infirmiers, aides-soignants), des professionnels du travail social (éducateurs spécialisés, animateurs, assistants sociaux), des artistes (plasticiens, metteurs en scène, chorégraphes, musiciens), des acteurs culturels (médiateurs, directeurs d’établissements culturels, responsables de projets culturels associatifs) et des acteurs politico-administratifs (agents de service des collectivités territoriales et de l’État). Cette recherche n’a pas fait le choix d’étudier les effets des projets sur les patients et les usagers, mais elle porte en priorité sur les organisations et les pratiques des professionnels. Ce sont ainsi 135 entretiens semi-directifs qui ont été menés dans 9 hôpitaux2 et 7 établissements médico-sociaux3. Le dispositif, introduit dans les hôpitaux puis dans les structures médico-sociales à partir de 1999, est le résultat d’une politique interministérielle qui trouve des terrains d’application très différents d’une région à l’autre mais aussi d’un établissement à l’autre, comme l’illustrent les divers cas concrets issus des enquêtes de terrain menées dans les centres hospitaliers (CH), les centres hospitaliers universitaires (CHU), les établissements d’hébergement pour personnes âgées dépendantes (ehpad), etc.

L’enquête nous a permis de rencontrer de nombreux projets inscrits dans des configurations très différentes, résidences d’artistes, ateliers de pratique réguliers, diffusion de spectacles ou d’expositions, pour des actions elles aussi très diverses, qui insistent tour à tour sur la réception des œuvres, la pratique artistique en amateur ou encore la création partagée. Ces actions engagent parfois des formats d’une grande hybridité qui mélangent les genres et dépassent les frontières habituelles délimitant les modalités des projets.

Si la forme et les finalités des projets sont multiples, ils ont en commun de se différencier de deux autres modes d’intervention qui les ont précédés dans les établissements de santé. D’une part, ils se distinguent de l’art-thérapie et des ateliers d’expression à visée thérapeutique4. Ces activités sont présentes dans de nombreux établissements de santé et recouvrent un ensemble de pratiques diverses, pas toujours unifiées ni bien circonscrites, et surtout dont la reconnaissance n’est pas pleinement atteinte. Toutefois, elles sont toujours une dimension du soin. Inscrites dans des protocoles, elles font l’objet d’une prescription médicale, d’une évaluation de leur contribution à un processus de guérison, et engagent un personnel soignant spécifiquement formé. Les projets C & S se sont positionnés autrement, en considérant l’artiste non comme un soignant mais comme un professionnel à part entière d’un secteur autonome, qui vient rencontrer des pratiques de soin et non s’y substituer.

D’autre part, les projets C & S se distinguent des interventions bénévoles. Elles aussi nombreuses et anciennes à l’hôpital, elles remplissent une fonction essentielle dans l’accompagnement des personnes et utilisent parfois les outils artistiques pour alléger la dureté de la situation d’hospitalisation. Ces actions sont particulièrement présentes dans les services qui accueillent des enfants, à l’image des clowns à l’hôpital par exemple. Là encore, les projets C & S n’ont pas vocation à se substituer à ces actions. Ils procèdent d’une autre logique dans la mesure où ils n’impliquent pas une démarche philanthropique mais mettent en œuvre des compétences professionnelles spécifiquement artistiques et reconnues comme telles.

Ces projets, s’ils peuvent sembler spécifiques ou même marginaux, sont significatifs d’une transformation dans les modalités de travail actuelles qui conduit les organisations à ne plus se penser dans un entre-soi, mais au contraire dans une relation à de multiples partenaires avec lesquels il est question aujourd’hui de composer. Ils remettent également en question les manières de travailler et les valeurs de chaque secteur. Pour une part, ces projets sont pris dans ces nouvelles modalités de travail qui recomposent des relations entre des professionnels dans un contexte où celles-ci ne relèvent pas entièrement de la construction institutionnelle ; elles invitent alors à une désaffiliation et à la reconstruction d’affiliations sur des bases plus singulières et contingentes, plus éphémères aussi car elles s’ajustent à des projets qui délimitent des réseaux et des collaborations temporaires.

La valorisation de la transversalité et le nouveau découpage des activités sont significatifs d’un renouvellement des modes de travail qui tient à une combinaison de facteurs, depuis la recherche de solutions pragmatiques à des problèmes identifiés localement (meilleur accueil des patients et de leur famille, transformation des représentations liées à une maladie…) jusqu’à l’introduction dans bien des organisations de nouveaux modes de management davantage à même d’engager plus efficacement les changements. Mais l’entrée de la dimension artistique dans ces structures n’est pas réductible à une hybridation de plus dans un contexte où le secteur artistique serait contraint de faire la preuve de son utilité sociale. La nature de cette intersectorialité, en effet, n’est peut-être pas tout à fait identique à celle qui conduit à mettre en relation la santé et le social, l’éducatif et la prévention de la délinquance ou encore l’insertion professionnelle et les politiques migratoires. La différence tient essentiellement au fait que cette intersectorialité est plus difficilement identifiable à une action utilitaire et ne s’inscrit donc que partiellement dans un mouvement de rationalisation. La spécificité de ce croisement est son extraordinaire plasticité, qui conduit à lui attribuer les significations les plus diverses. Les projets C & S recouvrent autant des finalités communicationnelles et managériales, liées à la transformation de l’institution dans son rapport au patient et au territoire, qu’une recherche de sens et de valeurs de la part de soignants dont l’activité est impactée par la technicité croissante et la rationalisation des établissements.

Pour les artistes, ces projets font également l’objet d’une pluralité de lectures. Ils renvoient à un objectif récurrent, depuis le début du XXe siècle, de renouvellement de leurs pratiques et de confrontation à des situations singulières qui permettent l’expérimentation et l’innovation. Mais ces contextes sont aussi une prise de risque qui déplace les pratiques vers un travail de coopération s’opposant à un ethos artistique fondé sur l’autonomie de l’artiste comme condition de la valeur de l’œuvre.

Alors comment démêler ces tensions et clarifier le sens de ces projets ? Autrement dit, qu’apporte la dimension artistique au secteur de la santé, et réciproquement ? Cette relation est-elle en mesure de changer les représentations et les pratiques du secteur culturel ?

Pour répondre à ces questions, cet ouvrage examine les conditions de développement de ce dispositif, dans ses dimensions historique et territoriale (partie 1). Celui-ci est significatif d’une nouvelle manière de construire la politique publique de la culture où la dimension partenariale est essentielle. Quelles sont les modalités de cette rencontre ? Avec quelles tensions opère-t-elle ? Cette action publique articule différents secteurs d’intervention, mais elle interroge aussi la co-construction avec les acteurs de la société civile et notamment le monde associatif de la culture. Dans un contexte d’interrogation profonde sur la légitimité des politiques culturelles, le dispositif C & S constitue-t-il une nouvelle manière d’envisager la place de l’art et des structures culturelles plus en prise avec les problèmes sociaux actuels ? Afin d’apporter des éléments de réponse, l’ouvrage se propose d’analyser la manière dont les projets culturels viennent travailler les organisations de santé et les pratiques des professionnels du soin (partie 2). Ces projets s’inscrivent précisément dans les changements et les tensions que connaît aujourd’hui ce secteur : Comment penser l’ancrage et le rôle du lieu de soins dans la cité ? Comment reconnaître le droit des patients et construire la démocratie sanitaire ? Quelle définition donner à la qualité du soin ? Autant de questions qui conduisent les professionnels à interroger leurs pratiques, le fonctionnement des établissements et les logiques de travail collectives. Les projets artistiques s’inscrivent dans ce besoin de réflexivité des professionnels qui amène à repenser la manière de traiter l’usager, le public, le patient. Mais ces projets intersectoriels ne viennent pas seulement questionner les établissements de santé, ils interrogent aussi sur les manières de considérer l’activité artistique (partie 3). La place sociale de l’artiste, construite historiquement sur l’autonomie de l’art, se trouve ici modifiée. Ce sont également les modes de production, de diffusion et, de fait, de reconnaissance qui tendent – et tardent – à se réinventer au regard de ces projets. La place et le rôle des institutions culturelles ainsi que leur capacité à participer aux transformations sociales sont des questions qui traversent beaucoup de ces initiatives, d’autant plus qu’elles sont au cœur du nouveau paradigme des droits culturels5. Dans ce contexte, l’acte de médiation (partie 4) s’avère à la fois essentiel et profondément revisité dans sa signification. Il n’est plus question ici de penser la relation des publics et des œuvres, mais bien d’articuler deux mondes et d’envisager le sens de ces projets artistiques dans un monde a priori éloigné du monde de l’art.

Au final, ces projets interrogent les capacités et les difficultés de changement des secteurs. C’est l’apport de cette rencontre improbable qui se révèle ainsi, et sa capacité à transformer le regard, à réinterroger les évidences, à sortir des routines professionnelles et des modes organisationnels qui brident le changement.

1 La notion de droit du malade voit le jour par le décret du 14 janvier 1974 ; elle sera réaffirmée dans les lois des 31 juillet 1991 et 4 mars 2002. Dans le secteur médico-social, la loi du 2 janvier 2002 oblige à penser la participation des usagers et/ou des familles et/ou des responsables légaux.

2 Le terme d’« hôpital » sera employé dans l’ouvrage de manière générique, sans distinction entre hôpital public et clinique. Deux des établissements hospitaliers de l’enquête ont un statut privé.

3 Plus précisément, ont été interviewés 40 acteurs du soin, 20 professionnels du travail social, 28 artistes (de 28 à 58 ans, travaillant à parts égales dans les secteurs des arts plastiques et du spectacle vivant, et dont les deux tiers sont des femmes), 7 acteurs culturels, 25 acteurs politico-administratifs et 15 usagers.

4 La relation entre art et thérapie est d’autant plus prégnante qu’elle rencontre l’image moderne de l’artiste, mélancolique, marginal, incompris, torturé. Dans cette représentation, la « folie » est ainsi liée à l’exacerbation de la créativité et s’incarne dans des figures emblématiques : Vincent Van Gogh, Camille Claudel, Antonin Artaud, Gaston Chaissac, etc. Une des expressions les plus populaires de cette représentation est sans doute celle de l’art brut, théorisé par Jean Dubuffet et nommé parfois « l’art des fous ».

5 La notion de droits culturels déjà présente dans la Déclaration universelle des droits de l’homme de 1948 est approfondie et développée au début des années 2000. La Déclaration universelle de l’Unesco sur la diversité culturelle réaffirme les droits culturels comme cadre propice à la diversité culturelle en 2001. La Déclaration de Fribourg, portée par un groupe international d’experts, promeut la protection de la diversité et des droits culturels au sein du système des Droits de l’homme ; publiée en 2007, elle rassemble et explicite les droits culturels, qui sont déjà reconnus, mais de façon dispersée, dans de nombreux textes internationaux. Les droits culturels font leur apparition dans la loi no 2015-991 du 7 août 2015 portant nouvelle organisation territoriale de la République et dans la loi no 2016-925 du 7 juillet 2016 relative à la liberté de la création, à l’architecture et au patrimoine.

Partie 1 L’intersectorialité comme nouvelle modalité d’action publique

Le croisement C & S s’inscrit dans une histoire qui articule logiques ministérielles et transformations de l’action publique territoriale. Il induit des manières différentes de travailler et de concevoir le rapport à la culture et à la question artistique Pour saisir le sens de cette rencontre, il faut pouvoir tenir ensemble l’analyse de la philosophie d’action qui traverse les acteurs aux commandes des politiques culturelles, mais aussi les contraintes structurelles qui accompagnent les valeurs et conduisent à des transformations de l’action publique Reconstruire les fondements interministériels de l’intersectorialité permet de comprendre le cheminement qui a conduit au développement du dispositif C & S et d’en appréhender les enjeux sous-jacents (1). Toutefois, le dispositif ne prend sens que dans la manière dont il est investi par les acteurs locaux. Éminemment partenarial, il invite à faire collaborer deux secteurs, mais aussi plusieurs niveaux de collectivités, tout en étant un espace de co-construction de l’action publique avec les acteurs de la culture et de la santé (2).

1. Histoire de la construction interministérielle de l’action publique de la culture

L’étude historique de la construction interministérielle de la culture montre comment ont pu coexister au sein de l’État deux logiques : d’une part, une logique de secteur forgée par une idéologie forte de soutien à la création et à la diffusion d’une culture artistique et savante ; d’autre part, une conception plus minoritaire – et qui a trouvé plus difficilement sa place – d’une politique publique de la culture dont le principal objectif serait l’émancipation de l’individu et sa meilleure inscription sociale. Celle-ci nécessite de dépasser les limites administratives pour s’inscrire dans tous les champs de l’action publique. La culture occuperait alors la même place que les questions du genre, de la lutte contre les discriminations ou encore de l’environnement, dont l’enjeu est moins de constituer des secteurs spécifiques que d’envisager leur imprégnation dans l’ensemble de l’action publique. Malgré cette ambiguïté originelle, l’élargissement du champ d’action ministériel va s’effectuer dans les directions les plus diverses, en transposant dans ces différents domaines les méthodes d’intervention du ministère et en tentant de s’articuler aux transformations des nouveaux secteurs investis.

1.1. Tensions entre dimensions sectorielle et transversale

La création du ministère de la Culture en 1959 est une étape importante du processus de structuration d’un secteur d’action publique. Les premières années du ministère conduit par André Malraux sont marquées par des choix qui amènent à une spécialisation, une professionnalisation et une autonomisation du secteur culturel. Ces orientations tendent à séparer ce secteur des autres domaines de l’intervention publique. Elles résultent tant de raisons administratives, qui tiennent à la nécessité de construire le sens de ce nouveau ministère, que de conceptions de l’action marquées par la figure emblématique de Malraux et le contexte de l’après-guerre (Urfalino, 1996).

Le ministère s’attache dans un premier temps à définir ses objectifs en les différenciant et les précisant par rapport à ceux du ministère de l’Éducation nationale qui a abrité auparavant la Direction générale des Arts et des Lettres. Mais il faut aussi situer le ministère de Malraux par rapport à l’administration chargée de la Jeunesse et des Sports, tutelle des fédérations d’éducation populaire, dont certains segments ont été très tôt des supports de réflexion et d’action pour introduire les pratiques artistiques auprès des catégories sociales les plus dominées. Ces choix contribuent à cloisonner les missions du ministère et à différencier art et savoirs, pratique amateur et pratique professionnelle. Ils aboutissent à une valorisation de l’œuvre d’art comme finalité d’action des politiques publiques de la culture.

Dans cette conception, la question des publics est principalement pensée comme l’accès du plus grand nombre à la culture artistique et savante, laissant dans l’ombre la question des référents culturels et des identités de chacun Les politiques culturelles peuvent ainsi s’orienter vers le développement de structures de diffusion culturelle sur l’ensemble du territoire qui, à l’instar des maisons de la culture, deviennent les lieux privilégiés de la professionnalisation du secteur. Le ministère de Malraux participe à la construction d’un référentiel d’action qui articule une mission de service public à la reconnaissance et la structuration d’un secteur professionnel dont la figure centrale est l’artiste. Toutefois, dès sa constitution, l’administration centrale est traversée par des représentations de l’action et des nécessités administratives divergentes qui conduisent à envisager une place plus interstitielle pour les questions culturelles (Dubois, 1999). Une interrogation sur la conception de la culture véhiculée par le ministère et sur le sens des politiques culturelles va introduire l’idée d’un nécessaire débordement de ce nouveau secteur d’intervention publique centré sur la valeur accordée à l’œuvre d’art. Augustin Girard, à partir de la création du service des études et recherches au sein du ministère de la Culture, introduit ainsi la notion de développement culturel, conçue comme une articulation entre approches savante et militante de la culture. Il assure la promotion d’une notion forgée dans la ligne des anciens d’Uriage et du mouvement Peuple et Culture créé par Joffre Dumazedier, et diffusée à partir des Rencontres d’Avignon en 1964. La même année, au colloque de Bourges, ce dernier explicite cette notion de la manière suivante : « C’est dans les conditions d’une société de masse peu à peu gagnée par la consommation de masse que nous avons à poser le problème du développement culturel dès aujourd’hui […]. Le développement culturel se définit comme une mise en valeur des ressources physiques et mentales de l’homme en fonction des besoins de la personnalité et de la société » (Girard, 1968, p. 11-12). L’idée que tout homme doit pouvoir se situer dans l’héritage du monde, exprimer sa capacité créatrice et communiquer avec les autres citoyens vient heurter celle d’une politique culturelle dominée principalement par la promotion des arts. Cette conception élargie de la culture engage une autre dynamique d’action publique qui est quasi inverse au mouvement de spécialisation impulsé par Malraux. Elle traverse les commissions culturelles attachées à la planification dès le IVe Plan. « Il paraît inévitable, souhaitable même, que les divers aspects d’une politique culturelle, diffuse par définition, soient assumés par plusieurs administrations », peut-on lire dans un compte-rendu de la Commission en 1965 (ibid., p. 223). Toutefois, il faut attendre Jacques Duhamel pour que ces logiques de décloisonnement soient prises en compte par le ministère. À la suite de 1968, mais aussi dans un contexte d’ouverture et de changement induit par Georges Pompidou et son Premier ministre Jacques Chaban-Delmas, la notion de développement culturel va s’imposer pour signifier une « politique globale de la culture » (Gentil, Girard, 1995, p. 205). Cette orientation résonne avec l’idée de « nouvelle société » définie par le Premier ministre qui souhaite valoriser l’ouverture, le dialogue social et la liberté d’expression ; il s’agit de concevoir une politique culturelle en concertation avec la société civile. Cette démarche associe largement les intellectuels et les artistes à la réflexion ; on y trouve notamment des personnalités telles que Michel de Certeau, Jean-Marie Domenach, Edgar Morin ou encore le poète Pierre Emmanuel, qui présidera le Conseil du développement culturel. Cette conception d’une politique culturelle va doter l’action publique d’un nouvel objectif qui consiste à répondre à une perte de sens caractéristique de nos sociétés modernes, et à favoriser l’autonomie et l’émancipation de l’individu. En continuité avec la critique sociale de 1968 et un désir de desserrer l’étau de la bureaucratie pour libérer l’individu, la Commission culturelle souhaite donner des pistes pour « faire entrer la marge dans l’institution » (ibid., p. 248). Il s’agit de redonner de l’initiative et de permettre l’innovation. Cette politique d’« action culturelle » désigne une politique globale de la culture qui vise à réarticuler des secteurs de la vie sociale marqués par des évolutions récentes, à savoir la question de l’environnement, trop souvent ramenée à une dimension économique d’aménagement du territoire, l’enseignement, trop souvent conçu comme une distribution de connaissances, et la communication de masse, mal maîtrisée....