Éditions universitaires de Dijon

Identités de l’artiste

Pratiques, représentations, valeurs

Muriel Plana et Frédéric Sounac (dir.)

DOI : 10.4000/books.eud.3827

Éditeur : Éditions universitaires de Dijon

Lieu d’édition : Dijon

Année d’édition : 2021

Date de mise en ligne : 26 février 2024

Collection : Écritures

EAN électronique : 978-2-36441-510-2

https://books.openedition.org

Édition imprimée

EAN (Édition imprimée) : 978-2-36441-413-6

Nombre de pages : 375

Référence électronique

PLANA, Muriel (dir.) ; SOUNAC, Frédéric (dir.). Identités de l’artiste : Pratiques, représentations, valeurs. Nouvelle édition [en ligne]. Dijon : Éditions universitaires de Dijon, 2021 (généré le 29 février 2024). Disponible sur Internet : <https://books.openedition.org/eud/3827>. ISBN : 978-2-36441-510-2. DOI : https://doi.org/10.4000/books.eud.3827.

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Résumés

Érigé en mage à l’âge romantique, l’artiste convoque aisément les notions de sacralité, de sacerdoce, de marginalité, de prestige. Traditionnellement opposé au « bourgeois », il cristallise l’engagement dans la vie esthétique, souvent solidaire d’une critique du monde social. Mais qu’en est-il de l’artiste à l’heure où la pensée et la « mentalité » romantiques semblent largement coupées de leur arrière-plan spirituel et ontologique ?

Confié à la plume de spécialistes en études théâtrales, design, littérature, philosophie, musicologie et arts plastiques, cet ouvrage interdisciplinaire entend contribuer à une déconstruction critique de l’identité de l’artiste. Quel regard porte ce dernier aujourd’hui sur la valeur qu’il constitue ? Quelles stratégies de représentation adopte-t-il à l’ère de la communication et des réseaux sociaux ? Comment investit-il le champ du politique quand les problématiques de genre et de revendications identitaires entrent dans le débat ? Quelle est la pertinence d’une notion comme la vocation lorsque les destinées sociales se traduisent par des parcours hybrides ?

Les textes rassemblés ici fondent sur l’attention aux généalogies historiques de l’artiste l’examen de ses nouvelles identités. Si l’aspiration à s’exprimer subjectivement à travers l’art demeure pour le sujet contemporain d’une extrême puissance, la manière dont elle s’incarne ne cesse d’évoluer, engendrant acuité critique et production d’un imaginaire.

Considered mages in the romantic age, artists easily evoke the notions of the sacred, the priestly, the marginal, and the prestigious. Traditionally set in opposition to the bourgeoisie, they crystallise the commitment to the aesthetic life, often aligned with criticism of the social order. But what of artists when romantic thought and “mentality” seem broadly cut off from their spiritual and ontological background?

The writings of specialists in theatre studies, design, literature, philosophy, musicology, and visual arts have been selected for this interdisciplinary work, which aims to contribute to a critical deconstruction of the identity of artists. How do artists see their integral value today? What strategies of representation do they adopt in the era of communications and social networks? How do they enter the political field when the issues around gender and identity-based claims have become part of the debate? What is the relevance of a notion such as vocation when social fates are translated into hybrid pathways?

The texts compiled here base the examination of new artistic identities on the awareness of the artist’s historical genealogies. While the aspiration of subjectively expressing oneself through art still has extreme power for the contemporary subject, the way in which it is embodied never stops evolving, engendering critical acuity and the production of an imaginative sphere.

Muriel Plana (dir.)

LLA-CREATIS
Université Toulouse – Jean Jaurès
Professeure en études théâtrales à l’Université de Toulouse – Jean Jaurès et membre d’LLA-CREATIS, elle produit également des fictions romanesques et théâtrales, des mises en scène et des lectures théâtralisées. Parmi ses ouvrages universitaires : Théâtre et féminin : identité, sexualité, politique (EUD, coll. « Écritures », 2012), Théâtre et politique I. Modèles et concepts et Théâtre et politique II. Pour un théâtre politique contemporain (Orizons, 2014) et Fictions queer : esthétique et politique de l’imagination dans la littérature et les arts du spectacle (EUD, coll. « Essais », 2018). Elle a également codirigé des collectifs, dont, aux EUD : Théâtralité de la scène érotique (avec H. Beauchamp – 2012), Esthétiques queer dans la littérature et les arts (avec F. Sounac et al. – 2015) et Corps troublés (avec F. Sounac – 2018). Depuis 2016, elle codirige la collection « Nouvelles scènes/francophone » aux Presses Universitaires du Midi (quatre pièces publiées).

Frédéric Sounac (dir.)

LLA-CREATIS
Université Toulouse – Jean Jaurès
Maître de conférences HDR en Littérature comparée à l’Université de Toulouse – Jean Jaurès, il se consacre principalement à l’étude des relations entre littérature et musique. Organisateur de plusieurs manifestations scientifiques dans ce domaine, il a dirigé et codirigé de nombreux ouvrages collectifs (dont La Mélophobie littéraire, PUM, 2012) et a publié plusieurs livres : Modèle musical et composition romanesque (Classiques Garnier, 2014), Une Saison à Belgais – autour de Maria João Pires (Aedam musicae, 2015), ainsi que deux romans, Agnus Regni (Délit Éditions, 2009) et Tue-Tête (Pierre-Guillaume de Roux, 2017). Il prépare actuellement la publication d’un ouvrage, intitulé Black Bach, à paraître en 2021 chez Aedam Musicae. Il collabore régulièrement avec des musiciens, particulièrement la pianiste Maria João Pires, pour la conception et la représentation de spectacles musicaux, et est rédacteur de programmes pour l’Orchestre de Paris.

Sommaire

Remerciements

Introduction générale

Muriel Plana et Frédéric Sounac

L’artiste en représentation(s)

Introduction

Frédéric Sounac

Jean-Jacques Lemêtre musicien de théâtre, artiste pédagogue et artisan

Pierre Longuenesse

Un parcours

Le texte, l’acteur, la mise en scène

Une histoire de lutherie collective

Un « musicien de théâtre »

Identités de sculpteur : l’artiste moindre (xixe‑xxie siècle)

Claire Gheerardyn

Montrer les sculpteurs dans la fiction

Paragone

Un art pour les femmes ?

Bourdelle : montrer les sculpteurs au travail

Portrait du sculpteur en plasticien

Stéréotypes néo-romantiques de l’artiste Metal : le cas Lindemann

Camille Migeon-Lambert

De l’esprit rock à l’ethos Metal

L’artiste Metal, identité stéréotypée ?

Le Metal industriel, terre de provocation gothique et théâtrale

Rammstein, le cauchemar industriel

Lindemann : à lui seul, bien des personnages…

Le poète dans le théâtre contemporain, une identité riche d’ambivalences

Cyrielle Dodet

Le poète au théâtre, une figure mouvante

Le poète, un militant de la langue

Le poète, sauveur du théâtre

Le poète, artiste total·e ?

L’artiste résistant chez le romancier chinois Qiu Huadong

Vanessa Teilhet

Qiu Huadong, un écrivain dans la ville

Le narrateur, un artiste spectateur dans la ville / de la ville

L’artiste résistant et la ville

David Noir : une identité kaléidoscopique

Andréa Léri

Hors la scène : un artiste aux multiples visages

Une identité plurielle en construction via les médias virtuels

La scène des Parques d’Attraction : pour une expérience totalisante des incarnations de l’artiste ?

L’artiste et ses identités

Introduction

Muriel Plana

Offenbach figure trouble, identité(s) double(s) : du musicien juif allemand au visage du théâtre lyrique français du xixe siècle

Capucine Amalvy

Offenbach et ses doubles : un artiste musico‑théâtral

Discours fantasmés et représentations médiatiques autour de la figure d’Offenbach. Antisémitisme et/ou refus de la transgression ?

Une figuration hofmannienne ou « pré‑queer » de l’artiste

Identité de l’artiste « frontalier » : enjeux politiques et esthétiques. L’exemple du système linguistique dans l’œuvre dramatique de Léonora Miano

Chloé Dubost

Identité « frontalière »

Qu’est-ce que l’afropéanisme ?

Identités panafricaines et afropolitaines : recherche d’un entre‑deux

« Différence » linguistique et multilinguisme : une esthétique frontalière

Valorisation des langues et imaginaires subsahariens

Hybridité linguistique et relation

Le plurilinguisme, au service de politiques anti‑impérialistes

Nathalie Claude ou la métabolisation d’un fantasme lesbien dans Rabbit‑I (2005)

Pauline Boschiero

Art engagé au Québec : des revendications identitaires aux avant‑gardes féministes

Rabbit-I : un conte animalier sur le genre et les sexualités

Conte initiatique et travestissement : inquiéter « la femme » et sa sexualité

Fable populaire et danse clownesque : pour une poétique du rire

Places et rôles politiques de l’artiste

Introduction

Frédéric Sounac

« J’aurais voulu être un artiiiiiiiiiiiiiiiiiste » : L’amateur des Lumières joue les artistes

Julien Garde

Faire preuve d’habileté technique

Devenir artiste pour la défense d’une sensibilité musicale

Devenir artiste : repenser la société

Signature(s) partagée(s) : sens et limites de l’idéal égalitaire dans les collaborations artistiques et les créations collectives

Karine Saroh

Définition de la collaboration

Brecht et ses collaborateurs

Les œuvres collectives de Luigi Nono

Places, espaces et représentations des jeunes artistes et des formes politiques sur les scènes contemporaines

Laurie Guin Trouillas

La politique sur scène, mais quelle(s) scène(s) ? Les lieux et les organisations en question

Engagement pragmatique, engagement esthétique

Créer des alliances « hors théâtres ». Neuf mouvements pour une cavale de Guillaume Cayet et le Désordre des Choses

« Créer, c’est résister » : relire Deleuze et Guattari pour une pragmatique des métamorphoses

Aline Wiame

Introduction : la désidentité de l’artiste dans Qu’est‑ce que la philosophie ?, ou comment rejouer le trouble d’une pensée d’intervention

Du romantisme à la résistance au présent : « le combat est passé ailleurs »

Une ontologie en voix moyenne contre « l’ignominie des possibilités de vie qui nous sont offertes »

Conclusion : une pragmatique des métamorphoses

L’artiste en recherche-création

Introduction

Muriel Plana

Le corps laboratoire de l’artiste-chercheur·euse. Pour une recherche‑création incarnée

Emma Viguier

Préliminaires (dés-)identitaires

Les identités troubles de l’artiste‑chercheur·euse à l’université

Le corps en recherche et en création de l’artiste‑chercheur·euse

Pour un corps laboratoire : une recherche incarnée et vivante

« Merde à l’art et à la théorie, si elles ne nous gardent pas en vie » : La performance transféministe comme deuil rituel communautaire

Camille Hébréard

Une araignée, un parapluie et un aspirateur

Entretien de Saul Pandelakis avec Brice Genre et Hanika Perez, A+B

Saul Pandelakis, Brice Genre, Hanika Perez et A+B

L’artiste en roman : recherche‑création scénique

Muriel Plana

Séquence 1

Séquence 2

Séquence 3

Séquence 4

Séquence 5

Séquence 6

Séquence 7

Séquence 8

Épilogue

Note sur la dramaturgie et la mise en scène

L’autre Novalis : imaginaire satirique et conditions de l’art dans Quando corpus de Muriel Plana

Frédéric Sounac

La « vile pantomime » : éclairages satiriques

Nous sommes tous des Desper Novalis

Désacralisation de l’artiste et utopie de l’art dans Agnus Regni et Tue‑Tête de Frédéric Sounac

Muriel Plana

Roman de formation et autoréflexivité : généalogie critique de l’artiste

L’artiste comme « manque d’être » : poids du corps et identité tragique

Idéalisation, critique de l’idéalisation et utopie désirante

Présentation des auteurs et autrices

Remerciements

Nous remercions l’Unité de Recherche LLA-CREATIS de l’Université de Toulouse – Jean Jaurès, sa directrice jusqu’à décembre 2018, Emmanuelle Garnier, et sa responsable administrative Sandra Bort, sans qui rien ne serait possible de nos recherches collectives, ainsi que Pierre-Yves Boissau et Anne Coignard, pour leur aide à l’organisation de certaines séances du séminaire pluridisciplinaire « Identité(s) de l’artiste dans les discours littéraires, artistiques, médiatiques et des sciences humaines (2017-2020) » dont est issue une grande partie des textes publiés dans cet ouvrage collectif.

Introduction générale

Muriel Plana et Frédéric Sounac

Il y a loin de l’activité artistique à l’identité de l’artiste. Quand et comment une pratique devient-elle ou justifie-t-elle une identité, et quelle identité ? Être un·e artiste, est-ce simplement être le sujet d’une activité/action de création dont le produit est validé – par la personne elle-même, par le Marché Institué de la Création1, par le public, par la postérité ? – comme de l’art authentique, comme de l’art véritable, comme de l’Art ? N’est-ce pas d’abord un métier, une profession, une vocation ? Ou bien est-ce un simple rôle social provisoire, voire une tendance psychique singulière ? Être un·e artiste, se percevoir ou être perçu·e comme tel·le, est-ce un fait, l’expression d’un désir, ou la marque d’un talent ? Entre ces options de définition, contenues dans les questions elles-mêmes, il paraît peu pertinent de choisir et la tentation apolitique du relativisme est forte : à chacun sa conception de l’artiste. Nous pouvons donc peut-être mieux les poser, ou les poser autrement. En tout cas, c’est ce que nous essayons de faire dans cet ouvrage collectif.

L’identité de l’artiste peut être appréhendée moins comme un fait, dont la circonscription elle-même est déjà problématique, du moins si l’on refuse tout relativisme comme tout essentialisme mais que l’on s’efforce, au contraire, de s’inscrire dans une recherche située, sensible à l’historicité et aux contextes des discours et pratiques étudiés, que comme une idée. Nous sommes ainsi parti·e·s du constat qu’elle fait depuis longtemps l’objet de représentations, mais sans doute de plus en plus massivement aujourd’hui, au sein d’un complexe de discours, qualifiables d’artistiques eux-mêmes ou relevant d’une expertise indirecte sur l’art (sciences humaines et médias). Il semble, en effet, qu’elle soit à la fois une évidence, dans la mesure où nous avons tous et toutes, intuitivement, une idée plus ou moins naturalisée de ce que peut être un·e artiste, et une fausse évidence, plus que jamais interrogée par la recherche, mais aussi, par exemple, au sein du militantisme et des pratiques artistiques contemporaines elles‑mêmes.

Dans ce contexte contemporain d’hypersensibilité à la question de l’identité de l’artiste et, en général, des « identités » (professionnelles, mais aussi existentielles, sexuelles, culturelles…), nous cherchons alors à comprendre moins la réalité d’une identité comme condition ou comme produit d’une action, en la distinguant d’autres pratiques ou d’autres conditions, ou en en faisant l’histoire, que la place stratégique, esthétique et politique, qu’occupe cette identité dans des discours, notamment artistiques et littéraires, et au-delà, puisque les discours des sciences humaines (histoire, philosophie, sociologie, études de genre, études queer, sciences de la communication) et des médias qui portent sur les arts ou sur les objets qui intéressent l’art déterminent au moins en partie, à travers des jeux de contextualisation, de modélisation ou d’influences, les productions artistiques.

Il convient à cet instant de rappeler que nos recherches s’inscrivent avant tout dans les champs disciplinaires des lettres, des langues et des arts (ALL) et ne relèvent pas, à proprement parler, des sciences humaines et sociales (SHS) puisque nous ne partageons a priori avec ces dernières ni les mêmes objets, ni les mêmes méthodes, ni les mêmes postulats. En revanche, nous tenons vivement à dialoguer avec elles et savons que nous avons besoin de leurs apports, en particulier en termes de critique socio-politique et philosophique, pour pouvoir produire, sur les champs, les pratiques et les objets qui nous concernent, une recherche universitaire qui soit bien à la fois esthétique et politique.

C’est donc à une figure, ou, si l’on préfère, à un personnage que nous avons affaire, à la question de son identité et de sa définition-redéfinition comme telle, mais aussi – d’où le pluriel choisi dans notre titre – à la pluralité possible d’une identité (l’artiste) superficiellement unifiée dans d’autres identités (genre, classe, sexualités, culture, « race2 », font donc partie intégrante de notre interrogation) ou dans ses identifications modernes et contemporaines.

Comment l’identité de l’artiste se présente-t-elle, se construit-elle, se défend-elle ? Comment relève-t-elle de la norme, du fantasme, du mythe, de l’idéologie ? Comment, éventuellement, peut-elle se défaire, se repenser, se pluraliser, se reconstituer sur des modes politiques, féministes ou queer ? À quoi, et à qui, sert‑elle ?

On sait bien (et c’est tellement d’actualité3) qu’une « identité » se travaille de différentes manières pour être définie et surtout utilisée : sur un mode dialectique, par distinction, par opposition et par critères ; sur un mode analytique, en postulant que la somme des parties d’un être constitue un « tout » cohérent et suffisamment permanent pour faire « identité » dans le temps et dans l’espace ; par l’établissement de ses conditions de possibilités logico-historiques : à partir de quand peut-on parler d’artiste et non d’artisan, par exemple, ou de non-artiste ? Pourtant, on ne partira pas ici d’une telle définition préalable et commune : on laissera chaque chercheur et chercheuse procéder, à partir de ses propres postulats définitoires de l’identité en général et de l’identité de l’artiste en particulier, à l’examen critique des représentations qu’un certain nombre d’œuvres, de pratiques et de discours nous en proposent.

Nous nous inscrivons, avec ce collectif, dans les approches esthétiques et politiques, collectives et interdisciplinaires, d’objets/de problématiques qui sont la « marque de fabrique » de notre laboratoire pluridisciplinaire, LLA-CREATIS. Nous poursuivons en effet ici la théorisation et la mise en pratique transdisciplinaire en Arts, Lettres et Langues – d’une épistémologie à une méthodologie, de l’invention de problématiques nouvelles à la découverte et création de corpus – entamées dans d’autres ouvrages déjà publiés au sein de notre unité de recherche, par un groupe de chercheurs et chercheuses parfois uni·e·s depuis plus d’une décennie autour du programme « Esthétique et politique du corps et de la scène » (2020-20254) : Théâtralité de la scène érotique (2013), Esthétique(s) queer (2015) ; Corps troublés (20185).

Avec ce nouvel opus, Identités de l’artiste, nous tentons de livrer, encore une fois, une réflexion inédite, non exhaustive, mais qui pourra sans doute inspirer d’autres chercheurs et chercheuses de disciplines variées, à travers un travail d’introduction théorique et un ensemble d’études libres. La plupart d’entre elles nous ont été présentées dans le cadre du séminaire de trois ans (2017-2020) lié au programme pluridisciplinaire LLA-CREATIS « Approches esthétiques et politiques du corps dans la littérature et les arts ». Si elles s’inscrivent dans différentes disciplines (études théâtrales, arts plastiques, littérature comparée, philosophie, musicologie…), utilisent différentes méthodologies, sont plus ou moins théoriques, analytiques ou pratiques, elles relèvent toutes néanmoins d’une approche générale esthético-politique.

Notre objectif est donc de décrire, répertorier, interpréter ces « identités de l’artiste » telles qu’elles apparaissent dans des œuvres d’art et des discours sur l’art, internes ou externes au champ artistique, mais aussi de comprendre à quoi elles servent socialement et politiquement. Autrement dit, nous nous efforçons de saisir en quoi elles véhiculent ou fabriquent des idées, voire de l’idéologie, et comment et pourquoi elles sont susceptibles, en tant que telles, de produire ou de reproduire du réel, réel de l’artiste, de l’art, mais aussi de la pensée et de la société. Enfin, il est aussi et nécessairement question d’étudier comment elles fonctionnent dans l’économie d’une œuvre ou d’un discours, en quoi elles déterminent, en tant que thématique, problématique ou représentation, des formes et des dispositifs, des poétiques et des esthétiques, des modalités spécifiques de création et de réception.

Comme d’habitude dans nos travaux collectifs, il s’agit pour nous d’entreprendre un travail généalogique alternatif susceptible d’éclairer la contemporanéité de notre problématique. C’est en effet dans une histoire générale des modernités, soit à partir du moment où l’art s’est autonomisé ou a prétendu s’autonomiser d’autres sphères culturelles comme la politique et la religion et que l’identité de l’artiste est devenue un enjeu symbolique très important, que s’enracine cette réflexion, précisément à partir du passage, selon l’expression de Jacques Rancière, d’un « régime mimétique » à un « régime esthétique » de l’art, qui s’initie peu ou prou à la fin du xviiie siècle6.

Une fois ces principes posés, nous pouvons en revenir à la délimitation scientifique de nos interrogations. L’identité de l’artiste est-elle le résultat d’une identification à travers une légitimation, une institutionnalisation, une reconnaissance, une médiatisation – pour tout dire une « artification7 », comme peut l’être, d’un point de vue sociologique en tout cas, l’identité de l’art ? Certes, l’identité de l’art – sa spécificité, son autonomie, son « champ » –, si elle est un préalable et un corrélat de notre étude, n’est pas directement notre question dans ce cadre alors qu’elle est bien celle des historiens et des sociologues de l’art comme P. Bourdieu, H.S. Becker, R. Shapiro, N. Heinich ou J.-P. Menger dans différents ouvrages fondamentaux et éclairants pour nous8. Il ne s’agit pas davantage pour nous de définir normativement, en philosophes de l’art9, ou d’appréhender sur un mode descriptif, en historiens ou critiques d’art10, une activité, appelée art, ni une production, appelée également art, ancienne ou contemporaine.

Ce sont les retombées symboliques et pratiques d’une idée, plus exactement d’une représentation, dominante ou marginale, sur une personne humaine, individuelle ou collective, que l’on appelle « artiste(s) » qui nous intéressent plus précisément dans cette étude.

Notre principale question est bien celle de l’artiste comme personne, comme figure, comme personnage, comme enjeu, bien sûr, mais aussi comme présence et surtout comme représentation dans un ensemble de discours. Il s’agit donc d’affronter l’idée, voire le mythe, de l’artiste plutôt que sa réalité, sachant néanmoins qu’un lien, de production ou de reproduction, unit en permanence ces deux sphères, sur un mode plus ou moins mimétique, performatif ou dialogique que notre recherche permettra peut-être de mieux appréhender.

C’est pourquoi nous ferons un sort, dans la quatrième et dernière partie de notre ouvrage, au thème récent et à la mode de la « recherche-création », sachant que l’identité du créateur ne correspond pas exactement à l’identité de l’artiste, même si elle la recoupe en partie, à travers la figure du chercheur-créateur ou du créateur-chercheur. La théorisation et l’institutionnalisation actuelle de la recherche-création à l’Université, légitime, nomme et valide, d’une manière particulière, qu’il conviendra également de penser, une réalité ancienne, à savoir que le même individu ou groupe d’individus peuvent produire, dans tel ou tel contexte, simultanément ou successivement, à la fois de la recherche, qu’elle soit académique ou non, soit des travaux spécifiques qui inventent ou délivrent un savoir, et de la création, soit des objets identifiés comme artistiques (œuvres, performances…) ou non (outils, projets, données nouvelles). Cette recherche et cette création sont, en outre, intellectuellement liées et dialoguent entre elles.

L’identité, ou plutôt les identités, de l’artiste ne sont-elles que le produit de définitions illustrées par ces représentations plus ou moins générales, plus ou moins particulières, auxquelles nous allons nous intéresser ? Ne constituent-elles pas plutôt l’objet, parce que source et symbole d’une valeur devenue essentielle en contexte moderne, puis contemporain, d’un désir social ou psychique, individuel et collectif, extrême et très généralisé, peut-être même démocratisé ? Parce qu’elles sont à la fois floues et sensibles, associées à des privilèges, réels ou symboliques, prétextes à fantasmes, ne constituent-elles pas avant tout l’enjeu de revendications, de conflits et de rapports de force socio-politiques ? Qui a le droit de se revendiquer artiste aujourd’hui ? Qui décide, et selon quels critères, de l’identité artistique de tel ou tel individu ? À quoi donne droit, en termes de reconnaissance, économique ou symbolique, le fait d’être identifié·e comme un·e artiste ?

Nous avons pu constater à maintes reprises à quel point cette réflexion théorique était attendue non seulement dans les milieux universitaires mais aussi et surtout dans les milieux artistiques, qu’ils soient professionnels ou amateurs, à l’image d’autres recherches, plus ciblées, également entreprises au sein de notre programme « Esthétique et politique du corps et de la scène » et portant sur les « Critères et valeurs de la création contemporaine (théâtre, danse et cirque11) ». Peut-être est-ce parce qu’il n’y a pas si loin en revanche du pouvoir de créer de l’art, ou du moins de l’identité liée à ce pouvoir, au Pouvoir tout court que l’on peut avoir sur soi ou sur les autres, à travers un accès spécifique à la visibilité, à l’audibilité, à la reconnaissance sociale. Enfin, il est toujours intéressant dans le marché concurrentiel de l’art, à l’image de tous les marchés des sociétés contemporaines, de transformer une activité ou une place que l’on occupe provisoirement, celle du créateur d’une œuvre ou de l’auteur d’une performance, en une Identité, en une essence, en une spécificité, sinon en une qualité peu partagée et donc précieuse et donc commercialisable et rentable, de sa personnalité.

En traquant les présupposés enracinés ou les stratégies idéologiques actives dans les représentations de l’artiste et de ses identités et en étudiant les formes de ces représentations tant à l’intérieur des œuvres (dispositifs compositionnels, narratifs, poétiques, dramaturgiques, voix, points de vue, études de personnages, thématiques dominantes, autoreprésentations et performances de soi…) qu’à l’extérieur des œuvres et relevant alors du paratexte et de la réception (discours des artistes sur eux-mêmes ou sur d’autres artistes, mises en scène de soi « en artiste » dans les médias, discours critiques, discours médiatiques et discours des sciences humaines prenant l’artiste pour objet, exemple, modèle opératoire ou concept…), on s’attachera non seulement à l’objet artistique, l’œuvre comme entité à la fois autonome et formant lien entre son producteur et son récepteur, mais à la relation ou expérience artistique dans sa globalité.

Notre collectif se compose donc de quatre parties, présentées par les co-directeurs de l’ouvrage, qui permettent de faire apparaître les principaux champs de l’étude collective que nous avons entreprise : l’artiste en représentation(s), dans laquelle les articles s’attacheront plus particulièrement à la mise en scène de l’artiste par lui-même ou par les autres ; l’artiste et ses identités, où est problématisée la manière dont se croisent et s’interpénètrent identité de l’artiste et identités de genre, de « race », de classe, de culture, etc. ; places et rôles politiques de l’artiste, qui propose des enquêtes sur les stratégies d’identification et de localisation de la figure sociale de l’artiste, de l’amateur au professionnel, de l’artiste « collectif » à l’artiste émergent et jusqu’à l’artiste comme modèle du philosophe ; enfin, l’artiste en recherche-création, où l’on découvrira des expérimentations, des témoignages et des réflexions théoriques sur l’articulation entre l’identité du chercheur et celle de l’artiste.

En cherchant à comprendre comment et pourquoi des idéologies, voire des dominations, qui seront à chaque fois à identifier, s’expriment ou se fabriquent dans les discours institutionnels ou marginaux, œuvres d’art comprises, qui sont tenus en régime moderne et postmoderne sur l’artiste, sur son identification et sur ses identités, nous travaillons sans doute à démystifier sa figure et ses évidences ; mais nous nous efforçons aussi, et peut-être surtout, de penser et défendre, sans les idéaliser à leur tour, puisque penser et soupçonner l’artiste nous conduit nécessairement à penser et à soupçonner sa production appelée art, la spécificité, les pouvoirs et la nécessité des arts réels, dans leur multiplicité et dans leur mobilité, comme sujets et objets de pensée et d’émotion et comme expériences dialogiques indispensables à l’être humain et au citoyen contemporain.

Notes

1 Muriel Plana, « Aux marges du Marché Institué de la Création : deux espaces “pauvres” de représentations féministes et queer », dans Courau T. et Palaisi M.-T. (dir.), Politique des représentations queer  : performa(r)tivité identitaire et ar(t)chive, Sociocriticism, n° 35-1, 2020.

2 « Race » est utilisé ici, de même que « genre », comme une catégorie sociale. Voir pour approfondir sur ce concept, Hourya Bentouhami-Molino, Race, cultures, identités, Une approche féministe et postcoloniale, PUF, coll. « Philosophies », 2015.

3 Voir Nathalie Heinich, Ce que n’est pas l’identité, Paris, Gallimard, 2018. Voir également sur la question, hautement politique : https://www.franceculture.fr/emissions/linvite-des-matins/liberte-egalite-identite-0 (consulté le 18/09/2021) ou dans un tout autre registre : https://www.franceculture.fr/emissions/repliques/la-crise-de-luniversel-0 (consulté le 18/09/2021).

4 … et de ses prédécesseurs au sein de notre unité de recherche : « Esthétique et politique du corps » (2015-2020) et « Dispositifs plastiques, dispositifs scéniques » (2009‑2014).

5 Muriel Plana et Hélène Beauchamp (dir.), Théâtralité de la scène érotique du xviiie siècle à nos jours dans la littérature, les arts du spectacle et de l’image, Dijon, Éditions Universitaires de Dijon, coll. « Écritures », 2013. Muriel Plana, Frédéric Sounac et al. (dir.), Esthétique(s) queer dans la littérature et les arts : sexualités et politiques du trouble, Dijon, EUD, coll. « Écritures », 2015. Muriel  Plana et Frédéric Sounac (dir.), Corps troublés : approches esthétiques et politiques de la littérature et des arts, Dijon, EUD, coll. « Sociétés », 2018.

6 Jacques Rancière, Le Partage du sensible, La Fabrique-Éditions, Paris, 2000.

7 Nathalie Heinich et Roberta Shapiro (éds.), De l’artification : enquêtes sur le passage à l’art, Paris, Ehess, 2012.

8 Pierre Bourdieu, Les Règles de l’art. Genèse et structure du champ littéraire, Paris, Seuil, coll. « Point-Essais », 1998 ; Nathalie Heinich, Être écrivain, création et identité, La Découverte, 2000 ; Howard S. Becker, Les mondes de l’art, Paris, Flammarion, 1988 ; Pierre-Michel Menger, Le travail créateur. S’accomplir dans l’incertain, Paris, Gallimard-Seuil, coll. « Hautes études », 2009 (voir également sur France Culture les 13 séances enregistrées de ses cours du Collège de France (6 au 22 novembre 2017) : https://www.franceculture.fr/emissions/series/quest-ce-que-le-talent-elements-de-physique-sociale-des-differences-et-des-inegalites-0. Voir enfin, sur la responsabilité morale et idéologique de l’écrivain et sur la question essentielle de l’autonomie de l’art, le récent Peut-on dissocier l’œuvre de l’auteur ? de Gisèle Sapiro (Éditions du Seuil, 2020).

9 John Dewey (L’Art comme expérience), Jacques Rancière (Le Spectateur émancipé), Barbara Formis (Esthétique de la vie ordinaire).

10 Ernst Gombrich, René Huyghe, Erwin Panofsky, Philippe Dagen, Jean Clair, Daniel Bougnoux…

11 Cycle de journées d’études LLA-CREATIS : « Critères et valeurs 1. Nouvelles écritures dramatiques françaises », sous la direction de Muriel Plana (24 novembre 2017) ; « Critères et valeurs 2. Nouvelles écritures scéniques : écrire, mettre en scène, programmer », sous la direction d’Elise van Haesebroeck (16 mai 2019) ; « Critères et valeurs 3. Dans les arts du cirque, de la rue et la danse contemporaine », sous la direction d’Anne Pellus, Marion Guyez et Karine Saroh (16 février 2021).

Auteurs

Muriel Plana

LLA-CREATIS
Université Toulouse – Jean Jaurès

Frédéric Sounac

LLA-CREATIS
Université Toulouse – Jean Jaurès

L’artiste en représentation(s)

Introduction

Frédéric Sounac

La présence problématique de l’artiste à lui-même, l’irrépressible besoin portant tout sujet qui s’éprouve comme « créateur » à méditer sur une condition qui souvent se confond avec la vie, fait de l’œuvre d’art, sous toutes ses formes, une sorte de sphère armillaire. En tant qu’objet détaché de l’artiste, mais que celui-ci est susceptible d’endosser ou de renier, elle se présente comme un complexe mouvant d’affirmations et de rejets, d’analyses et de fantasmes, de quêtes acharnées et de dispersions volontaires d’une identité. La silhouette protéiforme de l’artiste, démentant l’hypothèse de son essence, se recompose sans cesse dans ce prisme, en autant de représentations critiques, tragiques ou ironiques, de reformulations d’un héritage. Par le biais de réflexions sur certaines incarnations spécifiques de l’artiste (le poète, le sculpteur), ou par l’évocation de parcours individuels paradigmatiques, cette première partie de notre ouvrage se consacre à la manière dont « l’artiste », objet obsessionnel de la culture et de maints récits, problématise à son tour ses modes d’apparition dans l’espace fictionnel ou social. Une telle démarche, à l’âge où l’on déplore souvent que l’être et l’objet soient devenus de simples satellites de la communication produite sur eux, semble même, parfois, recouvrir l’ensemble de l’activité artistique : avec le cas pour le moins extrême de David Noir, performer et vidéaste jouant de l’hypersexualisation pour orchestrer de main de maître une forme de « sur-présence », Andrea Leri médite ainsi sur l’identité volontairement kaléidoscopique de l’artiste à l’heure d’Internet et des réseaux sociaux. Personnage subversif (car il s’agit traditionnellement, on le verra, de choquer le « bourgeois »), mais paradoxalement sur-adapté à la loi du monde numérique, David Noir expose crûment ce que peut devenir le corps et l’imago de l’artiste à l’époque contemporaine.

Cependant, remontons un peu dans le temps. On sait que le phénomène de décontextualisation de l’art (son affranchissement progressif des tutelles politiques et religieuses), doublé d’une autonomisation fondant sa dimension autoréférentielle, et même autotélique, a engendré, à la fin du xviiie siècle, une sacralisation de l’artiste abondamment thématisée et dramatisée. La vocation, vite érigée, le succès aidant, en destinée, s’impose alors durablement au centre des imaginaires et des représentations, les élus de l’art composant une « Église invisible » mystérieusement accolée – tout en lui demeurant étanche – au monde social. Parmi les inédits de Proust révélés en 2019 par Luc Fraisse, et rassemblés sous le titre Le Mystérieux correspondant¹, se trouvent deux fragments dans lequel le jeune écrivain, bien avant l’époque du Temps retrouvé et du couronnement de sa vaste entreprise romanesque, imagine le discours tenu par des fées sur le berceau d’un enfant dont le destin sera de souffrir par excès de sensibilité : un futur artiste. Violenté par les hommes et leur monde agressif, le malheureux ne trouvera le bonheur que dans la délectation esthétique, notamment la peinture dont il fera un sanctuaire. La première fée, celle des « délicatesses incomprises », lui annonce, un peu piteuse, qu’elle n’a d’autre choix que de lui faire don d’une hypersensibilité maladive, qui le rendra atrocement vulnérable. Tous les êtres qui croiseront son chemin, ennemis ou amis, le blesseront sans remède. La deuxième, qui tait son nom, s’efforce de le consoler : née dans les profondeurs de « ses chagrins incompris, de ses tendresses méconnues, de la souffrance de son corps2 », elle lui donnera le pouvoir, à défaut d’infléchir son sort, de le convertir en une expression sublime, qui dispensera la lumière autour d’elle. Sa maladie, en devenant plus profonde et toujours plus éprouvante pour lui, se transformera en bienfait pour l’humanité, qu’elle arrachera à l’ornière de la servitude. Il n’est point besoin, sans doute, d’insister sur le modèle sacerdotal qui se déploie ici, ni sur la nature sacrificielle et christique d’un tel sort. Ambigu, le « don des fées » est aussi, comme il se doit, une malédiction. Objet de maints discours et variations culturelles, soumis à l’esprit d’examen comme à l’ironie, voire la parodie, il n’a pas pour autant disparu de nos représentations, ni surtout de notre inconscient.

Même si la réflexion esthétique en a objectivé les présupposés et déconstruit les mécanismes de perpétuation, c’est bien une conception romantique qui demeure au cœur de cet « inconscient », c’est-à-dire d’un ensemble de discours et de représentations relevant moins d’une doxa que d’un réflexe. Aux riches heures du premier romantisme, la figure sainte de l’artiste, auréolée de sa capacité exclusive (supérieure à celle du philosophe) à atteindre des « contenus de vérité » s’opposait à celle du bourgeois. Mais de quel artiste parle-t-on ? De même qu’il y a une hiérarchie des anges, un « système de l’art » articulé à une conception anti-mimétique décide alors des valeurs, de sorte que certaines pratiques, pourtant attestées depuis la plus haute Antiquité, doivent sans cesse reconquérir leur « régime d’art ». C’est par exemple le cas de la sculpture, dont Claire Gheerardyn explore dans son article l’étrange déficit d’autorité, lié à la tridimensionnalité, mais aussi à l’omniprésence du matériau : un statut longtemps subalterne, qui n’en rend historiquement que plus passionnante, notamment à l’aune du genre (gender), la quête identitaire du sculpteur. Mieux lotie, la « poésie », sémantiquement appariée à l’acte créateur dans toute son abstraction, fait office de sanctuaire, de « Djinnistan » garantissant de manière intemporelle d’excellence de l’art et son lien avec l’Idée. Observant la dialectique parfois conflictuelle entre le « texte » et la « scène » dans le théâtre contemporain, Cyrielle Dodet livre pour sa part une analyse des valeurs véhiculées par l’affirmation d’une identité de poète, telle que la défense de la langue, voire du lyrisme ou du « contenu de vérité ».

Mais le « parfait poète », presque tout au long du xixe siècle, est...